one for the treble, two for the bass

www.33-45.org

2009-12-20T11:28:00.004Z

E a partir deste momento, o One For The Treble, Two For The Bass passa à história. A minha "nova casa" é o 33-45. A mesma atitude, a mesma direcção nos posts (e um par de direcções novas, se a bússula não me falhar) e um dado novo: fórum para recuperar a velha comunidade que orbitava no fórum do HdB e para a alargar, se possível. Por isso, por favor, inscrevam-se e sejam bem vindos. Here we go again...!

33-45: em breve!

2009-12-19T18:02:00.005Z

Praticamente um ano depois de ter começado, o One For The Treble vai sofrer uma transformação profunda: sai da plataforma do blogger, passa a ter novo grafismo e - muito importante! - domínio próprio e um novo nome, mais simples de dizer e de ser compreendido. A filosofia, essa continuará a ser a mesma: «Todo o funk que há no jazz, todo o rock que há no disco, toda a soul que há na folk, todo o passado que há no futuro. Discos, ideias, textos.» Nem mais. E, a pedido de incontáveis famílias, vai regressar o fórum associado ao blog, tal como acontecia nos tempos do HdB.
Esta operação de transformação só acontece graças à inestimável colaboração do Edgar Matos, aka motown junkie, que a partir de Elvas está a conduzir toda a logística de mudança e transformação do One for The Treble, Two For The Bass em 33-45. Link aqui muito em breve. Daqui a algumas semanas, deitarei esta página abaixo. Os conteúdos, claro, passam a estar disponíveis na nova página.
Até já!

Capa do ano? Strong Arm Steady

2009-12-17T19:03:00.006Z

Há muitas razões para que a minha colecção da Stones Throw não páre de crescer e as mais importantes são, obviamente, musicais. Mas a atenção da label de PB Wolf aos detalhes é insuperável: cada projecto é tratado como uma dignidade extrema e o amor pela edição, pela música, pela possibilidade de dar dimensão física a toda aquela arte é espantoso. Prova mais recente, a capa de "In Search of Stoney Jackson", dos Strong Arm Steady.

In Search of Stoney Jackson is produced entirely by Madlib, longtime friend of Phil Da Agony and extended Strong Arm Steady family. The album’s conception owes a great deal to World Famous Beat Junkie, J.Rocc, who provided the trio with close to 200 of the Madlib the Beat Konducta’s tracks to choose from. Strong Arm Steady had previously rapped over Madlib productions on the Madlib and Talib Kweli Liberation album, but this full-length marks a long-desired collaboration between the four. It’s a hip-hop jam session, with the group acting as the rhythm section for an all-star cast of guest vocalists such as Planet Asia, Guilty Simpson, Evidence, Chase Infinite, and Phonte of Little Brother.

Shook # 7

2009-12-17T18:50:00.003Z

Novo número da Shook já nas bancas. Leiam o que eles têm a dizer (gosto especialmente da expressão "ciência do ritmo" - vou adoptar!):

With our FUNK FACTORY special covering some of the baddest bands on the planet (Dap-Kings, Breakestra, Whitefield Brothers, Lefties Soul Connection, Cookin’ On 3 Burners & Malcolm Catto of the Heliocentrics) and our focus on PLANET MU, whether we’re cold lampin’ with the original funki dred JAZZIE B or sweating to the tropical rhythms of GWO KA and TUMBELE in Martinique and Guadeloupe, SHOOK #07 goes deep in the science of rhythm. The launch of HOMEGROWN, the first major exhibition of UK hip-hop, is our excuse to go back in time with London Posse, Demon Boyz and many more. We get the DATA REDUCTION from ZOMBY and gOnj@$ufi. MAX ROMEO tells us how he almost burned down the offices of Island Records, HUDSON MOHAWKE talks about making tracks for Rihanna, while Stefan Lakatos remembers learning to play the trimba from MOONDOG. For all you jazz heads, CARL CRAIG, MARCUS BELGRAVE and WENDELL HARRISON give us the rub on the resurrected TRIBE RECORDS project; we get a dose of Ancestral Soul from BODDHI SATTVA; Guilty Simpson, Black Milk, Dilated Peoples, Planet Asia and more salute HEX MURDA; we smoke Cohibas in Cuba with GILLES PETERSON and blaze blunts in LA with GASLAMP KILLER, SAMIYAM, HOUSESHOES & RHETTMATIC. Plus TERENCE BLANCHARD explains all about his difficult choices post-Katrina. Elsewhere, we feature FELA! THE MUSICAL, we surprise NNEKA, find out all about the CANDY MACHINE, travel the world with DREPH, celebrate the release of STILL BILL and raise a toast to 30 years of VAGUE. So shut yourself away this Christmas with a copy of SHOOK and a bottle of brandy, and be a soul adventurer, travelling to places and spaces far and wide in the musical omniverse.

The Minimal Wave Tapes

2009-12-15T13:38:00.003Z

Apetece recuperar aquele famoso anúncio do Pingo Doce e dizer que esta boa notícia vem do "sítio do costume".

The Minimal Wave Tapes
CD/2LP/Digital
Release Date: Jan 26, 2010

Minimal Wave: both a genre of underground DIY electronic music from North America and Europe in the late 1970s and 80s, and the name of the label devoted to unearthing these recordings. The Minimal Wave Tapes is the first official anthology (on CD, LP and digital) of Minimal Wave music from this label. Most of the songs were originally released on limited edition cassettes or vinyl by the artists themselves, and only a handful of people knew about them. They’ve been remastered from their analog source tapes and compiled here by Minimal Wave's Veronica Vasicka and Stones Throw's Peanut Butter Wolf.

The Minimal Wave musical genre was hallmarked by the use of the analog synths and drum machines manufactured in the 70s and 80s, and characterized by simple music structures made by musicians working in the early D.I.Y. asthetic: recording on tape in their home studios, creating their own album artwork, and often collaborating via postage mail. The fanzine CLEM (Contact List Of Electronic Musicians) was very influential in creating a worldwide community for this sort of music, before digital technology and the internet came into play.

Minimal Wave the label was founded in New York City in 2005 by Veronika Vasicka, who focused the label solely on obscure Minimal Wave recordings, remastering and releasing them on limited vinyl and digital.

The Minimal Waves Tapes fits neatly into Stones Throw Records' own tradition of compiling or reissuing the independent music of the past which influences the independent music we make today - 60s funk (The Funky 16 Corners), early 80s hip-hop (The Third Unheard) and West Coast Electro/Rap (Arabian Prince's Innovative Life) to name a few.

Tracklisting

1. “Way Out Of Living” Linear Movement
2. “Flying Turns” Crash Course In Science
3. “Radiance” Oppenheimer Analysis
4. “Who's Really Listening” Mark Lane
5. “Tempusfugit” Tara Cross
6. “Blurred” Turquoise Days
7. “Mickey, Please...” Bene Gesserit
8. “Moscú Está Helado” Esplendor Geometrico
9. “Reassurance Ritual” Das Ding
10. “Just Because” Martin Dupont
11. “Game & Performance” Deux
12. “Things I Was Due To Forget” Somnambulist
13. “My Time” Ohama
14. “The Cabinet” Das Kabinette

PB Wolf sobre a Minimal Wave

Minimal Wave Podcast

Low End Theory Podcast # 10

2009-12-15T13:12:00.002Z

Décimo épisódio na história interminável de devoção aos sub-graves mais cavernosos de Los Angeles. Protagonistas: Dj Nobody e Free The Robots.

Low End Theory Podcast # 10

The Breaks: regresso à fonte

2009-12-14T09:40:00.002Z

No passado sábado, o final de dia no café do teatro Maria Matos foi passado a conversar com a Isilda Sanches e o Zé Moura sobre muitas coisas, incluindo o clássico 3 Feet High and Rising dos De La Soul. Num momento em que se discute o presente - e eventual futuro - do hip hop, a audição destes clássicos pode refrescar as ideias. Foi o que me aconteceu com a estreia dos De La Soul: a caminho do Superdisco no sábado, não pude deixar de pensar como esse álbum é um autêntico catálogo de breaks, um álbum que sendo progressivo à época (e ainda hoje...) conseguia não perder de vista a fonte da cultura e os alicerces estéticos que permitiram erguer o edificio que hoje se conhece. Nem sempre isso acontece: quantos serão os produtores hoje que desconhecem por completo a cartilha básica dos breaks? Quantos são os produtores hoje para quem os drum kits de Dilla ou Premier são a principal fonte? Um bom sítio para se começar a entender a dimensão desta cultura de breaks pode ser um thread recente no universo de informação que é o Soulstrut: Greatest Drum Braek of All Time (assim mesmo, com as letras da palavra "break" ligeiramente reposicionadas, como acontece com frequência nesse fórum onde "rare" se escreve "raer") é leitura obrigatória para todos - para refrescar a memória ou até para revelar uma série de novos e grandes breaks. Quem sabe alguns beatmakers não tiram dali algumas ideias?...
A (des)propósito, lembrei-me de um texto de quase 10 anos, publicado em tempos na Op. Marcou presença logo nos primeiros tempos do HdB e volta a fazer sentido aqui:

BOOM BAP: GIVE THE DRUMMER SOME

A bateria é o mais político de todos os instrumentos. Em primeiro lugar, porque retém uma ancestralidade que mais nenhum instrumento possui, afirmando-se, por isso mesmo, como uma marca de identidade. Porque, enfim, fala a única linguagem realmente universal: os padrões rítmicos repetitivos, mais do que os melódicos, têm a idade do Homem. Antes das primeiras palavras terem ganho forma, foi no acto primitivo de chocar pedra com pedra, madeira com pedra, madeira com madeira, ou madeira com pele que vibraram os primeiros sentidos profundos de uma linguagem sónica que ainda hoje perdura. Não deixa por isso de ser significativo que, impresso bem fundo no código genérico da nova realidade digital, esteja o pulsar dos tambores, que de África para o Novo Mundo se alargou, por via das modernas tipologias musicais, a um Velho Mundo que não entendeu os tambores quando foi colonizador, mas que a eles se rendeu quando foi cultural e musicalmente colonizado.

O que há afinal num break de bateria? O que se houve no "boom-bap" de um break suado que quando repetido num loop nos transporta para uma outra dimensão? História, poderíamos dizer. Ancestralidade. O som primevo das margens do Nilo... num disco de DJ Shadow. Perante esta perspectiva, o sampler funciona como uma espécie de entrada para uma dimensão alternativa, um portal cósmico. Um artefacto mágico que, quando bem usado, retém a identidade do som de bateria original, ainda que, ao mesmo tempo, permita a transfiguração desse padrão primeiro até ao infinito. O B-BOOM-BOOM-BAP/B-B-BOOM-BAP de "Zig" Modeliste (o baterista do mais zen de todos os grupos funk, os Meters) pode ser reconfigurado num B-B-BAP-BOOM-BOOM/BOOM-B-B-B-BAP, quando se transformam os sons acústicos em bem disciplinados zeros e uns dentro do sampler, e se cortam, como se tivéssemos à mão uma tesoura, os sons individuais do kit de bateria, para se reconstituir um novo mapa de pulsões, a partir de coordenadas antigas.

Provavelmente, o mais emblemático de todos os breaks de bateria foi assinado por Clyde Stubblefield, quando, enquanto parte da secção rítmica de James Brown, assinou momentos históricos em temas como "Cold Sweat" ou, principalmente, Funky Drummer. Concentrando-se no bombo, na tarola e no hi-hat, Clyde responde ao apelo de James Brown ("let’s give the drummer some...") e, num longuíssimo break (que não é um solo...), inventa a música moderna, soando como se de um metrónomo humano se tratasse. O sofisticadíssimo desenho rítmico na tarola e a segurança do seu trabalho de pés no bombo e no hi-hat pode ser encontrado em centenas de discos de hip hop ou, acelerado, como parte da revolução drum n’ bass.
"Funky Drummer" é um disco de 1970. À época, James Brown usava os seus concertos ao vivo como o combustível da sua inspiração. Talvez para poupar dinheiro nas incontáveis horas de estúdio que uma banda pode queimar até estar "no ponto" para gravar, o Padrinho da Soul costumava terminar um espectáculo e levar imediatamente a sua banda para as imediações do gravador mais próximo. Nesses dias, a América profunda atravessava uma revolução da consciência. O Civil Rights Movement e as vozes aparentemente opostas de gente como Martin Luther King ou Malcolm X ainda ecoavam nas paredes das grandes cidades. James Brown era um músico no centro do turbilhão. Uma verdadeira estrela com uma visibilidade que interessava a todos os campos desse conturbado mapa político. Na segurança extrema dos seus músicos, o homem de "Sex Machine" reflectia a sua própria disciplina: uma disciplina de auto-afirmação, a única via que, segundo a sua opinião, poderia conduzir à elevação do Homem Negro.

E Stubblefield, naqueles segundos preciosos de "Funky Drummer", quando toda a banda se remete ao silêncio e as peles tensas da sua bateria fazem vibrar o ar no estúdio, envia a todo o mundo uma mensagem: "Nós estamos aqui há muito tempo. Já construímos grandes civilizações. Durante 500 anos fomos oprimidos, violentados... Mas agora chegou, de novo, a nossa hora. Chega!" E na precisão sincopada daquele break lê-se a História de uma diáspora forçada, das terras quentes de um grande continente negro onde o tambor sempre transportou ideias até às margens de um Mundo Novo que durante séculos não soube reconhecer dignidade num povo. Um povo que nunca abandonou os seus
tambores e que os usou ainda nas plantações para codificar ideias e reforçar laços de identidade. Que essas ideias sejam, décadas mais tarde, filtradas pelo processador de um sampler nas mãos de um jovem negro ou branco, na América ou na Europa, só vem reivindicar, de novo, a universalidade dessa vibração primordial. "A bateria," dizia a canção, "é o instrumento mais importante."*

* "The drum is the most important instrument..." US 3 in "Different Rhythms, Different People".

Superdisco # 4: Maria Matos, sábado 12 de Dezembro - 18h30

2009-12-11T13:20:00.004Z

Amanhã pelas 18h30 o MMCafé do teatro Maria Matos recebe a quarta edição da iniciativa Superdisco para a qual fui convidado. Pensei originalmente falar sobre «Astro Black» de Sun Ra, mas ao perceber melhor a direcção destas conversas decidi então eleger 3 Feet High and Rising para tema central da conversa. Por várias razões, as mais importantes de todas puramente musicais. Mas algumas de ordem simbólica: recebi este álbum de presente em Maio de 89 (estava na montra da Contraverso e fui eu que o escolhi) e um mês depois começava a minha primeira aventura jornalística a tempo inteiro com o ingresso na redacção d'A Capital onde tinha começado a colaborar em Fevereiro (com um texto sobre o impacto da cena Acid House em Inglaterra). Será portanto 3 Feet High and Rising o álbum a dar o mote para a conversa de amanhã. Espero encontrar-vos por lá...

Há uns anos escrevi este texto para a Op:

DE LA SOUL: NOW & THEN
“AOI: Bionix”/”3 Feet High & Rising”
(Tommy Boy)

O que é o hip hop? Uma rima e uma batida; uma esquina na rua que um b-boy aproveita para enquadrar movimentos que desafiam as leis da física; um DJ em “profunda concentração” sobre dois gira-discos; um produtor com “dedos empoeirados” de tanto percorrer a caixa das pechinchas numa loja de vinil de segunda mão; um writer que “bombardeia” uma parede com explosões de cor; um microfone, um sampler, um gira-discos, um pedaço de papelão no passeio, uma rodela de vinil, uma lata de spray... E tantas outras coisas. Os De La Soul sabem. Vocês sabem. Todos sabem. Mas nem todos admitem.

Por exemplo, porque é que o recentemente reeditado “3 Feet High & Rising” é tão profundamente amado e discos mais ou menos contemporâneos como “The Low End Theory” dos A Tribe Called Quest, “Stunts, Blunts and Hip Hop” de Diamond D, “Don’t Sweat The Technique” de Eric B & Rakim, “No More Mr. Niceguy” dos Gang Starr ou “Breaking Atoms” dos Main Source raramente conseguem a mais pequena menção nos media? A verdade é muito simples: as razões que justificam a generosa atenção dada a “3 Feet High & Rising” estão para lá do hip hop. Que fique muito claro: não há aqui a mínima intenção de reescrever a história. O primeiro álbum dos De La é uma obra prima. Os beats de Prince Paul em suspensão milimétrica sobre a história da música negra, as rimas technicolor de Posdnuous, Trugoy e Maseo, a atmosfera de “Quiz Show”, os loops imaginativos, enfim, tudo mesmo no disco é perfeito. E pop. Acessível, transparente, cantarolável e dançável. Por isso é que esse disco surge em todas as listas de Melhores de Sempre. No fundo, “3 Feet High...” está para o hip hop, como “What’s Going On” para a soul. Ambos são discos perfeitos, com um inigualável equilíbrio entre conteúdo e forma. Mas ambos ultrapassaram as fronteiras dos géneros que os viram nascer para se colocarem numa mais alargada divisão a que, à falta de melhor termo, ainda chamamos “Pop”.

Desde então, e tendo compreendido isso mesmo, a carreira dos De La Soul tem-se pautado por um único impulso: o do regresso às bases. Como se do alto da Penthouse que passaram a habitar, Mase, Posdnuous e Dave ansiassem pelo regresso à tal esquina imaginária adornada, no passeio, com o tal cartão que os B-Boys usam para desenhar os movimentos fluídos com que traduzem no espaço os grooves dilatados do hip hop.

O novo álbum, “AOI: Bionix” já encontra os De La Soul perto do piso térreo do edifício que define geograficamente a tal esquina. Beats inoxidáveis, traçados digitalmente na realidade hip hop actual, bleeps sintéticos, traços de gospel e blues, soul do novo milénio e frases que definem uma vontade: “if i had to join a gang, i think i’d join Gang Starr”. Os De La Soul só querem regressar à rua. E fazem-no com inigualável classe.

Podcast de J Rocc na Stones Throw

2009-12-07T14:38:00.003Z

Novo podcast de J Rocc na Stones Throw a propósito da iniciativa Secondhand Sureshots.

When the guys at Dublab & Hit+Run hit up every dollar record bin in the Los Angeles area looking for album covers to salvage and repaint for their Secondhand Sureshots Deluxe Superset, they were left with one problem: what to do with the hundreds of discarded, sleeveless records that no one wanted?

Solution: Give them to J.Rocc.

This is an extension of the Secondhand Sureshots project, a J.Rocc mixtape made up of as many of the reject vinyl as he could manage. Given the working material, the results are impressive. Everyone who has ever flipped through a dollar bin might think twice the next time they pass up those multiple copies of Loggins & Messina, Hotel California, Linda Ronstadt in roller skates, and all those anonymous classical records after hearing what can be done with them.

J.Rocc - Secondhand Sureshots, The Podcast

Krautrock: livro da Black Dog Publishing

2009-12-05T17:54:00.005Z

Da mesma editora que nos deu Old Rare New (mais abaixo recuperação de texto publicado na Parq), a Black Dog Publishing, chega-nos agora Krautrock: Cosmic Rock and It's Legacy, fantástico livro que inclui textos por autoridades sólidas na matéria (como, por exemplo, David Keenan ou David Stubbs, da revista The Wire) e que oferece uma renovada perspectiva sobre a revolução rock que atirou a Alemanha da cortina de ferro para o futuro. O livro inclui uma introdução de David Stubbs, ensaios de Ken Hollings («Background Radiation»), Erik Davies («Kosmiche») e Michel Faber («Im Gluck») e ainda perfis em cerca de três dezenas de bandas - dos Agitation Free a Witthuser & Westrupp passando pelos incontornáveis Amon Duul e Amon Duul II, Ash Ra Tempel, Can, Embryo, Harmonia ou Popol Vuh. Há ainda capítulos dedicados às mais importantes editoras discográficas (Bacilus, Brain, Ohr...) e aos mais celebrados produtores (Dieter Dierks ou Conny Plank estão representados). Um timeline (1967-1975) e fantásticas fotos documentais completam este livro de quase 200 páginas. Iniciada a leitura, o que posso para já garantir é que há pouca vontade de pousar o livro e muita de continuar a imersão neste oceano de experimentação sonora. Texto mais alargado para breve, noutro suporte (primeiramente, e mais tarde por aqui).

Aproveitem e passem os olhos por estas páginas:

KRAUTROCK FOR BEGINNERS

20 Best Krautrock Records (Fact Magazine)

OLD RARE NEW

A loja de discos

Teimosamente, a loja de discos continua a sobreviver na idade digital. O livro «Old Rare New» celebra a história de permanência da loja de discos independente, espaço mágico de descobertas e passagem de informação.

Em «Saturday Morning Rush», Earl Zinger (aka Rob Gallagher dos 2 Banks of Four) descrevia um cenário que pode estar em vias de extinção: na sua ânsia de obter um novo maxi de hip hop, Zinger percorria as melhores lojas de discos de Londres, entrando e saindo de transportes públicos e debatendo-se com a concorrência dos coleccionadores japoneses que pareciam estar em todo o lado. Essa canção pode, inadvertidamente, ter-se transformado numa espécie de documentário romântico de uma rede que se vai desfazendo a cada dia que passa. «Old Rare New – The Independent Record Shop» é um novo livro que procura reflectir sobre a importância – sociológica, antropológica, artística – desses míticos locais.
Com selo da Black Dog Publishing (www.blackdogonline.com) e edição de Emma Petit (e com o envolvimento da portuguesa Rita Vozone – que foi membro dos Caveira – na assistência de edição), «Old Rare New» inclui entrevistas e depoimentos de ilustres como Davendra Banhart, Will Oldham, Chan Marshall (Cat Power), James Lavelle (Unkle) ou jornalistas como Bill Brester («Last Night a DJ Saved My Life») e Simon Reynolds («Rip it Up and Start Again»). Todos procuram sustentar a ideia da loja de discos como muito mais do que mero depósito de artefactos. Para procurar captar essa essência, «Old Rare New» é profusamente ilustrado com olhares sobre o interior das lojas de discos, com o poder gráfico de velhas etiquetas de singles e gloriosas capas de álbuns (onde surgem exemplos que nos são bem próximos de Bana com Luís Morais, Voz de cabo Verde, Black Power e uma compilação do Folclore de Angola, por exemplo).
Este livro surge num momento especial da história da nossa relação com a música gravada. Depois de um século de uma continuada encenação ritualista da ida à loja de discos – na Lisboa da transição dos anos 80 para os 90, a Contraverso, ao Bairro Alto, podia em certos dias ser o centro de um universo onde só visitas regulares garantiam uma passagem para o círculo interior que facilitava o acesso às novidades mais recentes – a Internet veio desfazer essa prática colocando tudo ao alcance de todos com apenas um clique. Se a vantagem óbvia dessa nova realidade passa por eliminar as distâncias físicas – um coleccionador do Porto pode mais facilmente ter acesso a peças anteriormente só disponíveis no mercado americano ou um dj de Lisboa pode, sem delay de espécie alguma, adquirir as novidades londrinas no dia da sua saída – o reverso pode encontrar-se na eliminação dos filtros erguidos com a loja de discos.
Por trás do balcão de uma loja – sobretudo as mais especializadas – estava sempre um conhecedor que orientava e até condicionava as compras do seu cliente. No ecrã de um computador, a simples quantidade de títulos disponíveis pode ser intimidatória. E, claro, perde-se totalmente o lado social espelhado na rede de clientes de cada espaço físico de venda de discos. «Old Rare New» procura preservar a memória desses espaços. Bill Brewster, autor ligado ao site djhistory.com com obra feita na área da construção de uma história do DJ, refere-se à loja que visitava com mais frequência quando habitava em Nova Iorque – a já desaparecida Chelsea Book & Records – como o seu «templo semanal». Já Will Oldham fala entusiasmadamente de encontrar discos há muito procurados de Phil Ochs e Dagmar Krause e de como se podem tornar verdadeiros tesouros pessoais.
Os mecanismos da nossa memória, por alguma razão, permitem registar o dia em que se adquiriu aquela cópia em vinil de «What’s Going On» de Marvin Gaye e não atribuir qualquer espécie de relevância ao momento em que se fez o download do último trabalho de Mos Def, por exemplo. Isso deve-se à carga emocional que atribuímos a cada uma dessas acções. Há, claro, uma nova geração que começa a erguer-se sem a referência do espaço físico celebrado em «Old Rare New» e para quem a Internet – seja para comprar música em suportes físicos ou simplesmente para a descarregar em ficheiros digitais – é a única realidade que conhecem. Para essa geração, «Saturday Morning Rush» e a sua descrição da azáfama nas lojas do Soho londrino pode ter o peso de um código arcano impossível de decifrar. E, por isso mesmo, para eles a passagem de olhos pelas páginas de «Old Rare New» pode ter o mesmo sabor que para uma criança terá um daqueles livros carregados com imagens dos tesouros do antigo Egipto: um mundo de riquezas gloriosas de um passado distante que já só se podem encontrar nos melhores museus do mundo. E, no entanto, ainda recentemente se fez fila à porta da Flur, em Santa Apolónia, para mais um intenso dia de saldos. Pode ser que nem tudo esteja perdido. Nesse caso, «Old Rare New» poderá igualmente ser visto como um excelente manual de instruções.

Syl Johnson na Numero

2009-12-04T09:17:00.002Z

Vale bem a pena subscrever a newsletter do Numero Group: é uma das mais divertidas e inteligentes leituras do género. A mais recente conclui com a frase «cliquem aqui para começar o processo de esvaziamento de carteira». Os senhores não brincam em serviço e o risco é muito real. Uma das mais apetecíveis entradas num catálogo que é todo imprescindível (verdade!) é agora dedicada ao grande Syl Johnson, o homem que em tempos perguntou «Is It Because I'm Black?» (vídeo mais abaixo). O meu Natal não ficará completo sem isto:

80 songs covering his work for Federal, TMP Ting, Cha Cha, Zachron, Special Agent, and Twinight, along with nearly twenty previously unreleased tracks recorded along the way. Deluxe 6LP+4CD box includes both formats and a massive booklet, all housed in sturdy, side-loading container for easy display and use. First 1000 copies come with a bonus 45, which you'll have locked down via the subscription.

I-f e a Intergalactic FM

2009-12-04T09:05:00.003Z

I-f, já se sabe, é um gigante de proporções desmedidas. E dá uma interessante e reveladora entrevista à Fact Online onde revela tudo o que importa saber sobre a aventura que sucede à CBS (Cybernetic Broadcasting System), a Intergalactic FM (links mais abaixo). Leitura obrigatória. Entretanto, inscrevam-se na Intergalactic FM (se não o fizeram já) e mantenham-se ligados. A música é criteriosamente seleccionada e disposta em quatro canais. Boa audição!

INTERGALACTIC FM

Mix de I-f para a Fact

Lagos disco inferno!

2009-11-30T17:02:00.002Z

Frank Gossner, do blog essencial Voodoo Funk, prepara compilação de disco nigeriano e tem o teaser certo para nos deixar água na boca!

Gil Scott-Heron na BBC

2009-11-30T15:06:00.002Z

E o "regresso à vida" de Gil Scott-Heron continua a gerar conteúdos de interesse. Desta vez, o homem de «The Bottle» e «The Revolution Will Not Be Televised» foi entrevistado na BBC.

Soulman diggs again

2009-11-30T14:26:00.006Z

Soulman, actualmente, encontra-se por aqui. E convém ir visitando regularmente o seu site porque as surpresas são em quantidade apreciável e de qualidade elevada. Como estas duas mixtapes que agora apresenta: «Beautiful» e «Come to Me Softly» (links mais abaixo). Duas viagens conduzidas por uma outra perspectiva deste mestre do diggin' que em tempos entrevistei no HdB.
Podem ler no blog de Soulman tudo o que há a dizer sobre estas duas mixtapes. E entretanto, façam o download!

Beautiful

Come To Me Softly

O fim dos 1210 da Technics?

2009-11-27T15:18:00.002Z

Ao que parece a Panasonic acaba de anunciar que vai descontinuar a produção das famosas rodas que mudaram o mundo, os Technics 1210. É o fim de uma era. O ano passado publiquei um artigo que celebrava os 30 anos da invenção da roda de aço celebrada por Grandmaster Flash e por todos os DJs que algum dia usaram vinil.

O aniversário de um gira-discos é mais importante do que se possa pensar: nas três décadas em que o Technics SL-1200MK2 tem estado activo o mundo mudou e um pouco por sua causa: o Hip Hop e o culto crescente do dj como super-estrela devem tudo a estas rodas de aço que a partir do Japão tomaram conta do mundo.

Numa época de gadgets cada vez mais fantásticos, no sentido George Lucas do termo, e do desaparecimento da música do terreno do palpável, é admirável perceber que uma invenção com três décadas continua, teimosamente, a ser ferramenta talhada para a descoberta e a invenção. Foi há 30 anos que a Matsushita, fabricante japonês da marca Technics, colocou no mercado o modelo SL-1200MK2 que, ainda hoje, é usado por djs de todo o mundo.
A série 1200 da Technics está no mercado desde 1972 e por isso equipou muitas das cabines de Nova Iorque fundamentais na construção da arquitectura Disco Sound que dominaria boa parte dessa década. Mas só em 1978 é que surgiu no mercado o modelo que ainda hoje serve de base à versão mais comum, a 1210. A Technics introduziu poucas alterações no seu gira-discos desde 1978 sendo sobretudo sensível a pequenas modificações sugeridas pelo próprio uso que os djs lhe davam. As rodas de aço, como Grandmaster Flash lhes chamou, são, na verdade, o pilar técnico de uma revolução.
Meros 15 anos após o aparecimento dos Beatles, no Bronx nasceu outro tipo de culto: nos bairros sociais de uma das mais devastadas zonas da cidade de Nova Iorque, multidões reuniam-se para observar não um grupo de rapazes com guitarras, baixos e baterias, mas pioneiros como Afrika Bambaataa e Jazzy Jay, Kool Herc, Grandmaster Flash e Grandwizard Theodore, DJ Hollywood, DJ Breakout e outras lendas que mesmo dispensando instrumentação convencional conseguiam concentrar em si as atenções como verdadeiras estrelas.
Nesta altura o Hip Hop começava a impor os seus códigos, mas a partir de Manhattan outro tipo de revolução já estava em marcha e o dj como shaman, capaz de conjurar espíritos e manipular emoções pela forma como sequenciava os seus discos, começava a adivinhar-se. Em locais como o Gallery ou o mítico Studio 54 as pessoas reuniam-se em torno de um tipo, muitas vezes italiano, para dançar e estilhaçar convenções arcaicas de identidade sexual e social. No virar da década, o poder e alcance do dj era uma realidade incontornável e nomes como o de Larry Levan ecoavam como se de semi-deuses se tratassem.
Entretanto, em Chicago e Detroit outras revoluções desenhavam-se tendo igualmente o Technics 1200 como principal ferramenta. O House e o Techno nasceram ambos a partir das explorações de DJs como Frankie Knuckles, Ron Hardy ou Electrifying Mojo que em clubes ou na rádio apontavam a direcção pela forma com que usavam os seus gira-discos: mais do que meras ferramentas, os pratos onde se colocava o vinil eram extensões da própria personalidade dos djs.
As bases para uma nova ordem, que se tornou evidente depois da explosão da cultura de clubes no arranque dos anos 90, estavam lançadas e o dj como super-estrela tornou-se realidade. Obviamente muitos dos grandes nomes que hoje fazem o circuito mundial de super-clubes, funcionando como uma espécie de jet-set do mundo dos djs, há muito dispensaram o vinil como suporte principal da música que tocam. Mas graças a novas tecnologias como o Serato, mesmo armados com laptops esses djs continuam a utilizar o gira-discos como interface principal para a sua própria relação com a música: podem ter eliminado essa incurável fonte de problemas para a coluna que são as toneladas de vinil que tinham que se carregar para os clubes, mas não dispensaram as rodas de aço que permitem a manipulação da música.
Claro que para a comunidade mundial de gira-disquistas o Technics SL-1200MK2 continua a ser uma referência. Estes guerreiros que nasceram do Hip Hop, transformaram o gira-discos num autêntico instrumento levando a que DJs passassem a ser vistos na companhia de músicos “convencionais”: desde que Herbie Hancock recrutou Grandmixer DST para “Rockit” que uma nova tribo emergiu e passou a realizar calculadas experiências de manipulação de tempo e espaço a partir dos Technics. Por causa disso, algures no virar desta década anunciou-se que no Japão a venda de gira-discos tinha ultrapassado a das guitarras eléctricas. Ser DJ passou, pelo menos durante um certo período, a ser um objectivo mais desejado do que ser o novo Van Halen ou Slash.
Hoje, são várias as marcas – Vestax, Gemini, Numark, Stanton… – que competem no mercado que a Technics inventou sozinha. E os novos modelos de gira-discos que continuam a surgir no mercado todos os anos funcionam como monumento à longevidade de um pedaço de tecnologia que de facto revolucionou o mundo da música.

Simon Reynolds e mais achas para a fogueira do hip hop

2009-11-27T09:19:00.006Z

Nada a acrescentar em relação ao que já escrevi aqui, a propósito do já notório texto de Sasha Frere-Jones em que agora Simon Reynolds também pega, no The Guardian (texto e link mais abaixo). A evidência é clara. E, no entanto, ouvir exercícios de simplicidade absoluta (como o volume de Koushik para as Rhythm Trax da Stones Throw) ou esforços de reformulação dos códigos desta cultura (ainda será hip hop o que Hudson Mohawke faz em «Butter»? É certamente informado por essa cultura, e talvez até sobretudo pelos gestos mais esteticamente desafiantes de gente como Timba ou Pharrell...) levam-me a pensar que algo de novo se aproxima. O hip hop começou por se impor por via do DJ e a promoção dos MCs à boca de cena ficou a dever tudo à necessidade da indústria aplicar os seus parâmetros de alcance de sucesso. Esta nova geração de produtores - FlyLo, HudMo, Jneiro Jarel, Ras G et al - e gente como Madlib, Exile etc - trabalha desse ponto de vista puramente sonoro, em busca de novos estímulos que reconduzam a música que criam a uma nova realidade. Que ainda não sabemos se será estritamente hip hop. Ao contrário do momento formador desta cultura, as coordenadas geográficas estão agora dispersas - Europa, Japão e até África podem agora ser polos tão entusiasmantemente activos como Nova Iorque ou Los Angeles. As contaminações são igualmente diversas - já não apenas o funk e o disco do momento criador, mas também o rock e sobretudo as diversas linguagens electrónicas. Penso ser seguro dizer que o hip hop tal como o conhecíamos morreu, de facto. Penso ser igualmente mais do que uma mera possibilidade que a breve prazo surja uma nova e certamente híbrida fórmula que imponha um som herdeiro do hip hop. Como quando o house e o techno sacudiram a herança disco e se impuseram como novas linguagens.

Simon Reynolds's Notes on the noughties: When will hip-hop hurry up and die?

A month or so ago New Yorker pop critic Sasha Frere-Jones wrote a column about the state of rap, starting with the proposition ("proclamation" would be too bombastic a word) that 2009 was, in fact, the year of hip-hop's death. I read it and couldn't find a thing to disagree with. My only quibble was that he might have called it earlier. Perhaps 2006, when Nas released Hip Hop Is Dead. Or even 2004, when Timbaland "repeatedly voiced … a frustration with pop music, particularly the hip-hop end of it" (according to his New York Times interviewer, one Sasha Frere-Jones) and further declared: ''It's time for me to retire, because it ain't the same … I'm tired of stuff now, even stuff that I do." (He also, said, mindblowingly, that "Coldplay and Radiohead are the illest groups to me. That's music".) That same year, 2004, Jay-Z also confessed – on the eve of his (ha ha) retirement and moving on to bigger, more challenging fields of endeavour – that he too was "bored" with hip-hop. Rap had become "corny", he said, and accordingly he no longer felt peer pressure to raise his game (something underlined by the steady decline of his output after 2001's magisterial The Blueprint).

As I read Frere-Jones's piece, I also knew there'd be complaints and counter-arguments galore. And sure enough they came – droves of pissed-off fanboys brandishing obscure mixtapes and overlooked albums as proof of the genre's continued vitality. Some whined that the sample on which his genre survey was based was too small (Jay-Z's new slab of going-through-the-motions, efforts by Kid Cudi and Wu-Tang clansman Raekwon, unsigned rapper Freddie Gibbs) while others questioned the entitlement of a white fortysomething to pronounce on the vital signs of a black pop genre in the first place. I don't know, but I'd have thought 25 years of attentive fandom would at least justify having an opinion. Plus it's not as though this kind of gloom-and-doomy assessment of hip-hop hasn't been voiced repeatedly by black critics and black fans, not to mention the performers themselves.

Pundits who deem something to be in decline are invariably accused of nostalgia, so another angle of retort was that Frere-Jones was pining for the Lost Golden Age: the late 80s/early 90s, rap in its first flush of artistic maturity, but still a genre primarily oriented around samples and breakbeats. The era of DJ/producers like the Bomb Squad and Eric B, Marley Marl and Prince Paul, Premier and Pete Rock. But you don't need to go back that far to locate a peak now passed. You just have to think of the first four years of this decade, which was the continuation in full force of a late 90s resurgence of mainstream rap that effortlessly managed to be commercial and street at the same time, combining pop hooks and jagged rhythmic innovation, glitzy entertainment and edge. This seven-year-long surge was largely but not exclusively driven by the Dirty South: cities like Atlanta, New Orleans, Memphis and Houston; producers like Timbaland, Neptunes, Mannie Fresh, Lil Jon, and Mr Collipark; MCs like Ludacris, Missy Elliott, Three 6 Mafia, Clipse, Ying Yang Twins, and those Cash Money hot boys Juvenile, BG and Lil Wayne. But the rest of the US played its part, from the Ruff Ryders family (DMX, the Lox, Eve, plus producer Swizz Beatz) through Ja Rule and Nelly, to the Dre/Eminem/50 Cent axis.

Underground rap fans sniffed at this brash, bolshy sound, based not on the breaks-and-samples template of classic hip-hop (partly because licensing samples had become too costly) but favouring instead synthesiser riffs and refrains modelled on techno-rave and 80s pulp movie soundtracks. The drum machine rhythms had an 80s vibe too, the double-time hi-hats and 808 bass-booms reactivating that whole other side of early hip-hop based around electro not looped breaks, Bambaataa not JB. Backpackers also complained about all these crossover rap hits with R&B choruses, which they saw as selling out the ideal of hip-hop as a showcase for MC virtuosity. But even as the ascendant street rap sound borrowed R&B's hook power and gloss, the nu-skool rap influenced R&B. By the turn of the millennium the genre were less separate than Siamese twins (something symbolised by the union of Beyoncé and Jay-Z). Together street rap and nu-R&B flooded global pop music with rhythmic pizzazz and in-yer-face attitude. The fall-out, just in the UK alone, includes the "chav-pop" swarm of girl groups and boy bands, MIA, and grime (not so much in the MC-ing, which owes more to jungle and dancehall, but in terms of beats and production, plus what would prove to be false expectations for mega-fame and Puffy/Jay-Z style transmedia empire building).

It's the vigour and invention of the first third of the Noughties that makes the last five years of rap look stalled and sapped, not old-skool days so remote only grey-hairs remember them. By any sensible metric, rap has slipped hugely from where it was when this decade began. It's not dominating the pop charts anymore, and neither is it irrigating the mainstream with new beats, styles, and slanguage. It's not producing major album-length statements, give or take an 808s & Heartbreak (revealingly, not rapped but sung). It's not even coming up with compelling new personalities. The last, by my reckoning, were Lil Wayne (whose debut was released in 1999) and Kanye West (who debuted in early 2004). West has turned out to be a mixed blessing, while Wayne spread his brilliance thin across innumerable mixtapes, plus 2008's uneven Tha Carter III. Some swear by TI and Young Jeezy as charismatic artists, but neither came up with a MC persona we've not seen before. And, for these last three or four years, rap has been a desperately unmemorable procession of cookie-cutter ballers – Jim Jones, Gucci Mane, Yung Doc, Soulja Boy, Lil Boosie, Gummi Bares – whose lyrics trudge a hedonic treadmill of bling and booty, punctuated by the occasional inane dance-craze. Even the sound of rap – always its saving grace in the absence of political engagement or MC-as-poet depth – deteriorated in the second half of this decade. The odd angles and eerie spaces in productions by Mannie Fresh or Mr Collipark were flattened out, replaced by portentous digi-synth fanfares and lumbering beats, a brittle bass-less blare that seemed pre-degraded to 128kbps to cut through better via YouTube and mobile phone ("ringtone rap", some called it), rendered all the more cheapo-sounding and plastic non-fantastic by the endless Auto-Tune fad.

One of the most interesting observations in Frere-Jones's piece is that rap producers are abandoning swing and syncopation for more pulse-based club rhythms (house/trance/electro-pop), resulting in a shift to a European rather than African-American feel. Flo Rida's Right Round, based on Dead or Alive's Eighties Hi-NRG hit, is a good example, and new nadir. Actually, I still hear quite a lot of bump and skitter in street rap but there's a pedestrian familiarity to the beats: they do the job solidly enough but they're the rhythmic equivalent of comfort food, reflexively tugging at your hips and shoulders but never approaching the stark strangeness of early Noughties productions like Ludacris's What's Your Fantasy or J-Kwon's Tipsy.

I quizzed Josiah Schirmacher, a young DJ friend who disagreed vehemently with the New Yorker piece and he replied that there was plenty of life in hip-hop but it was all "on the local level", pointing to styles like jerk, as favored by teenagers in Los Angeles. This was another story of the hip-hop Noughties: the succession of city-based sounds, starting with New Orleans bounce and continuing with crunk, hyphy, snap, juke, etc, which hatch as regional styles but thanks to the marvels of the internet (especially YouTube) are chased avidly by an international cadre of largely white, middle-class beat-nerds. I was one for a while, but then started to feel that underneath the cool local quirks (for instance, in the Bay Area, hyphy MCs shout out to freeway exits, which is how the different neighbourhoods know themselves, as opposed to, say, wards in New Orleans) all these sounds were, at base, the same. Electro variant + goofy dance + bawdy lyrics + (optional) drug-of-choice (E, with hyphy; purple drank aka cough syrup in other places, and so on). In a funny way, the pasty-faced, steroid-popping northwest England scene donk is a distant cousin of all these black American sounds: same anonymous rapping, same humorously boastful/sexist lyrics, same bling videos, same utterly local orientation offset by the occasional nationwide hit. The Blackout Crew, basically, are Cold Flamez.

Haven't talked about underground rap yet, but it doesn't exactly impose itself on your consciousness, does it? Like the lo-fi indie it resembles, this sector puttered on much like it did through the 90s, odd flashes of genius (Cannibal Ox, Dilla, Quasimoto/Madlib etc) amid the crate-digging antiquarianism. Barely creating a ripple in the larger pop culture, undie rap is probably pretty content with its niche, a haven of "quality" in a mercenary world. This stuff bears the same relationship to Dirty South type-rap that someone like Elvis Costello did with rock after 1984 (and, what d'ya know, Costello recently teamed up with the Roots to perform some of his classics on a US chat show). But as with the late-80s "golden age", the late 90s/early 00s surge showed that during rap's heyday phases the most innovative music rises to the top; it's not something you have to seek out, because it dominates radio and music-video channels, booms from passing cars.

The "Death of …" piece is a genre of criticism that's fallen into disrepute (there was a period when you'd be constantly tripping over essays announcing the End of something: art, theory, rock, rave ). People now seem to feel that "no genre ever really dies" (to adapt the Neptunes/NERD motto). Was this in fact one of the problems with the Noughties? No genre went gently into that good night: they all clung on, cluttering up the musical landscape. This not only made it harder for new things to emerge, it's meant that we've all come to forget that, in fact, totally new things have emerged in the past. There was, for instance, a time when hip-hop didn't exist. The refusal to admit that a genre can die (which doesn't mean literally disappear – it may even generate good stuff now and then –but refers to stagnation, irrelevance, becoming uncoupled from the zeitgeist) is a denial of the possibility of change, renewal, the unexpected. The very vitality of a form of music implies the possibility of its eventual death.

I sympathise with the Frere-Jones dissenters; it must be galling, having built up all that expertise and knowledge, to have your subcultural capital voided by some old git in a bow tie (compulsory at the New Yorker, don't you know) airily declaring the area obsolete. One of the cunning rhetorical ruses used in these critical turf wars between enthusiasts versus curmudgeons is to suggest that the latter are projecting their physical decrepitude on to the state of music. But you could just as easily reverse that and argue that the young are projecting their physical vitality on to the senescent body of pop (every fibre of their hormonally flushed being shouts "it still LIVES!"). I won't say that hip-hop is dead. But it does seem to be doing a good impersonation of being at death's door. More to the point, judging by its output in recent years, it's become a deadening force: as a listening experience, but also as something that maintains a deadlock on the musical imagination (and personal ambitions) of Black American youth. I doubt very much that this demographic has no more surprises up its sleeves in terms of sound and style, judging by past form(s) (jazz, rhythm and blues, funk, house, et al ). But that New Thing won't come until they tire of hip-hop themselves and turn against it.

Posted by Simon Reynolds Thursday 26 November 2009 12.54 GMT guardian.co.uk

Social Disco Club + Horse Meat Disco @ Lux

2009-11-25T11:46:00.004Z

Humberto Matias, aka Social Disco Club apresenta-se já esta sexta-feira no Lux, na mesma noite em que o clube londrino Horse Meat Disco se instala de armas e bagagens no mesmo clube de Santa Apolónia. A esse propósito - e porque há muitas e ultra-interessantes novidades no campo Social Disco Club - trocámos umas palavras com Humberto Matias.

Estás cheio de novos lançamentos, sempre em editoras internacionais. Queres sistematizar as tuas mais recentes propostas?
Os meus trabalhos mais recentes, (editados no passado mês), foram o primeiro 12" na minha editora, Hands Of Time, uma remistura para o single "Another Likely Story" de Au Revoir Simone na Moshi Moshi e um re-edit, (oficial), de Gitchy Dan's Beachwood #9 "Cowboys & Gangsters" na Strut - que por sua vez adquiriu os direitos à Ze Records. Já no próximo mês sairá a minha remistura para o single "Sugar" dos The Love Supreme na Tirk e dois discos de edits na American Standard e na Disco Deviance.
Tenho outros trabalhos prontos, originais e remixes, que so serão editados no proximo ano.. Entretanto estou a remisturar The Revenge e tenho em mãos outro projecto com a Gomma.

Certamente que há muita gente a pensar "como é que ele consegue?". Por isso mesmo, diz-nos: como é que se entra no circuito internacional de edições, como tu entraste?
Muito trabalho, acreditar no que fazemos, e apresentar trabalho interessante - é basicamente isto. Depois, a internet ajuda com o que falta. Mas, sem dúvida que o mais dificil é "arrancar", editar o 1º disco, e esse ser bem recebido pelo público alvo, depois os contactos multiplicam-se, bem como propostas, etc.
Eu "entrei" nesse circuito depois de ter mostrado alguns dos meus trabalhos ao Greg Wilson. Ele sugeriu que me aliasse ao Barna Soundmachine e partilhasse com ele um 12" - foi assim que nasceu o Barna Vs. Porto Ep.

Como descreverias actualmente a cena disco? Continua em força?
Sim, com mais força que nunca, julgo eu. Essencialmente porque, (novamente), o disco se fundiu com o house. Depois porque há inúmeras festas pelo mundo fora que ajudam a sustentar este "hype" e a trazer um público mais jovem para a cena.

Por quem é que te falta editar? Neste momento quais são o steus objectivos? Alguma editora que gostasses de acrescentar ao teu currículo?
Humm... talvez a DFA... (Risos) Os meus objectivos passam por continuar o que tenho vindo a desenvolver até aqui, aprender cada vez mais, mas de uma forma sustentada. Ah, e tocar um pouco mais cá em Portugal...

Já alguma vez te sentiste tentado a criar um re-edit com gravador de fita?
Não (risos).

O que é que se pode esperar desta noite com os Horse Meat Disco?
Tudo! quem conhece as noites Horse Meat Disco no The Eagle em Londres e pelas festas HMD pelo mundo fora, sabe que de alguma forma se consegue ter uma ideia do que eram as festas no Paradise Garage, Studio 54, etc - Não estou a comparar, seria um absurdo, mas o espírito está lá. São noites de pura loucura, ousadia, etc..
Eu vou tentar ajudar com um set talvez mais "classic disco", com todos aqueles vocais, strings, etc...

Top 10 corrente

Ok, por ordem aleatória

Jonathan Jeremiah - Hapiness (Morgan Geist Remix) (Universal)
The Beat Broker - Frisco (At Midnight) (Hands Of Time)
ZEvolution - Ze Records Re-Edited (Strut)
Greg Wilson - Credit To The Edit Vol.2 (Tirk)
Social Disco Club - I'm Good For You (Dr. Dunks Redunked) (Hands Of Time)
Johnwaynes - Entrudo (Mule Musiq)
Ulysses - Latin Combo (Wurst)
Linkwood & House Of Traps - Barely Eagle (Linkwood)
T&K - Mucho Swash (Italians Do It Better)
Toby Tobias - Macasu (MCDE Loft Party Mix (Rekids)

Top 10 de artistas clássicos

Difícil... mas cá vão alguns favoritos:

Gaznevada - I.C. Love Affair (Italian)
The Amazing Bingo Band - Power Music (Motor Show 79')
Discognosis - Step By Step (AVI)
Made In Usa - Melodies (De-Lite)
Hamilton Bohannon - The Groove Machine (Mercury)
Jean Wells - I Just Can't Stop Dancing (TEC)
Musique - Love Massage (Prelude)
Sylvester - I Need You (Fantasy)
The Coach House Rhythm Section - Timewarp (Ice)
B.W.H - Stop (House Of Music)

Finalmente, para apontar na agenda, próximos lançamentos Social Disco Club:

+ Social Disco Club & Maia - "The Way You Move" (Bear Funk)
+ Social Disco Club - Portuguese Revenge (Eskimo)
+ Social Disco Club - Man Of Magic (Hands Of Time)
+ ZEvolution: ZE Records Reworked (Strut)
+ Let Me Show Ya (Social Disco Club Re-Tribute) (American Standard)
+ Love Supreme - Sugar (Social Disco Club Remix) (Tirk)
+ Social Disco Club - I'm Good For You (Hands Of Time)
+ Don Carlos - Alone (Oficial Versions) (Social Disco Club & Maia Version) (Acres Wild / Permanent Vacation)
+ Au Revoir Simone - Another Likely Story (Social Disco Club Remix) (Moshi Moshi)
+ Disco Deviance - Give Me The Sunshine (Disco Deviance)
+ Social Disco Club - The SDC Edit Ep (Boxmusic)

Folkways e a electrónica

2009-11-23T13:55:00.004Z

Coisas das redes sociais: alguém menciona Idris Ackamoor, investiga-se, a curiosidade cresce, outra pessoa refere que pode mandar vir o disco da Em Records, tal acontece e depois, olhando para o catálogo não se resiste e encomenda-se mais um par de coisas da mesma editora, entre elas o álbum de 1979 «Electro-Symphonic Landscapes» assinado pelo casal McLean - de Priscilla e Barton Mclean. Há um artigo interessante assinado pelos McLean aqui. Entretanto, essa reedição da Em Records chamou-me a atenção para o incrível acervo da Folkways nos domínios da electrónica. Editaram, por exemplo, «Futurible», álbum de livraria de Gianni Safred que já incluí numa lista de melhores discos de sempre. As referências electrónicas da Folkways podem ser consultadas nesta página. E mais uma porta se escancara.

Noise & Capitalism: livro para download gratuito

2009-11-20T09:34:00.002Z

E a propósito de consulta ao site da Wire para elaboração do post anterior, dei de caras com esta notícia. Uma primeira passagem de olhos pelo indice do livro (documento pdf com 197 páginas, link abaixo ou na notícia hiperligada acima) revela que se deve tratar de uma leitura muito interessante, a apontar o território da Improvisação Livre como zona fértil numa cultura de resistência. Vem aí o Inverno, os dias longos e chuvosos e por isso são precisas achas para a fogueira das leituras. Fica aqui uma. Agora quero um Kindle para o Natal...

Noise & Capitalism pdf

The Wire: Sensational na capa

2009-11-20T09:17:00.003Z

A primeira vez que ouvi falar em Sensational foi em 97, quando editou «Loaded With Power» naquela que era então uma das minhas editoras de referência, a WordSound de "Skiz" Fernando. E fui-lhe seguindo as pisadas, tanto na Wordsound como no selo afiliado Black Hoodz, com interesse acrescido depois de ter ficado a saber da sua ligação aos Jungle Brothers. Sensational tem agora novo álbum com o alter ego de "Skiz" Fernando, Spectre, e o título só promete: «Acid & Bass». Tendo em conta o pedigree da WordSound na exploração dos mais profundos pontos de intersecção entre o hip hop e o dub, a coisa promete. Mal posso esperar para por as mãos em mais este número da Wire, revista que continua a demonstrar capacidade na exploração de algumas das mais interessantes "outer zones" da produção musical actual.

Mr Million Dollar Disco returns...

2009-11-19T10:55:00.003Z

Al Kent, de volta, com sons secretos.

Joakim: cientista louco

2009-11-19T10:10:00.003Z

Regresso do produtor francês de culto que já emprestou o seu toque pessoal a artistas como Cut Copy, Simian Mobile Disco ou Royksopp. «Milky Ways» é o título da sua viagem pelo espaço.

Uma busca na Wikipedia revela o nome de Joakim Lindstrom, que por acaso identifica um jogador de hóquei sueco nascido em 1983, mas que não ficaria mal como baptismo para um projecto que reunisse o norueguês Hans-Peter Lindstrom e o francês Joakim Bouaziz. No que a projectos musicais diz respeito, seria perfeitamente possível pensar em encontros bem mais improváveis. Afinal de contas, Joakim e Lindstrom partilham um mesmo gosto por paisagens analógicas, sons em câmara lenta e uma ideia muito sui géneris de disco sound. Esses pontos em comum entre a obra do produtor nórdico e do homem do leme da editora Tigershushi tornam-se mais evidentes durante a audição de «Milky Ways», trabalho que sucede a «Monsters & Silly Songs» na discografia de Joakim. Entre o rock e um psicadelismo electro, disco progressivo, new wave transviada e algo mais de indiscritível, adivinha-se o som de um produtor a chegar à idade adulta, com perfeita consciência da exposição plena do passado perante os ouvidos contemporâneos.
A revista online 365mag citava Joakim a propósito de «Milky Ways»: «Penso que a maior parte dos jovens artistas de hoje são uma espécie de arqueólogos, especialmente nos domínios do design gráfico e da arte contemporânea». Não é possível competir com a história, com o que já foi feito. Tem-se que usar isso de forma mais ou menos desrespeitosa para se conseguir fazer coisas novas. Não se pode dizer apenas “vamos fazer algo novo e esquecer tudo o que foi feito antes”. Isso é impossível e pretensioso. Especialmente quando toda essa música está disponível algures em permanência. Sou viciado em música e ouço coisas muito diferentes e sempre que ouço algo interessante numa canção eu penso “vamos tentar isto, colocar esta ideia num contexto completamente diferente e ver o que acontece, como um cientista louco.» A confissão de Joakim é desarmante e também profundamente honesta. A tecnologia transformou boa parte da criação em colagem, o que não significa que no contexto actual o acto de colar seja inferior ao de criar. A verdade – e concentremo-nos especialmente no universo da música – é que nunca nenhuma outra geração teve que lidar com o facto de passado e presente existirem num mesmo plano, indiferenciado: uma nova banda pode ser em iguais doses influenciada pelos Beatles e pelos Arctic Monkeys – estão ambas presentes nas prateleiras das grandes cadeias de lojas. Ou por Bernard Szajner e Flying Lotus… A cada dia que passa aumentam as referências disponíveis, se não no mercado das reedições, certamente nos blogs apostados em digitalizar as mais obscuras memórias. Joakim tem consciência desse facto. E «Milky Ways» mostra-o claramente.
«Sempre que termino um disco, penso sempre, “ok, isto é o que eu não gosto, temos que fazer algo diferente para a próxima. Desta vez eu pensei em fazer algo mais simples e mais directo do que no álbum anterior, mas não me parece que tenha conseguido. Quando estava a masterizar o disco pensei “whoa, isto é bastante intenso. É como se a dado momento o processo criativo escapasse ao meu controle. Tentamos ter uma forma de adaptar as canções que nos dê mais liberdade para improvisar, dependendo da situação. Na maior parte das vezes as versões ao vivo dos temas são mais simples e mais rock – bastante barulhento por vezes. A inspiração base para o álbum foi a ideia de juventude e de espírito adolescente na nossa sociedade baseado no consumo. E isso colocado em paralelo com a ideia de estado selvagem ou de paraíso perdido. Como se estas duas coisas – estado selvagem e juventude – fossem dois estados míticos.»
O subtexto psicadélico que atravessa «Milky Ways» ajuda a compreender as declarações de Joakim, interessado em regressar a uma pulsão mais primária e comunal com a banda que o acompanha, apropriadamente baptizada como The Disco. Goblin e 13th Floor Elevators, Richard Bone e Rinder & Lewis, Lindstrom e Chris & Cosey, os Can e Alan Vega… Joakim. As coordenadas são as da mais pura liberdade e da mais aberta imaginação. E «Milky Ways» é Joakim a pensar em voz alta, no estúdio, com músicos capazes de o seguir em qualquer direcção. Como os assistentes de um louco e visionário cientista.

Madlib essencial na Fact

2009-11-18T20:21:00.005Z

A Fact acaba de publicar a sua lista de entradas essenciais no catálogo de Madlib. Eis a lista:

01: LOOTPACK
SOUNDPIECES: DA ANTIDOTE
(STONES THROW, 1999)
02: KAZI‘DOWN FOR THE KAZ'
(STONES THROW, 2000)
03: QUASIMOTO
THE UNSEEN
(STONES THROW, 2000)
04: YESTERDAYS NEW QUINTET
ANGLES WITHOUT EDGES
(STONES THROW, 2001)
05: DUDLEY PERKINS‘FLOWERS’
(STONES THROW, 2003)
06: MADLIB
SHADES OF BLUE
(BLUE NOTE, 2003)
07: JAYLIB
CHAMPION SOUND
(STONES THROW, 2003)
08: MADVILLAIN
MADVILLAINY
(STONES THROW, 2004)
09: BEAT KONDUCTA
BEAT KONDUCTA VOL. 1 - 2: MOVIE SCENES
(STONES THROW, 2006)
10: DJ RELS
THEME FOR A BROKEN SOUL
(STONES THROW / GOYAMUSIC, 2004)

Boa lista, com muitos dos meus "personal faves" aqui listados em ordem inversa de preferência do autor, Mr Beatnick (faltarão alguns dos momentos mais... esotéricos de Madlib, incluindo as homenagens a Weldon Irvine e Stevie Wonder).
Lista completa e textos aqui.

Jazz Bridges # 18: The Lyman Woodard Organization

2009-11-18T13:39:00.004Z

A Waxpoetics, agora também editora de discos, lançou a obra prima do recentemente desaparecido Lyman Woodard, músico-operário de Detroit.

Vivemos actualmente um estranho fenómeno, maximizado pela idade digital, em que a música existe toda num mesmo e simultâneo plano: o passado e o presente, o raro e o comum, o histórico e o obscuro. Está tudo disponível. Os efeitos a nível criativo desta nova realidade podem ser tremendos e um estudo atento dos caminhos percorridos pelos mais desafiantes músicos dos dias de hoje pode revelar isso mesmo. Mas na década de 60 ou de 70, as referências dos músicos passavam essencialmente pelos eixos facilitados por três planos – o que a rádio tocava, o que a indústria disponibilizava e, claro, pelo que a realidade circundante lhes oferecia em termos de experiência directa com a oferta de concertos. E tendo essa ideia em conta, poucos locais do mundo deveriam ser tão interessantes para um músico viver como Detroit: excelentes estações de rádio abertas a múltiplas sonoridades, imensas lojas de discos onde a soul psicadélica de Stevie Wonder dividia espaço com o rock abrasivo dos MC5 e, claro, uma vibrante cena de clubes alimentada pelos músicos profissionais que procuravam a Motor City para trabalhar, oferecendo entretenimento aos milhares de funionários da indústria automóvel que definia o tecido social da maior cidade do Michigan.
Cenas locais como a de Detroit têm funcionado como autênticos filões nas escavações de descoberta do passado efectuadas por coleccionadores de todo o mundo. Um dos artefactos expostos com essa continuada investigação foi o álbum “Saturday Night Special” da Lyman Woodard Organization, «uma colecção funky de jazz operário que, até aos dias de hoje, se mantém como um testamento às espantosas relíquias de expressão artística nascidas neste activo lugar e época da música americana», escreve John Kirby nesta recente edição da Waxpoetics (esta revista tem-se igualmente dedicado à reedição de obscuras pérolas do passado; no caso de “Saturday Night Special”, uma edição original da Strata – não confundir com Strata East –, a Waxpoetics lançou uma edição limitada a 1500 exemplares numerados em vinil de altíssima qualidade). Entretanto, e por uma infeliz coincidência, esta reedição acordada com o próprio artista acabou por ser praticamente coincidente com o desaparecimento de Lyman Woodard, que faleceu aos 67 anos em Fevereiro deste ano.
«Através dos anos a estética da Motor City tem sido incorporada no trabalho de músicos tão variados como John Lee Hooker, Aretha Franklin, Smokey Robinson, Bob Seger e Donald Byrd. O grande Yusef Lateef, um dos principais arquitectos do som de Detroit durante os anos 50, mais tarde prestou tributo a este fenómeno com o seu álbum “Lateef’s Detroit”. Mas é no trabalho de um profissional contemporâneo, um tal de Lyman Woodard, que a estética de Detroit encontrou a sua mais elevada expressão até aos dias de hoje», escreve o notório John Sinclar nas notas de capa originais da rara edição da Strata que facilmente atingia os 500 dólares quando surgia no eBay. Sinclair, fundador dos White Panthers, poeta e activista radical da década de 60, foi igualmente manager dos MC5 e uma das mais proeminentes figuras na Convenção Democrática de 68 que atraiu até Chicago activistas e poetas como Allen Ginsberg. Em 69, Sinclair que era observado pelo FBI, foi preso por passar dois charros de marijuana a um agente policial e condenado a 10 anos de prisão, facto que motivou protestos por parte de protagonistas do lado mais engajado dessa época, como foi o caso de John Lennon que sobre ele escreveu a canção «John Sinclair». Uma verdadeira autoridade, portanto, que garantia em 1975, nas já referidas notas de capa de “Saturday Night Special”, que «Woodard, um residente da área próxima ao West Side de Detroit nos passados 10 anos, tem uma história musical quase tão rica e complexa como a própria história da música de Detroit».
De facto, Lyman Woodard era um profissional, no verdadeiro sentido da palavra, tendo, como tantos outros músicos, começado por orbitar na esfera da Motown: gravou com vários artistas dessa grande editora de soul, foi director musical de Martha and the Vandellas e angariou salários no circuito de clubes com um trio que incluía o baterista Melvin Davis e o guitarrista Dennis Coffey. Mais tarde fundou então a sua organização com a colaboração de veteranos da cena de Detroit como Ron English, guitarrista que tocou com Marcus Belgrave ou Phil Ranelin. Em “Saturday Night Special” o que impressiona é a fluidez da música, com os teclados de Woodard – piano eléctrico, órgão e até mellotron – a servirem de ponte entre os universos do jazz e do funk, com colorações latinas a darem um sinal extra de que esta é música (gravada originalmente em duas sessões de Novembro de 73 e lançada em 1975) inserida numa excitante época de mil possibilidades. Hoje, o olhar de um músico pode lançar-se em simultâneo sobre diferentes cenas, estéticas e épocas da música, aproveitando o extraordinário trabalho de redescoberta do passado efectuado por inúmeras editoras apostadas em relançar música há muito esquecida. Mas em 1973, o olhar de Woodard limitava-se ao que testemunhava nos clubes e à música que ouvia no rádio ou em casa. “Saturday Night Special” é por isso música ancorada no seu tempo, mas nem por isso datada. Revelando o mesmo espírito aventureiro que guiou algumas das estratégias de fusão de Herbie Hancock, Lyman Woodard e a sua organização oferecem-nos uma sólida experiência de groove, com o jazz a servir como a língua franca com que todos os músicos envolvidos comunicam. Essencial.

(Texto publicado originalmente na revista Jazz.Pt)

Edan: a arte da colagem

2009-11-18T10:59:00.003Z

Vem aí «Echo Party» a tempo de furar nas listas de melhores do ano. Para já, um vídeo em regime Bollywood psicadélico, disco schizzo e o que mais se possa pensar. A amostra deixa-me de água na boca.

DJ Ferrari strikes again: Brasil 45 mix

2009-11-17T21:42:00.003Z

DJ Ferrari volta a atacar, desta vez com uma mix em que recorre apenas a singles brasileiros numa selecção estonteante, como a imagem que ilustra este post deixa bem claro. Matéria prima luminosa para iPods que, certamente, se andam a ressentir dos prenúncios invernis que andam no ar.

Combining my two loves into one mix... Brazilian records and 45s. Technically, Brazilian 7" singles play at 33 rpm, but let's just say 45 for naming sake. 80 minutes of rare Samba, Bossa Nova, MPB, Soul, Funk and Psych singles from Brazil. Some exclusive to singles and some LP tracks, but all dope!

Gal Costa - Mamae Coragem
Tim Maia - Ela Partiu
Os Brasas - Beija-Me Agora
Abilio Manoel - Diz Que Estava
Eva - Agora
Bebeto - A Beleza E Voce Menina
RC-7 - Venha Ver O Que A Luiza Ganhou
Orlandivo - Tudo Joia
Wanderlea - Mane Joao
Dora e Walter - Adeua Bahia
Piti - Espuma Congelada
Wando - Lamento Do Capoeira
Kris-Cristina - Una Rosa Com Amor
Jorge Ben - Olha A Beleza Dela
Wilson Simonal - Brasil Eu Fico
Anamaria & Mauricio - Manequim
Tom Ze - Escolinha De Robo
Fafa De Belem - Naturalmente
Grupo Selecao - O Bofe
Novos Bahianos - Globo Da Morte
Trio Ternura - A Gira
Marisa Fossa - Wanda Vidal
Os Falcoes Reais - Ele Seculo XX
Liverpool - Renata
Miguel De Deus - Black Soul Brothers
Jose Mauro - Tarde De Nupcias
Marcos Valle - Ultimatum
Vox Populi - Passarinhada
Quinteto Ternura - Come To Me Together
Stilo Set - Viajante

DJ Ferrari - Forty Fivan Compacto Edition

Secondhand Sureshots!

2009-11-17T18:51:00.000Z

dublab presents...SECONDHAND SURESHOTS (preview) from dublab on Vimeo.

Quero ir viver para Los Angeles...

Oh No na Etiópia

2009-11-17T18:27:00.003Z

And it don't stop! Oh No já investigou o psych turco, agora atira-se à colecção de ethio jazz de Egon. O resultado é este. Depois da World Music o world sampling? Conceito a desenvolver por aqui em breve, agora que os diggers parecem explorar outras avenidas (o psych turco ou tailandês e os grooves africanos são apenas o começo!).

When we announced an advance digital release of Ethiopium last September, little did we know that Oh No would not bring himself to finish work on the album for a few more weeks. What we have now is a newly completed and expanded 36-track version of Ethiopium. The CD is available exclusively at Stones Throw, and will be released worldwide on CD and vinyl in coming weeks.

Oh No created Ethiopium with help from Egon's record collection, inspired-by and sampled-from rare 60s and 70s Ethiopian funk, jazz, folk, soul and psychedelic rock. It is the followup to his 2007 album Dr. No's Oxperiment, the Turkish and Lebanese-inspired instrumental beat album.

Ouvir aqui.

Gainsbourg no grande ecrã

2009-11-17T10:52:00.001Z

Gainsbourg - Vie Héroïque - Trailer HD [VF]
by NewZmedia

Looking good! Sai em 2010.

Os discos e a ilha deserta

2009-11-16T15:22:00.004Z

Não tenho a certeza absoluta de ser sempre entendido quando digo que por vezes o espaço que separa dois discos - ainda que seja em termos aristotélicos infinitamente pequeno (ver imagem acima) - pode ser tão revelador como os próprios discos em causa. O que falta diz tanto como o que está, penso eu, não só por causa das relações que estabelecemos entre os discos e que os levam a partilhar espaço (e que nunca é tão simplista ao ponto de ser meramente alfabética - os meus discos de Karen Dalton estão na secção de soul, mas os de Vashti Bunyan estão na estante do PopProgFolkRock...), mas também porque no meio, invisiveis, estão todos os discos que ainda planeamos adquirir. Por isso, a minha colecção de discos ajuda a definir-me, claro, mas não completamente pois nada diz dos meus desejos, dos meus objectivos pessoais a alcançar. Vem tudo isto a propósito de quase nada, mas um quase nada que nos últimos tempos me fez perder alguns minutos de sono (não muitos, que durmo bem, obrigado): os discos que proverbialmente nos acompanhariam para a ilha deserta (equipada com ar condicionado e sistema de som, como é óbvio).

O conceito de Discos Que se Levariam Para Uma Ilha Deserta simplesmente não faz sentido, a menos que se pudessem levar todos os discos para uma ilha deserta. E mesmo assim seria uma ilha estúpida, sem gente, sem filmes, sem livros, sem lojas de vinhos e museus. Mas levemos a sério o conceito - 100 Discos A Que Se Resumiria Uma Colecção, porque é disso que se trata quando se evoca a tal ideia absurda da ilha deserta, penso eu. 100 ou 10 ou 1000. Não faz diferença para o caso. Porque, e esta foi a conclusão a que cheguei durante os tais minutos roubados ao sono, se eu só pudesse ouvir esses 100 discos (ou 10 ou... já perceberam a ideia) a minha vida seria muito aborrecida.

Vejamos o caso de Madlib: recentemente dei conta por aqui dos planos do produtor para um ano recheado de edições. Não tardou para que fóruns como o Soulstrut se agitassem - que o homem é doido, que já não há paciência, que nem ele será capaz de fazer 12 edições relevantes. E toda essa gente perde o ponto (misses the point, em inglês): Madlib sabe certamente que não vai editar 12 desses discos da ilha deserta. O que ele vai fazer é abrir-nos as portas para o seu pensamento criativo, vai permitir que ouçamos as falhas, os acertos, e todos os gestos intermédios. O que nos traz de volta à questão dos discos da ilha deserta. Eu sei que o que faz brilhar a discografia de Marvin ou de JB são os incontáveis discos de soul que são menores porque a história ou o tempo ou as condições em que foram originalmente gravados ou o talento dos seus intervenientes não lhes fizeram justiça. Mas a soul - ou o rock, ou o jazz ou qualquer outra coisa - só faz sentido com esse corpo imenso de tentativas e erros. A minha colecção está muito depurada por anos e anos de trocas, presentes dados a amigos, discos vendidos no eBay ou na Cash Converters, outros que se perderam ou de que se deixou de gostar. Já a espremi de todas as maneiras e feitios. E, ainda assim, não fiquei apenas com obras primas. Longe, tão longe disso. Mas todos os discos que resistiram ao tempo e às purgas alcançaram essa proeza por uma qualquer razão. Porque contêm neles pormenores que enaltecem outros discos, por exemplo: o primeiro disco pop onde se usou o som da sitar indiana, mas que não chega aos calcanhares do «Tomorrow Never Knows», ou as primeiras tentativas de enquadrar a síntese em temas pop com discos Moog que tentavam dar uma roupagem inocentemente electrónica a clássicos do country ou da Broadway ou algo igualmente palerma. Discos que falharam tremendamente, mas que ainda assim conseguiram a proeza de preparar caminho, de apontar pistas e estratégias, de experimentar novas abordagens técnicas. De arriscar, enfim. Um pouco como o piloto de Fórmula 1 cujo papel é ficar sempre em segundo, abrindo caminho para a estrela da equipa. Levar apenas 100 discos para a ilha e esquecer estas modestas candidaturas à eternidade (ou a um lugar no Top 20) seria um erro tremendo. Dizem os sábios que mais importante do que chegar ao destino é ir caminhando, ideia que parece ter sido feita à medida de quem colecciona discos (ou outra coisa qualquer). Mais importante do que chegar à ilha deserta com 100 discos debaixo do braço (continuo a pensar como é que lá se chegaria, como é que se protegeriam esses 100 discos do sal, da água, do sol, da queda imprevisivel de côcos...) é o percurso por todas as lojas/sites/feiras/casas de amigos que nos leva a encontrar esses discos e a estabelecer entre eles relações dificeis de explicar (os tais espaços que os separam). E igualmente mais importante do que chegar ao destino é continuar a caminhar, a procurar novas coisas que se possam intrometer entre os discos da foto, obrigá-los a mudar de sítio, fazê-los perder o estatuto que agora possuem nas nossas colecções, ou iluminá-los de uma forma que não julgávamos possível. Em vez de levar discos para a ilha deserta, preferia mesmo trazer a ilha deserta para perto de casa. Na verdade, a minha sala de discos é uma espécie de ilha deserta, mas cheia de discos, onde estão os 100 que outros levariam para um sítio qualquer e os restantes 9 mil e 900 (ou algo assim) de que eu também gosto.

O coleccionador de soul

2009-11-16T14:09:00.003Z

Wallifornia Soul from Laid Back on Vimeo.

Do belíssimo blog Laid Back que é programa de rádio e fonte de informação bastante generosa:

After meeting record collector Jean Roger aka JR on a flea market, Eric invited him in the FM Brussel studio for a Laid Back session (October 2008) … Blown away by his stories and musical knowledge, we decided to meet him again to discuss about music, records, travels and life in general. More than a crate digger, JR is a man who follows his heart in order to achieve his dreams.

Working on our first 15 minutes documentary was a hell of a DIY learning experience but we made it.

Thank you to Jérôme ‘Djé” Escobar for the introduction animation, Matthieu “Maty” Cadet for the colour grading, Louis “LuiGi” Van De Leest for filming and Eric Paquet for not only editing it but for taking care of this project from day one. A special big up to Noah Greenwood for hooking us up with Aki from Cosmos Records in Toronto.

Let’s hope this is only the first in a long series.

Low End Theory Podcast # 9

2009-11-16T10:56:00.002Z

Nova dose de pressões mais baixas do que a auto-estima dos jogadores da nossa selecção e mais dilatadas do que a dívida externa de Portugal. Batidas cortantes, baixos carregados, sinuosidades imprevisiveis, enfim, tudo aquilo a que a marca Low End Theory já nos habituou:

Well worth the wait, this month's Low End Theory podcast is truly something special. Low End Theory resident Daddy Kev is paired with reigning L.A. beat battle champion Dibiase for nearly 45 minutes of sonic debauchery.

Aqui: Low End Theory Podcast IX

Waxpoetics # 38

2009-11-15T11:16:00.008Z

Yummy!

It’s been a long time coming. In fact, for the past eight years and thirty-seven issues, we’ve wanted to do a Curtis Mayfield cover. It finally worked out for our unofficial Film/Hustler Issue, in which we take a look at Mayfield’s epic soundtrack recording Super Fly. New York writer Michael Gonzales pulls from his own 1996 Curtis Mayfield interview as well as tapping Curtis associates, guitarists Craig McMullen and Phil Upchurch and composer/arranger Johnny Pate, to tell the story of the finest blaxploitation score of the 1970s.

Once again, we’ve created a split cover–with Curtis on front both times and the back shared by two classic films: Spike Lee’s Do the Right Thing (Radio Raheem in full effect) and Ralph Bakshi’s Coonskin (a Wax Poetics favorite). Besides speaking with both of these groundbreaking filmmakers, we also take a look at the new film Black Dynamite (Wax Poetics Records released the score and soundtrack), and music supervisor David Hollander reveals the fundamental facts of once-mysterious library music.

Last but not least, we finally unveil the Robert Beck aka Iceberg Slim story by longtime contributer Mark McCord (aka Mark Skillz). As the greatest hustler of all time, Beck finally gets his due.

Purchase at: Wax Poetics Storefront

Featured Articles:
Curtis Mayfield
“I don’t see why people are complaining about the subject of these films,” Curtis told Jet magazine in October 1972 in a statement that foreshadows the words of modern-day rappers. “The way you clean up the films is by cleaning up the streets. The music and movies of today are the conditions that exist.”
Spike Lee
What gets me mad about Bamboozled is that the New York Times refused to run the ad with Tommy Davidson and Savion Glover in blackface. The whole thing about the film was to show that there is a history behind this imagery.
Ralph Bakshi
When I was doing Mighty Mouse and The Mighty Heroes, I didn’t like what I was doing. That wasn’t the raw edge of life I grew up with. Bob Dylan was singing, the freedom marches were happening, Miles Davis was blowin’, and the stuff Coltrane was doing was brand new. So doing this stupid, old bullshit wasn’t good enough.

Also Includes:
Re:Discovery Melvin Van Peebles, Manfred Krug, Marvin Gaye, Judgment Night OST, John Carpenter
Roc Raida The Grand Master
Shadows and Phonographs This sinister role of the turntable in Hollywood classics
Brotherman Blaxploitation soundtrack for a film that wasn't meant to be
Adrian Younge Black Dynamite composer refuses to cut corners with his authentic old soul
Gangs On Film The South Bronx of 1979 documented in 80 Blocks from Tiffany's
Night Life Photographer Michael Abramson captured the magic of 1970s South Side Chicago
The Rhythm of Film DJ/producer David Holmes approaches soundtrack composition with a less-is-more philosophy
Mood Music European libraries created soulful instrumentals for '70s film and television
The Next Hustle Ex-pimp Robert Beck transformed into writer Iceberg Slim, introducing a new genre for literature, film and music
Comic Truth Animation and indie film pioneer Ralph Bakshi drew attention to race and culture
Gangster Boogie Curtis Mayfield injected his own cultural commentary into the Super Fly legacy
The Provocateur Director Spike Lee continues to tell personal stories by any means necessary
Playing It Straight Black Dynamite director Scott Sanders crafts high-caliber blaxploitation homage
Analog Out Cybernetics, Louis and Bebe Barron, and the sonic life-forms of Forbidden Planet

Em busca do disco perdido

2009-11-15T10:30:00.005Z

«Ze 30» e «Horse Meat Disco» lançam achas para a fogueira do revisionismo disco que marca parte da produção mais interessante do presente. Tudo isto pela mão da Strut Records.

Com a imposição do formato CD, na transição da década de 80 para a de 90, surgiu igualmente a figura do curador da memória passada na pele do coleccionador de vinil. DJ umas vezes, produtor outras, mas tantas vezes alguém simplesmente interessado nas coordenadas exploradas no passado, esta figura recolheu e cuidou de artefactos da história da música a que a indústria discográfica, demasiado ocupada a vender pela segunda vez os mesmos discos às mesmas pessoas, não estava a prestar atenção. E depois, com o crescimento em importância da cultura da música de dança, apoiada constantemente numa revisão em alta do passado por via do sampler ou do próprio gira-discos, surgiram as visitas guiadas à memória de determinadas correntes pela mão destes especialistas.
Talvez tenha sido durante o reinado acid jazz – que coincidiu igualmente com a explosão sampladélica do hip hop - que se tenha atribuído importância ao acto de reciclar as rare grooves que serviam de pedra de roseta a toda essa cultura. As compilações «Blue Breakbeats» da Blue Note são disso um bom exemplo. Claro que não foi essa a primeira vez que se olhou para o passado com essa perspectiva: já na década de 70 as compilações «Nuggets» investigavam o legado americano de garage rock psicadélico em busca dos primeiros capítulos de uma história que viria a desaguar no punk – um dos organizadores era aliás Lenny Kaye, músico de Patti Smith. Mas Nuggets era claramente uma excepção numa indústria mais interessada em re-empacotar êxitos do que em olhar para a música que tinha escpado às alargadas malhas do sucesso.
Foi portanto na década de 90 que se consolidou este hábito de iluminar largas porções do passado que não tinha logrado entrar para os livros de história. Nesse processo surgiram editoras especializadas em vasculhar artigos e em recuperar para o presente música que há muito estava confinada a poeirentos arquivos: a Soul Jazz, a Harmless ou, entre várias outras, a Strut são exemplos óbvios.
Depois de ter visto a sua actividade interrompida em 2003 – quando no seu catálogo já incluía pérolas preciosas que recuperavam a memória do afrobeat da Nigéria, do disco de Nova Iorque ou do funk do Brasil – a Strut regressou à actividade em 2008 mercê de uma proveitosa associação à K7! E desde então não tem parado, prosseguindo o trabalho interrompido em 2003 e oferecendo-nos visitas guiadas à actividade dos estúdios Compass Point das Bahamas, ao Calypso das Caraíbas, à obra de Kid Creole e ao Italo Disco, entre outros títulos. Desta vez, a Strut também inverte a perspectiva e acrescenta à recuperação do passado uma sólida actividade de busca no presente dos desenvolvimentos originados precisamente pela música que lhes alimenta parte generosa do catálogo: edições dos Breakestra (pioneiros na renovação do funk) ou a série Inspiration Information – que promoveu o encontro de artistas como Mulatu Astatke e os Heliocentrics ou até, a editar em breve, de Jimi Tenor e Tony Allen – não permitem que se desenvolva sobre a Strut outra ideia que não seja concordante com a de uma editora de pés firmemente apoiados no presente.
Na mais recente leva de edições há duas compilações de interesse acrescido: «Ze 30», dedicada à história da seminal editora Nova Iorquina que explorou os canais de comunicação abertos entre a cultura disco sound e o punk, e ainda «Horse Meat Disco», compilação que ilustra o espírito de um clube a operar actualmente em Londres sob a orientação de Jim Stanton (ligado à revista Jockey Slut) e James Hillard (em tempos na mítica Nuphonic).
Com as compilações «Disco Not Disco» e «Disco Itália», a Strut já tinha explorado esta estética, mas o facto de ter encontrado mais dois ângulos para abordar esta área da música de dança só realça o rigor com que olha para um passado riquíssimo.
A Ze, claro, ajudou a definir os rumos da Nova Iorque mais desafiante do arranque dos anos 80 e na música dos Was (Not Was), Lizzy Mercier Descloux, Alan Vega, Kid Creole, Material ou Aural Exciters encontram-se as pistas para descodificar boa parte da produção de gente louvável como os LCD Soundsystem ou os Rapture. E se há bandas que seguem no presente a via deste disco sound angular é precisamente porque esta música se recusa a ficar encerrada no passado. E pode-se dizer exactamente o mesmo da música seleccionada para «Horse Meat Disco»: este clube inspira-se no período dourado da história de Nova Iorque que viu a música alargar-se até às 12 polegadas de vinil e o DJ a ganhar protagonismo em clubes como o Loft ou o Gallery. Na música de Karen Young, K.I.D., Gino Soccio, Gregg Diamond ou Tamiko Jones escolhida para esta compilação encerram-se verdadeiros manifestos de liberdade rítmica, pensados com o único propósito de realizar as visões do DJ que do alto da sua cabine orquestrava os movimentos na pista de dança. Música de realidade, portanto, mas também de fantasia e até de utopia social e política (títulos como «Love Me Tonight» ou «Let it Flow» indicam isso mesmo).
Com os olhos no passado, mas a cabeça decididamente ancorada no presente, a Strut prossegue a sua missão, em busca dos discos perdidos.

(Texto publicado originalmente na revista Parq)

Nota adicional:
Entretanto saiu Zevolution - Ze Records Re-Edited, uma compilação que parte de Ze 30 para reinventar o catálogo dessa histórica editora de Nova Iorque à luz da cultura de re-edits. Entre novas propostas de gestão do espaço rítmico assinadas por Soul Mekanik, PIlooski, Richard Sen, Greg Wilson, Run m' Tug, Todd Terje e Idjut Boys encontramos também um edit de Humberto Matias, aka Social Disco Club, para «Cowboys & Gangsters» de Gichy Dan's Beachwood Nº 9. O que já nem deveria espantar ninguém tendo em conta o impressionante volume de trabalho apresentado em tempos mais recentes, mas que ainda assim - a mim pessoalmente - me enche de orgulho. Go Humberto, go!

Super Disco no Maria Matos hoje.

2009-11-14T09:19:00.004Z

O Super Disco de hoje promete muito. Promete, nomeadamente, resolver um mistério que já me acompanha há uns anos: quem eram, afinal, as pessoas por trás da Warm Records, editora que listava sempre duas moradas nas contracapas dos seus discos, incluindo uma de Londres e outra de... Azeitão. Nada no Discogs ainda hoje, pouco ou nada no Google, este era um mistério que ameaçava persistir, mas que hoje, com o convite dirigido a Rui de Castro,irá desaparecer. Finalmente. Mais abaixo encontram o texto que a Flur colocou no blog e no Facebook para promover o evento e onde muito acertadamente se fala de "arqueologia musical" e que situa a pessoa de Rui Castro. Logo depois, um par de velhos textos do Hit da Breakz onde dava conta de alguns achados com selo Warm Records. Mais recentemente encontrei outros dois discos para acrescentar a essa lista: um single de uma tal de Robot Jukebox Band (fantástico nome) com duas delirantes faixas creditadas a um tal M. de Castro - tem que ser familiar! - «Sweet Sixteen» e «Sàbado à Noite»; e ainda um álbum com uma incrível Megamix disco creditado a uns tais Enigma e que tem o título «Ain’t No Stopping Disco Mix 81» (tenho um exemplar a mais: candidatos a troca deixem comentários por aqui).
O tema que a Flur colocou no blog e que mais abaixo linko igualmente do YouTube vai obrigar a reescrever a história do hip hop em Portugal. E, lentamente, começa a desenhar-se outra imagem de Portugal nos idos de 80: um pioneiro do electro rap aqui, uns músicos de Disco ali (Toronto) e até um criador de acid house acolá (há uns tempos encontrei um maxi inglês de 88 com um nome indiscutivelmente português de que não consigo recordar-me agora nos créditos).
Imperdível Super Disco mais logo, portanto (imperdível para todos, menos para mim que, provavelmente, terei que apenas escutar o programa de rádio mais tarde...). We'll see.

A descrição que se segue parece fabricada, um sonho de arqueologia musical, histórias vividas em primeira mão e na primeira pessoa, tudo verdade: Rui de Castro viveu em Londres durante a década de 70, assistiu por dentro à ascenção e decadência do pun...k, vizinho da frente de Johnny Rotten, músico (The Warm), editor (Warm Records, inaugurada com dois singles em 1976), contacto privilegiado de António Sérgio para fornecer novidades frescas de Inglaterra. Regressado a Portugal no início da década de 80 viu frustradas pelo “Sistema Fonográfico” vigente as suas tentativas para fazer cá uma editora independente. Um resultado visível de toda essa frustração é o single de 7″ “O Pirata (Pirata Rap Attack)”, auto-produzido e editado em 1984 sob o nome Rui de Castro e o Grupo Português de Piratas. O formato rap/electro faz deste disco uma peça única no panorama discográfico português, a letra aborda em tom de sátira o assunto sempre relevante do direito à diferença e auto-determinação. Este é o Super Disco para dia 14 de Novembro. Mário João Camolas tem um dos dois ou três exemplares alegadamente vendidos e estará connosco na mesa para conversar com Rui de Castro.

Do Hit da Breakz

TOUCHDOWN - Aquadance/Ease Your Mind (12", Warm Records, 1982)
Com este máxi aprendi que tudo o que me surgir à frente com selo da Warm Records merecerá a minha atenção. Jazz funk executado para pista de dança no lado B e um pedaço de céu punk funk no lado A tornam este 12" dos Touchdown (não perguntem que eu não sei quem eles são...) uma presença obrigatória na minha mala de discos, com resultados já comprovados nas noites dos Loop Diggaz no Mercado (a próxima é já dia 12 - marquem nas agendas!). Não há muito mais a dizer: ouçam!

SURFACE NOISE - The Scratch (LP, Warm Records, 1981)
Nada sobre estes tipos no Google, mas este álbum é uma obra-prima. Com uma ligação a Portugal (mais concretamente a Azeitão, de onde deveria ser, a acreditar no apartado que aparece na contracapa, o senhor Cardoso que aparece referenciado nos créditos), esta editora Warm Records apresenta os seus discos em capas baratas e básicas, mas a música nela contida é entusiasmante. Este álbum foi criado por Chris Palmer (o nome é demasiado vulgar, mas poderá ser o mesmo Chris Palmer que tocou com os Egg de Dave Stewart em 1974...) e é um poderoso cocktail de funk, disco, jazz e electro, bem ao sabor do que os produtores mais informados faziam no início dos anos 80. Há um single deste tema, The Scratch, mas nunca se atravessou no meu caminho. Mais dia, menos dia...

Madlib's Medicine Show

2009-11-12T11:07:00.003Z

Wowa, pobres bolsos...:

Madlib is launching the Madlib Medicine Show, a once-a-month, twelve-CD, six-LP series. The Madlib Medicine Show will be a combination of Madlib's new hip-hop productions, remixes, beat tapes, and jazz, as well as mixtapes of funk, soul, Brazilian, psych, jazz and other undefined forms of music from the Beat Konducta's 4-ton* stack of vinyl.

Madlib Medicine Show No. 1 is Before The Verdict featuring Guilty Simpson, a 17-track album mixing remixes and new material, something of a prelude to Madlib & Guilty Simpson's forthcoming OJ Simpson album.

STONESTHROW.COM advance release date: December 2009
WORLDWIDE release date: January 2010

We are currently planning for the vinyl edition of Madlib Medicine Show No. 1 to be a hand-screened, limited edition release. Madlib Medicine Show No. 2, Flight to Brazil, is a mixtape of Brazilian jazz, funk, prog-rock, folk and psychedelia. Later releases will include Beat Konducta in Africa.

(*4-tons of vinyl, this is true.)

MP3: Madlib & Guilty Simpson - The Paper from Madlib Medicine Show No. 1

Novidades na BBE

2009-11-11T15:39:00.008Z

Talvez seja da chegada do Natal, mas a verdade é que a BBE se agita. Importa, sobretudo, chamar a atenção para as duas compilações cujas capas aqui se reproduzem: DJ Spinna às voltas com a memória do boogie, quando a definição do universo hip hop ainda estava em marcha e os bailarinos mais cool do mundo pareciam mover-se - ou moviam-se mesmo!.... - sobre patins. Música enorme. E depois temos ainda a compilação carregada de raridades de John Morales, com trabalhos inéditos realizados para a Salsoul. Não é preciso escrever mais nada... Entrevistas com DJ Spinna e John Morales por aqui muito em breve.

DWA: diggers with attitude

2009-11-08T17:38:00.002Z

É fim de semana, há energias para recuperar, discos para ouvir, pessoas para visitar, casas para arrumar - enfim, uma agenda carregada que não se compadece com longos posts, mas, precisamente por ser domingo, não queria deixar passar a oportunidade de recomendar a relaxada leitura das aventuras de uma série de notórios diggers cujas actividades têm vindo a ser documentadas no excelente blog Dust and Grooves: os textos deixam correr as histórias em discurso directo e as imagens são reveladoras - carregadas de preciosidades e evidenciadoras de uma fome de vinil pelo menos tão grande como a nossa. Boa leitura!

Documentário sobre o Krautrock

2009-11-07T09:36:00.002Z

Krautrock: The Rebirth of Germany from self-titled on Vimeo.

Post muito rápido só para chamar a atenção para este documentário da BBC que tem andado a fazer um excelente trabalho: conferir docs Prog Britannia e Synth Britannia (sites de torrents, por exemplo). Desta vez a atenção recai sobre a revolução rock alemã.

Honest Jon's: entre o passado e o futuro

2009-11-02T08:53:00.003Z

A Honest Jon’s é uma das lojas de discos de referência em Londres. Nos últimos anos, através de uma associação a Damon Albarn dos Blur, transformou-se igualmente numa das mais interessantes editoras com uma actividade que une as coordenadas do espaço e do tempo num brilhante catálogo.

A realidade é clara: a música tem vindo a mudar-se com crescente velocidade para um plano incorpóreo, onde existe liberta de uma dimensão física. As novas tecnologias subjugaram a música a uma nova ordem de ideias – reduzida à dimensão de “conteúdo”, a música é apenas mais um dos vectores onde assenta o verdadeiro negócio: o da comercialização de peças de hardware crescentemente sofisticadas e com cada vez maiores capacidades de “memória” e de espaço de armazenamento. Essa “memória”, no entanto, tende a apagar o carácter da música reduzindo-a toda a uma condição meramente funcional. Nesta passagem a outro plano de existência, a música tem perdido a sua própria memória: desaparecem as molduras gráficas que são reduzidas a minúsculos ícones, desaparecem as “liner notes” que são transformadas em hiperligações, desaparece o contexto. Em tempos idos, a indústria do Hi-Fi era orientada para o consumidor no pressuposto de que permitiria retirar o maior prazer possível da música. Mas hoje essa ordem natural alterou-se e é a música que parece orientada como mais uma forma de retirar o maior prazer possível do iPhone ou do iPod.
E é exactamente por isso que a actividade de editoras como a Honest Jon’s (www.honestjons.com) resulta tão crucial. Com distribuição assegurada em solo nacional pela Flur (www.flur.pt) , esta editora oferece várias portas de entrada para um universo onde as fronteiras de espaço e tempo são diluídas e onde o prazer da descoberta é acentuado.
O interessante neste catálogo é, precisamente, a sua liberdade: não existe uma linha nítida de exploração de uma ideia de Groove, como acontece na Soul Jazz, e muito menos um foco exclusivo numa estética ou numa região geográfica, como acontece nos catálogos da Soundway ou da Analog Africa. O fio condutor que une as diversas entradas no espantoso catálogo da Honest Jon’s é feito de outro impulso: entre a exploração do espaço protagonizada pelo recente exercício do Moritz Von Oswald Trio e o mergulho nos arquivos do Congo para «The World Is Shaking – Cubanismo From The Congo 1954-1955» vai uma incomensurável distância. Dois mundos, duas épocas, duas estéticas completamente diferentes. Práticas, ferramentas, atitudes quase opostas. Mas uma idêntica vontade: a de traduzir o seu próprio mundo, a de inscrever a sua época num devir histórico mais amplo. A Honest Jon’s é uma editora discográfica, mas poderia ser uma colecção privada de fotografia, tal a vontade que tem de documentar um mundo em permanente mudança. É a mesma vontade que anima os excelentes Hypnotic Brass Ensemble, colectivo que une as galáxias de Sun Ra, Fela Kuti e James Brown com o mesmo fôlego anímico que define os sons que se desprendem das «Open Strings» - onde passado e presente são aliás colocados em rota de colisão por via de respostas dadas por contemporâneos como Sir Richard Bishop a gravações de arquivo datadas dos anos 20.
A abordagem da Honest Jon’s à construção de um catálogo não deve ser analisada sem se considerar que o ponto de partida para esta aventura se encontrou, precisamente, nas prateleiras da loja de Portobello Road aberta desde os anos 70. Foi nessa loja que um jovem James Lavelle começou a trabalhar e terá sido ao dono que pediu as mil libras com que deu início à aventura Mo’ Wax. Porque ninguém consegue olhar para o stock de uma loja sem imaginar o que lhe poderia acrescentar. Desse manuseamento físico nascem as vontades que depois servem de base a aventuras como a que a Honest Jon’s agora protagoniza. A construção de um mundo onde a música – e não os artefactos que a permitem ler – ocupa o verdadeiro centro e justifica tudo o resto. Entre o Congo, Baghdad, Nova Iorque e Berlim ou entre a década de 20 do século passado e o presente não há fronteiras, nem distâncias. Cada uma dessas coordenadas é uma porta representada por um número de catálogo na Honest Jon’s: é possível cruzar todas essas portas ao mesmo tempo e beber a informação e a música contida em cada um dos lançamentos que a Flur agora disponibiliza entre nós. Segurando na mão capas que são completamente relevantes para a fruição do todo, deixando os olhos sorver a informação nelas contidas. Entendendo que a música não se pode reduzir a um ficheiro despido de toda a sua bagagem – e como se pode viajar sem bagagem?

(Texto publicado originalmente na revista Parq)

António Sérgio R.I.P.

2009-11-01T13:02:00.002Z

António Sérgio faleceu esta madrugada, aos 59 anos, vítima de ataque cardíaco, segundo declarou ao Público Luís Montez, proprietário da Radar FM onde o radialista apresentava actualmente o programa «Viriato 25». E assim, a 1 de Novembro de 2009, desaparece uma voz pioneira do panorama rádio português.
São muitos os marcos na carreira de António Sérgio – aos microfones da Renascença e da Rádio Comercial assinou programas míticos que muito contribuíram para definir a identidade de toda uma geração, como o Rotação, o Som da Frente ou o Lança Chamas. O vigor e entusiasmo que colocava nos programas que fazia permitiram-lhe a ambição de outros projectos, como o apadrinhamento e a produção do primeiro álbum dos Xutos & Pontapés. O punk foi uma das bandeiras de António Sérgio que nunca desistiu de procurar o que estava à frente e de onde vinham as mais recentes novidades: tinha os ouvidos generosamente receptivos às mais desafiantes tendências e nunca se cansou de as divulgar. Em 2007 abandonou os microfones da Rádio Comercial, onde passou a maior parte da sua carreira, depois da direcção ter concluído que o seu programa, «A Hora do Lobo», já não se encaixava no perfil da estação. Mudou-se para a Radar FM onde era tratado por “mestre”. Apresentava o programa Viriato 25.
No passado dia 10, António Sérgio, a sua mulher Ana Cristina Ferrão e eu próprio fomos convidados da Fnac para um debate sobre o vinil e a sua importância. O debate aconteceu à hora de um decisivo jogo da selecção portuguesa e a plateia encontrava-se praticamente vazia, mas ainda assim Sérgio não conteve o entusiasmo com que falou do suporte que o acompanhou durante boa parte da sua vida. Trazia, entre outros, um disco dos Sex Pistols que fez questão de tocar como se soubesse que a imensa minoria que o ouvia continuava atenta. António Sérgio esteve na frente até ao fim.

Clube de Funk - Hoje, no Plano B

2009-10-31T16:02:00.004Z

Clube de Funk hoje no Plano B com o enorme Pedro Tenreiro que nos fez o favor de nos dar um Top 5 de rodelas que, certamente, rodarão esta noite.

Mary Love - Born to live with heartache (Elco)
Lee Shot Williams - Our thing is through (Shama)
Stratoliners - What do you want with my love (Federal)
Victoria Williams and J.B. Ledbetter - Show some sign (Verve)
Little Gigi - Take the bitter with the sweet (Select)

Halloween!!!!

2009-10-31T10:06:00.002Z

Chamam-lhe Halloween agora, mas quando eu era criança era a noite dos Finados. Os pais e avós iam até ao cemitério decorar as campas dos familiares (mórbido, eu sei) e as crianças percorriam a vizinhança com uma abóbora cortada para revelar uma carantonha a que a vela no interior dava um aspecto ainda mais assustador. Cantava-se aos finados e os vizinhos saiam para dar umas moedas ou nozes ou doces. Sim, eu sei, parece-se terrivelmente com o "trick or treat" do Halloween. O curioso é que se tratava de um hábito muito próprio da aldeia onde cresci, em Coimbra, e que não se praticava noutras localidades em redor. Lembro-me que gostava bastante desse dia. Não só porque por vezes o 1 de Novembro proporcionava um descanso bem vindo nas aulas, mas também porque era uma boa oportunidade de encaixar uns tostões que rapidamente eram investidos em novos volumes do Mundo de Aventuras ou do Falcão. Quando a mania da música chegou, claro, já era demasiado "crescido" para isto, mas as crianças da vizinhança continuaram a cantar pelos finados. E até a minha filha já teve oportunidade de o fazer: é bom transmitir esta forma de empreendedorismo - é possível ganhar dinheiro a cantar (cool!) e a mostrar às pessoas uma carantonha assustadora esculpida numa abóbora (even cooler!). Por tudo isto, deixo aqui uma possível banda sonora para a noite que se avizinha!

Halloween Mix by The Hook Up (soulstrut)

The Soul Providers "Rigor Mortis"
The Poindexter Brothers "Booga Man"
A Fascinating Musical Experience "The Monster"
Gene "Bowlegs" Miller "Frankestein Walk"
Claudine Clark "Walking Through a Cemetery"
The Emersons "Dr. Jekyl and Mr. Hyde"
Jive Five "People From Another World"
Ike Turner "She made My Blood Run Cold"
Screaming Jay Hawkins "I put a Spell On You" (Decca version)
Allen Wayne "Chills and Fever"
Brian Auger and the Trinity "Black Cat"
The Noblemen "Dragon Walk"
Big Jay McNeely with Little Sonny Warner "Psycho Serenade"
Howlin' Wolf "Evil"
Willie Bobo "Evil Ways"
Dusty Springfield "Spooky"
Freddy Robinson "The Creeper"
Bobby Stone "Hoodoo Man"
Charles Sheffield "Its Your Voodoo Working"
Eddie Kirk "Them Bones"
Johnny Fuller "Haunted House"
Little Milton "She Put a Spell On me"
R. Dean Taylor "There's a Ghost In My House"
The Witches and Warlock "The Wanderer"

Halloween Mix by The Hook Up

Soundway de baterias recarregadas

2009-10-27T09:04:00.005Z

Algures durante este ano o ritmo de edições da Soundway abrandou e chegaram a circular rumores preocupantes quanto ao futuro da operação comandada por Miles Cleret. Felizmente, só há razões para celebrar: o site da Soundway foi renovado, está carregadinho de novidades e de conteúdos fantásticos. Há discos novos - «Tumbélé», novos volumes na série Panamá e, sobretudo, Ghana Special, lançamento apetitoso que se encontra neste momento em pré-venda e que em vinil terá uma versão luxuosa "encaixotada" dividida por cinco rodelas de vinil. As listas de compras para o Natal não páram de crescer... Mas há mais: uma página recheada de fantásticas mixes que dão a volta ao universo Soundway e nos deixam o iPod mais perto do paraíso.

Dam-Funk na Fader

2009-10-24T10:54:00.003+01:00

Já tem umas semanas, esta Fader com Dam-Funk, mas só agora li a feature e por isso fica aqui a recomendação. A Fader tem a particularidade de disponibilizar um pdf com a reprodução integral da edição impressa e por isso não há desculpa para perder nem este número nem outros que eventualmente vos possam interessar.

Edição Número 64 com dupla capa de Dam-Funk e Bon Iver para download gratuito

Edição Número 52 dedicada à música de África

Blitz de aniversário

2009-10-23T22:41:00.003+01:00

Todos os pormenores aqui. Esta deu muito trabalho a muita e boa gente. Mas é antológica! Dia 30 nas bancas.

Hip Hop: a mudança de paradigma

2009-10-22T14:36:00.004+01:00

Sasha Frere-Jones está certeiro como sempre no seu mais recente artigo da New Yorker - que reproduzo mais abaixo - onde o hip hop volta a ser objecto de análise. «Hip Hop is no longer the avant garde, or even the timekeeper, for pop music» é, provavelmente, a frase chave de um artigo em que Frere-Jones investiga a falta de energia deste género, no ano do seu 30º aniversário. O autor do artigo menciona uma mudança de foco da música que até aqui se baseava no groove dos blues e que agora procura o balanço mais metronómico (e europeu...) de uma electrónica herdeira do disco. O próprio hip hop é herdeiro do disco, mas muito mais próximo das experiências geradas nos estúdios de Filadélfia do que dos avanços registados por produtores como Giorgio Moroder ou Patrick Cowley.
Como é mais do que óbvio, a visão de Sasha Frere-Jones é panorâmica e por isso mesmo descarta - conscientemente, tenho a certeza - as movimentações mais microscópicas que têm mantido o interesse nos circulos subterrâneos desta cultura. Até porque várias dessas movimentações são, elas próprias, de carácter híbrido - a geração wonky e a sua fusão com várias formas de idm ou com linguagens como o dubstep, por exemplo. Há também o caso notório de quem regressa ao passado - e Frere-Jones menciona um dos grandes estoiros do ano, o álbum de Raekwon. Estes "tradicionalistas" assumem o hip hop como linguagem cristalizada e descartam a procura de novos caminhos em detrimento da reutilização de velhos códigos. A história ensina-nos que dois passos atrás podem por vezes ser tão válidos quanto um em frente e por isso faz sentido que se procure validade nestes regressos a uma certa ideia de pureza. Dam-Funk está a fazer precisamente o mesmo com a sonoridade do electro-funk pioneiro, quando os jogos de arcada traduziam uma ingénua ideia de futuro.
O hip hop está de facto a mudar de paradigma, mas talvez lhe faça bem perder o tal estatuto de "timekeeper" da música pop, como Frere-Jones refere. Talvez o abandono desse lastro permita que o hip hop se reencontre, sem que o principal capital em jogo seja essa constante necessidade de inovação. Por um momento, e por causa de gente como os Neptunes, Timbaland, Jay-Z ou Kanye, o hip hop confundiu-se com o mais alargado terreno da pop. Alimentar esse vasto delta com a criatividade do que deveria ser apenas um afluente talvez tenha esgotado a relevância do hip hop como elemento de constante desafio ao status quo. Esse papel pertencerá agora a uma nova geração indie-rock. E os próximos tempos serão interessantes: a observação dos próximos passos dos protagonistas principais do hip hop irá, certamente, ser excitante. Enquanto isso, alheios aos tsunamis que alteram a paisagem à superficie, há uma série de novas visões em marcha a grandes profundidades. Coloquem os fatos de mergulho, sff.

Wrapping Up
A genre ages out.
by Sasha Frere-Jones
October 26, 2009

Disco Weighing in early on what academics call “periodization” is a dicey proposition. If you try to locate the moment of a major paradigm shift, in the moment, perhaps by calling your album “Hip Hop Is Dead,” as Nas did in 2006, you’re slipping into weatherman territory. Will it rain tomorrow? Will another great rap album pop up? The life spans of genres and art forms are best perceived from the distance of ten or twenty years, if not more. With that in mind, I still suspect that Nas—along with a thousand bloggers—was not fretting needlessly.

If I had to pick a year for hip-hop’s demise, though, I would choose 2009, not 2006. Jay-Z’s new album, “The Blueprint 3,” and some self-released mixtapes by Freddie Gibbs are demonstrating, in almost opposite ways, that hip-hop is no longer the avant-garde, or even the timekeeper, for pop music. Hip-hop has relinquished the controls and splintered into a variety of forms. The top spot is not a particularly safe perch, and every vital genre eventually finds shelter lower down, with an organic audience, or moves horizontally into combination with other, sturdier forms. Disco, it turns out, is always a good default move.

Hip-hop, a spinoff from New York City’s early disco culture, has been a commercial proposition since the release of “Rapper’s Delight,” in 1979. That’s thirty years, a long time for any genre. If you want to be conservative and decide that mainstream cultural relevance kicked in toward the end of the eighties, with New York’s golden age and the quick follow-up of gangsta rap, the wildly popular genre from Los Angeles, that still leaves twenty years of cultural impact. This may be a fine time for hip-hop to atomize. The original form has done an awful lot of work.

“The Blueprint 3” falls in line with other recent mass-market successes in hip-hop. Compare it to Kanye West’s “Glow in the Dark” tour, or Kid Cudi’s breakout hit “Day ’n’ Nite,” and you will notice that this is hip-hop by virtue of rapping more than sound. The tempos and sonics of disco’s various children—techno, rave, whatever your particular neighborhood made of a four-on-the-floor thump—are slowly replacing hip-hop’s blues-based swing. It doesn’t matter if you’re talking about the rudimentary digital sound of New Orleans bounce or the crusty samples of New York hip-hop: this music wants to swing and syncopate. On major commercial releases, this impulse is giving way to a European pulse, simpler and faster and more explicitly designed for clubs.

A mildly entertaining patchwork of styles, anchored by lots of guest singers and rappers, “The Blueprint 3” is only tenuously connected to Jay-Z’s best work, and a patient listener will have to accept that. Gone are the autumnal poise and the tightly nested meanings, verses delivered with the bravado of someone who knows he could go all night but will bow out early to appear deceptively human. The new Jay-Z is a relaxed impresario, a Macher with A-list friends making safe choices. On the single “D.O.A. (Death of Auto-Tune),” Jay-Z mentions rappers that he previously overshadowed, an acknowledgment, perhaps, of a shift in hierarchy: “This shit need a verse from Jeezy, I might send this to the mixtape Weezy.” The latter is a reference to Lil Wayne, who publicly claimed the title of “greatest rapper alive,” while also stipulating that it used to belong to Jay-Z. Wayne was right, for a while, and then went weirdly silent, save for a few odd rock tracks. Wayne’s 2008 release, “Tha Carter III,” which included “A Milli,” a thick, psychedelic ramble tied to a thin, metronomic canter, was the year’s biggest-selling album—and probably the last moment when hip-hop was both popular and improbably weird.

“The Blueprint 3” features nothing as startling or vital as “A Milli.” (Jay-Z albums were once routinely loaded with three or four such songs.) The only tune that interrupted the summer flow of Michael Jackson songs in my Brooklyn neighborhood—not far from where Jay-Z grew up—was “D.O.A.,” a bit of a stylistic throwback, using a generous sample of an obscure 1970 rock record. It sounds more like vintage nineties Jay-Z, and it’s the only track in that mold. The rest of the album veers toward a pop median, giving synthesizers and R. & B. singers the last say. For “Run This Town,” that means Rihanna has to tackle a dreary and aimless melody that could be saved only by someone with a surplus of persona. (Mary J. Blige and Nina Simone come to mind.) On “Empire State of Mind,” Alicia Keys improves matters significantly, sending her voice high and strong: “Let’s hear it for New York! ” Why not?

The album begins, though, with “What We Talkin’ About,” which sounds like a cover of a slow Italian disco number from the seventies with a particularly tuneless chorus. “Young Forever” is genuinely European, a flat-footed remake of “Forever Young” by the German synth-pop band Alphaville. “Off That,” Jay-Z’s duet with the young rapper of the moment, the genial and deft Drake, works over a brisk computerized bubble that doesn’t necessarily sound as if it needed any rapping. None of the beats here are subpar, and Jay-Z is too smart to be boring, but there are few verses you’ll walk around repeating (unlike “The Black Album,” from 2003, which read like an alternate Bartlett’s, all pith and punch lines), and the music simply confirms that Jay-Z knows what’s happening in pop, not that he necessarily belongs there.

Other rappers will likely ride this new wave of club beats better than Jay-Z, but they have yet to emerge. It won’t be Kid Cudi, whose singsongy mumble does nothing to save “Already Home,” a sluggish number on “The Blueprint 3,” and whose début album, “Man on the Moon; The End of the Day,” manages to be both distracted and ill-tempered.

As the marquee names nudge rap into its transitional, synthetic phase, a host of traditionalists are doing strong work in well-known older styles. This movement reminds me of metal and jazz, areas where artists work in a larger number of established subgenres that do small but consistent business with loyal audiences. The claim to shock is traded in favor of a reliable form and a reliable following.

Raekwon, one of the Wu-Tang Clan’score members, just released “Only Built 4 Cuban Linx . . . Pt. II,” the follow-up to his 1995 début, “Only Built 4 Cuban Linx . . . ” It’s a sequel few thought would come and fewer thought would be any good. (Imagine if “Chinese Democracy” had been as good as “Appetite for Destruction.”) Raekwon has drifted between uninspired beats and retreads since the nineties. He seems to have found his voice by simply returning to where he started. “Cuban Linx II” sounds like an old Wu-Tang record: scraggly samples from soul records and rapid, gnomic bundles of rhymes about drug-selling and agitated encounters. Almost every skit involving Raekwon or his partner, Ghostface Killah, involves somebody yelling at somebody else. This is the Wu-Tang vision of living in the projects, “The Wire” before there was “The Wire.” Whether or not it really represents life as Raekwon and his bandmates know it isn’t relevant; this is the life that they know how to describe, and there’s an urgency here that’s entirely missing from the recent work of artists like Jay-Z and Kid Cudi.

Freddie Gibbs is the one rapper I would put money on right now. And, though it may be irrelevant to his gift, the criminal life that Raekwon raps about on “Cuban Linx II” is still very familiar to Gibbs. When I spoke to Gibbs on the phone, he told an unadorned story about growing up in Gary, Indiana. “We don’t even have a movie theatre,” he said. “We don’t even have a mall. I can’t ride around Gary and get inspired—we don’t have anything.” Several years ago, Gibbs was selling drugs out of a friend’s recording studio. He eventually decided he could rap better than the people coming in to record. His efforts found their way across the Web to Interscope Records, and Gibbs was signed. He moved to Los Angeles in 2005, and began to work at a relentless pace. “I was two hundred per cent into this rap thing,” Gibbs said. “Four P.M. to 1 P.M. the next afternoon in the studio.” When Joe Weinberger, the man who signed him, left Interscope, Gibbs was dropped.

Gibbs returned to Gary briefly, falling back into crime. Some friends encouraged him to return to California, and he did. He has now released five mixtapes onto the Internet, some using the material originally intended for Interscope. These are not quite like other hip-hop mixtapes circulating, where the standard practice is to record new material over other artists’ well-known beats. They are closer to fully formed albums, especially the newest one, “Midwestgangstaboxframecadillacmuzik.” The beats are almost all original and there is a minimum of filler. (Gibbs’s take on this approach is also a short summation of the music industry’s woes: “These rap motherfuckers giving you twenty-five songs with only five good ones—who is going spend their hard-earned money on that?”) Gibbs rhymes the way he talks, quickly and cleanly, with little sentimentality or exaggeration. After years of bloated expansion and leveraging of fantasies, “gangsta rap” has largely become a meaningless term. Unvarnished reporting delivered with a panache that balanced the pain—this was gangsta rap’s first achievement, not unlike the cry of mid-seventies reggae artists like Culture and Bob Marley. Somewhere along the way, the struggle to escape became a love of accumulation, and underdogs ended up sounding as smug as the authorities they once battled.

“I think rap is about to go back to the early nineties,” Gibbs told me. “You could do whatever you wanted, and radio had to play it.” Gibbs does not currently have a record deal, and he isn’t looking for one. ♦

Gil Scott-Heron de regresso

2009-10-17T12:55:00.003+01:00

Depois das terríveis histórias de há um par de anos que davam conta de um Gil Scott-Heron à beira do abismo do álcool e das drogas, facto que o levou mesmo a passar um período na prisão, parece que há boas novas: o cantor prepara-se para regressar ao activo com um novo álbum, «I'm New Here», que será editado logo nos primeiros dias de Janeiro próximo. Através do facebook, Gil Scott-Heron levantou o véu sobre o novo trabalho, revelando um link para o site oficial do novo álbum, que partilho logo abaixo. Entre os excertos que se podem ouvir, que revelam uma voz com cicatrizes, mas tão poderosa como sempre, há até uma versão de «Me and The Devil Blues» de Robert Johnson. Power to Gil! Deixo aqui um texto de há um par de anos a propósito da reedição de «Winter in America».

GIL SCOTT-HERON
“Winter in America”
(Strata East/Get Back/Trem Azul)

“Look around in any corner/if you see some brother/looking like a gonner/it’s gonna be me…” Quando Gil Scott-Heron gravou estas palavras na canção “The Bottle”, incluída no memorável “Winter in América” (o seu único álbum para a “cult label” Strata East, originalmente editado em 1974), não podia imaginar que por esta altura haveria de estar a cumprir uma sentença de prisão por posse e consumo de cocaína. Diz-se que a arte imita a vida, mas no caso particular de Gil Scott-Heron parece que a sua vida cumpriu os desígnios que originalmente o inspiraram a escrever.
Scott-Heron é, sobretudo, um poeta que, como poucos, soube cantar a negritude na América, nunca se coibindo de expor os podres que avassalavam as suas ruas, apontando o dedo aos responsáveis de ambos os lados da barricada que delimita o “ghetto”. Neste álbum, por um lado, temos um profundamente irónico “H2O Gate Blues”, sobre o escândalo de Watergate denunciado pelo Washington Post, mas também se encontra “The Bottle”, um retrato agudo do vício dentro da sua comunidade. “See that black boy over there running scared/His old man in the bottle/He done quit his 9 to 5 he drinks full time/and now he’s living in the bottle…” Gil Scott-Heron, qual “griot” moderno, observa o pulsar do seu povo de uma esquina espiritual para depois disparar a pergunta “And don’t you think it’s a crime when/time, after time, after time, ‘people in the bottle?/There’s people living in the bottle…” Gil não fornece respostas, apenas se questiona, agitando bem em frente do seu próprio nariz um espelho que reflecte a complexidade de uma comunidade a braços com um novo género de devastação – interna, funda, dolorosa. Mas, como explica nas notas que assina no interior da capa deste álbum, “black people have been a source of endless energy, endless beauty and endless determination.” E realmente, a misteriosa beleza da arte de Gil Scott-Heron pode começar a explicar-se pelo facto da sua voz irradiar, a um tempo, dor e esperança, derrota e determinação.
“Winter in América” marcou o arranque da colaboração de Gil com o pianista e arranjador Brian Jackson, que o haveria de acompanhar até aos anos 80, através da sua discografia na Arista. A música que ambos criaram neste álbum é profundamente espiritual, descolando para um plano mais físico, como em “The Bottle”, quando as palavras adquirem a crueza de uma tentativa de abanão das consciências. Enleada na reverberação cristalina do Fender Rhodes, a voz de Gil Scott-Heron assume uma dignidade inabalável e, quase trinta anos depois da edição original, faz de “Winter in América” um presságio negro. Ainda nas notas do interior deste álbum, Gil Scott-Heron escreve: “We approach winter, the most depressing period in the history of this industrial empire, with threats of oil shortages and energy crises.” Os tempos não mudaram. E agora, é Gil que se encontra preso dentro de uma garrafa feita de grades. Peace go with you, brother! We will see you in the spring… RMA

Excertos de «I'm New here»

Edan - Echo Party

2009-10-15T15:36:00.001+01:00

Nice!

FROM THE DETAIL-OBSESSED MIND OF EDAN COMES AN ASTOUNDING 30 MINUTE PASTICHE OF DANCE, RAP, AND PUNK THAT UTILIZES EVERYTHING FROM TURNTABLES TO TAPE ECHO, GLOCKENSPIEL TO GUITAR, MOOG TO KAZOO...Ever since the success of Edan’s 2005 sophomore release Beauty and the Beat (Lewis Recordings) the phones have been ringing off the hook here at Traffic Entertainment with questions from all around the world asking “What’s up with Edan” and “When is the new album coming out?”

After it became clear to us that a new Edan album was nowhere near completion we had a eureka moment. We approached Edan with a unique opportunity; full access to Traffic Entertainment Group’s extensive back catalog to mix and rework in any way he could imagine. We figured this would be a fairly quick and painless project that would be fun for Edan and also offer him some help in getting his name back out into the market while shedding some light on lesser known but full on dope titles buried deep in our back catalog. Two years and a new label later, Five Day Weekend and Edan have finally finished the project. What began as a simple mix, has grown into a colorful full on production album that features Edan as the musician displaying his skills on live instruments including synthesizers, guitar, percussion, echoplex… even glockenspiel and kazoo.

Echo Party has Edan’s personality intermixed with a wealth of amazing material. Elements are pulled from original multi tracks and these isolated accapellas and drum breaks have not been heard by any ears except the engineers and original artists that were in on the original sessions. Other portions are more identifiable though obscured by the filter of Edan's ever improving studio techniques. Only an artist like Edan with his borderline obsessive commitment to detail could have brought such a project to life. Echo Party promises to be one of 2009’s most celebrated releases.

Pré-encomendas aqui!

O Tesouro de Jackson

2009-10-11T07:35:00.005+01:00

História do Chicago Reader que é um misto de trabalho de detective e de esforço máximo de diggin': a descoberta da primeira gravação de sempre de Michael Jackson. Para lá do folclore neste momento associado a tudo o que diz respeito ao "rei da pop", esta história revela algo sobre os caminhos traçados pela música negra na América que ainda não podia sonhar com Obama - pré-Civil Rights Movement. Uma belíssima leitura. Bom domingo!

The Jackson Find
This was supposed to be the story of the Jackson Five’s first single, cut in Chicago in 1967. But while writing it, Jake Austen picked up the trail of a tape nobody knew existed: the earliest known studio recording of Michael Jackson and his brothers.
By Jake Austen

Jackson Five photo from the collection of Jake Austen; photo of tape by Jim Newberry
The Jackson Five; the "Big Boy" reel from One-derful Records

When the world paused this summer to look back on Michael Jackson's extraordinary career, one chapter was missing from all the retrospectives, which skipped straight from the Jackson Five's formation in Gary, Indiana, to their explosive rise to stardom on Motown Records. Though every last recording by Elvis and the Beatles—the only other pop stars of Jackson's magnitude—has been meticulously documented, not even the most obsessive collectors have the whole story behind "Big Boy," the Jackson Five's first single.

Die-hard fans know it was recorded in late 1967 and released early in '68 on Gary's Steeltown Records. But most of the rest of the information out there is flawed or incomplete. The 1992 miniseries The Jacksons: An American Dream fictionalizes the session, placing it in 1966 and pretending, probably for licensing reasons, that the Jacksons recorded a cover of "Kansas City." Even Michael's 1988 autobiography, Moonwalk, gets most of the details wrong—not surprising given that he was nine at the time. And to my knowledge no published account has ever mentioned that "Big Boy" was cut in Chicago.

What you're about to read is not only a detailed account of the Jackson Five's Steeltown session but also convincing evidence that by then the group had already been in development with one of Chicago's most important black-owned labels—an episode previously completely lost to history. More compelling still, this label's efforts included an even earlier recording session. My efforts to jog the memories of the people closest to that session have resulted in the discovery of what many of the King of Pop's fans will consider the ultimate artifact: a studio master, by all appearances recorded by the Jackson Five, that predates the sides that for more than 40 years have been considered the group's earliest. In other words, Michael Jackson's first professional recording.

Anyone attempting to fill in some of the blank pages of the Jackson Five's early history will shortly find there are few facts upon which any two witnesses agree. Virtually everybody who encountered the group during its formative years, for instance, claims to have discovered Michael. Some claims are reasonable: Roosevelt High teachers Genevieve Gray and Yjean Chambers showcased the Jackson brothers in momentum-building talent shows starting in 1965. Others are ridiculous: Motown exec Berry Gordy fabricated Diana Ross's 1969 "discovery" of the group to whip up hype. Steeltown Records cofounder Gordon Keith, 70, is the man with the largest body of tangible evidence to back up his claim: he estimates that "Big Boy" sold more than 60,000 copies.

Many have made and lost millions on the backs of the Jacksons, but Keith's fortunes have remained largely unchanged since the mid-60s, when he founded Steeltown with four partners: Ben Brown, Ludie Washington, Maurice Rodgers, and Willie Spencer. The former steel-mill worker still lives at the Gary address that's printed on the first pressing of "Big Boy." These days most conversations he has about the Jacksons turn toward bitter reflections on the "double cross" he says took them from him—Joseph Jackson and Berry Gordy are the worst of many antagonists in these stories—yet he still sees their appearance on his doorstep as divine intervention. God, he says, gave him the gift of a group that was ready.

By 1967 Steeltown had released several singles without scoring a hit. Keith had seen enough Jackson Five show placards around town to convince him that the group was hardworking—he figured they might be the rare young act that combined talent with discipline. He got the family's number from a group that studied with the Jacksons' music teacher, Shirley Cartman (another reasonable claimant in the Jackson Five discovery sweepstakes), called patriarch Joseph Jackson, and was invited to the family's home for a private performance. Before they'd even played a note Keith saw something that convinced him Michael was extraordinary—something he says he'd never seen before and never saw again. "They were setting up in the living room," Keith recalls, "and Michael walked over to Tito's guitar cord, which was stretched between the guitar and amplifier, chest high to Michael, and I seen him flat-footedly jump over that guitar cord . . . not a running jump, flat-footed! I was pretty sold right there."

The boys' performance lived up to Michael's acrobatics, and Keith decided to negotiate with the Jacksons' management to take over their contract. Even then the question of who managed the group was complicated—Joseph would strike deals, often overlapping, with anyone he thought could help the boys get ahead—but two of the major players were WVON disc jockeys Pervis Spann and E. Rodney Jones.

In late 1965 or early '66 a triumphant Jackson Five talent-contest appearance at Chicago's Regal Theater had so impressed Spann that he and Jones offered to manage the act. (Spann also frequently takes credit for discovering Michael.) Keith remembers Jones (who died in 2004) claiming to have spent tens of thousands of dollars promoting the group to no avail. Keith thought that was odd, considering how polished they were and how influential Spann and Jones were, but he was thrilled to sign them anyway.

Gary had a recording studio, run by Bud Pressner, a saxophonist who in the course of a 50-year career as a performer and engineer worked on everything from his own Buddy Pressner Orchestra tunes in the 40s to raunchy late-80s house music. But Keith decided this recording deserved big-city gloss, and arranged for the boys to head into Chicago.

So after school one afternoon in November 1967, Michael, 9, Marlon, 10, Jermaine, 12, Tito, 14, and Jackie, 16, piled into the family Volkswagen with Joseph and rode across the state line to Chicago's West Englewood neighborhood, parking in front of Sunny Sawyer's recording studio on West 69th. Today that address is a vacant lot overrun by six-foot weeds, neighbored by the last surviving commercial buildings on the block—a tavern called Mitchell's that's attached to Rainbow Food and Liquor and a boarded-up pharmacy. But in the late 60s it was at the heart of a busy business district.

An ambitious entrepreneur, Sawyer was running a small record-pressing plant called Apex at 2009 W. 69th when, around 1965, he partnered with an older recording engineer, Vaughn Morrison, who designed and built a studio one door west. Most people knew it as Sunny Sawyer's studio and others simply called it Apex, but its proper name, painted on its glass-brick facade, was Morrison Sound Studio. In '61 Morrison had produced a top-ten pop hit, "This Time," for Indiana native Troy Shondell.

"Morrison was a genius," says legendary Chicago engineer Ed Cody, who often hired him to make stampers for his records. "Very knowledgeable." Though relatively small, maybe 1,200 square feet, the recording room had a rounded ceiling designed to disperse sound evenly. "Acoustically it was a live room, instead of a big dead-sounding studio," recalls Jerry Mundo, a musician and songwriter who frequently worked there. "It didn't suck up a lot of sound, so most of the things we did came off bright and very definite." The studio was stocked with high-quality Austrian microphones and an Ampex MR-70 four-track tape recorder, a costly top-of-the-line machine. "Unfortunately," Mundo says, "only three tracks were working, so we'd have to mix down and ping-pong. It was tedious, but it was better than having one track or two tracks."

By 1967 Sawyer had bought Morrison out. Early on he did some work as a vanity press—south-side gospel artists would pay to record, then take home 500 copies to sell or distribute at church. A good engineer with a good ear who'd worked at Universal, the top studio in the city, Sawyer also released rock 'n' roll, R & B, and blues records by artists like Mighty Joe Young, Fenton Robinson, and Josephine Taylor on his own labels, Palos, New Breed, and Betty—the last named after his wife, who along with another woman operated the machinery at the pressing plant while he ran the studio. Business was decent, but neighbors complained about booming bass leaking into their laundromat and grocery store. "Sometimes, knocking out the jams, you get up there in the dBs," Mundo says. "To get your hot sound, you're gonna have some bleed out the door." According to Mundo, business owners in the neighborhood—which was then predominantly white—were also intimidated by the steady stream of black bluesmen coming in for late-night sessions. By 1969 Sawyer's landlord had terminated the lease, forcing him to relocate to 72nd and Racine.

But it's unlikely any neighbors were intimidated by the visitors on that fall day in '67. "The Jacksons were little angels," Sawyer says, "and real professionals, doing their own stuff." Joseph had trained Tito on guitar and Jermaine on bass, and young family friend Johnny Jackson (no relation, though Motown would bill him as a cousin) was an excellent drummer. All three play on the recordings, but Keith supplemented Tito and Jermaine with adult musicians, including Richard Brown on rhythm guitar, Freddie Young on lead guitar, and Ray Grimes on bass. He brought in Lamont King on bongos and a conga player whose name he forgets (though he recalls he was a nephew of deejay Daddy-O Daylie). Keith and Steeltown co-owner Ludie Washington (who later recorded his own sides as Lou D. Washington and moved to California to act in movies like UHF and House Party) sang backup harmonies on "Big Boy," along with Gary vocalist Delroy Bridgeman.

Bridgeman had been a member of a 50s doo-wop group called the Senators, who recorded for Vee-Jay subsidiary Abner, and Sawyer's place was quite modest compared to studios he'd used in his heyday. "You could probably put the studio we were in into one of Universal's office spaces," he says. While many operations on Michigan Avenue's Record Row had offices, rehearsal rooms, and places for musicians to lounge, Sawyer's studio consisted of nothing more than the live room (where a piano and drum kit took up a fair amount of the space), a small control room, and a bathroom.

In a single lengthy session the group recorded four songs, all of which Keith says were already in their repertoire. "Big Boy" was by saxophonist Eddie Silvers, who at the time was playing in a group called the Soul Merchants and working as music director for Chicago R & B label One-derful Records. Its eventual B side, "You've Changed"—the only Steeltown track the Jacksons would record again for Motown—is by Gary native Jerry Reese. "We Don't Have to Be Over 21" was by Sherman Nesbary, a prolific Chicago writer who recorded under several names, including Verble Domino and Little Sherman & the Mod Swingers. Authorship of the fourth tune, "Some Girls Want Me for Their Lover," is unclear.

Though in Moonwalk Michael recalls being giddy to put on a pair of too-big headphones and sing in a studio with adult musicians, he was far from unprepared. In addition to exhaustively rehearsing at home and hustling amateur nights and talent contests with pristine ten-minute sets, the brothers had also been doing proper shows at Chicago nightclubs like Spann's Burning Spear and the Confidential Club, and they had a regular gig, sometimes playing multiple sets, at Mr. Lucky's nightspot in Gary. Joe had even bought a microphone for their home to help the boys get used to singing into one.

Despite the kids' professionalism, the session was grueling, in part because the Ampex's dead track meant they had to stop more often to mix down and free up space on the tape. As the night wore on the boys grew weary. "I remember looking at the clock—it was 10 or 11 at night—and looking at these young kids up that late who had been at school earlier," says Bridgeman. "I left the studio and went and brought sandwiches for them, because they hadn't eaten since I don't know what time. They had been too intense with the recording to stop to eat."

Though the Jacksons finished all their tracks at that marathon session, Bridgeman says he and two other vocalists, Solomon Ard and George Rias, returned to Sawyer's to redo some backups. Keith recalls bringing the tapes to Pressner's studio in Gary for mixing and mastering. In Moonwalk Michael remembers recording in a studio he identifies as Keith's on Saturday mornings after watching Roadrunner cartoons, but he was likely conflating trips to Pressner's with the recording session—the only thing the boys did at Pressner's, according to Keith, was observe postproduction. Keith sent the master to the Summit pressing plant in Willow Springs, Illinois, and when the records came back he set the single's official release for January 31, 1968. The Jacksons began selling 45s at shows, and Steeltown started working to get local radio to give "Big Boy" a spin.

"Big Boy" is by far the best song from the session. Its author, Silvers, had toured with Fats Domino (he contends he wrote the bridge to "I'm Walking," for which he was compensated one used pink Cadillac), Bill Doggett, and Ike & Tina, a job he says he quit because he was tired of refereeing the couple's brawls. An East Saint Louis native, he'd settled in Chicago around 1965, where his relationship with Saint Louis harmony act the Sharpees helped him move up the ranks at One-derful Records, from writer and arranger to the label's music director.

He'd composed the perfect song for little beyond-his-years Michael: with its combination of juvenile themes (skateboards, Mother Goose) and adult yearning, "Big Boy" would serve as a template for much future black bubblegum music. Silvers's excellent arrangements shine through the slightly murky mix and showcase the somewhat raw, soulful vocal style Michael had developed watching R & B veterans from the wings of the Regal. Though Keith contends that nine-year-old Michael was "a better singer then than what he ended up to be," it's clear from this recording that Motown's infamously rigorous training regimen still had something to offer him. All the same, his slightly nasal, borderline flat singing and odd enunciation (fairy tales is pronounced "fairy ta-wos") add to the single's considerable charm.

Impressed by regional sales, Atlantic Records struck a distribution deal for the single, and on March 5, 1968, Steeltown and Atlantic imprint Atco coreleased a new pressing. Steeltown president Ben Brown says he pushed the record to stores and radio and drove the brothers to promotional engagements. He recalls helping sell influential WLS disc jockey Art Roberts on the Jackson Five, landing them an appearance on Roberts's local Swinging Majority dance show in early 1968, on the same episode as Berwyn rockers the Ides of March. The record was a local hit, and the future looked bright for Steeltown and the Jacksons.

But in June 1968, just three months after the Atco deal, Motown artists Bobby Taylor & the Vancouvers (featuring future stoner comic Tommy Chong on guitar) played Chicago—some accounts say the Regal, others the Burning Spear—on a tour behind their biggest hit, "Does Your Mama Know About Me." Amazed by the kiddie-soul act that opened for them, the band made arrangements for the Jacksons to travel to Detroit and shoot a short audition film to be sent to Motown's new Los Angeles offices.

It wasn't the first time someone had called Berry Gordy's attention to the Jackson Five. Several Motown artists, among them Gladys Knight, had already been singing their praises. But Gordy wasn't interested in dealing with a kiddie act—not until after he saw that audition film, where Michael turns in a dazzling impersonation of James Brown (who also said he discovered the Jacksons). Gordy signed the group away from Steeltown, and Taylor became their first producer at Motown.

The Jackson Five's first Motown release wouldn't come out till fall 1969. Motown's story is that they were unsatisfied with the initial recordings and developed the group for a year; Keith says Atlantic kept Motown in court, waiting out the Steeltown contract. To this day he can't say exactly what happened during all this legal wrangling—Atlantic and Motown clearly considered him a small fish and didn't invite him to the table—but he's certain he got played like a fiddle. In the end Keith was left with nothing but the Sawyer tracks he hadn't yet released.

During this period the people who thought they were managing the Jackson Five could've fielded a baseball team. They included Keith, Spann, Jones, a Chicago policeman named Luther Terry, whom Spann describes as "an individual that had thought he had some latitude . . . but didn't," and New York lawyer Richard Arons, who reportedly struck his deal with Joseph when the boys went east to play Harlem's Apollo Theater in May 1968. It was their first pro gig at the theater, booked by soul singer Joe Simon, who takes some credit for discovering Michael as a result—but the amateur-night audience that applauded the Jackson Five to victory in August 1967, on their first visit, deserves at least as big a share.

After he got squeezed out, Keith says, he just tried to grab what he could. In 1970 he released "We Don't Have to Be Over 21" to cash in on the Jackson Five's Motown success, hiring Gary musician Wilton Crump (whose group the Mellow-Tones had played in Roosevelt High talent shows with the Jackson Five) to add string arrangements that echoed the group's first Motown singles. Keith held tight to his last proper Jackson Five track and instead put a true B side on the B side—a nearly inaudible rehearsal tape of the Jackson brothers and Joseph improvising an instrumental blues vamp, which Keith titled "Jam Session." Later that year he licensed the final side, "Some Girls Want Me for Their Lover," to Dynamo Records in New York. The song peaks with nine-year-old Michael imitating a girl (or perhaps some girls) screaming his name in ecstasy. "We Don't Have to Be Over 21" appears again on the flip.

This exhausted the pre-Motown recordings of Michael Jackson and his brothers—or did it? Though it's proved to be a less popular pastime than discovering Michael, you don't have to dig too deep to find people who say they've discovered a "lost" early recording by the Jackson Five. These claims are both encouraged and confounded by the fact that the Jacksons' 1969 breakthrough was followed by the emergence of hundreds of kiddie-soul groups, many deftly imitating Michael's vocal style. "Every aspiring kid singer wanted to be like Mike," says Ken Shipley of Chicago reissue label the Numero Group, whose 2007 compilation Home Schooled collected highlights of this subgenre. "He set off a copycat shock wave."

In 2006 an English record dealer sold an acetate that he claimed contained two unreleased Jackson Five songs, "Jackson Man" and "Take My Heart," in an online auction for £4,200 (at the time well over $8,000). The disc turned out to be a 1972 recording by the Magical Connection, a group from Chicago's Stateway Gardens housing project. The band later became the Next Movement—they still play Las Vegas showrooms—and in a recent interview made it clear that "Jackson Man" was not inspired by the Jackson Five's patriarch.

Similarly, though the Ripples & Waves' "Let Me Carry Your School Books" mentions a Johnny and a Joe, they're not the Jackson Five's drummer and daddy. But when Steeltown released the song on the band's only single—the group included one of Keith's nephews—Jackson mania was in full swing, and Keith wouldn't have minded if folks made that assumption. In fact he was hoping audiences would assume they were hearing a lost Jackson Five recording, and even renamed the group "Ripples & Waves + Michael"—technically accurate, since they had a vocalist named Michael Rogers. (When I asked Keith if he wanted people to think it might be Michael Jackson, he replied, "I sure did!") Some online sources still insist that Jackson sang on the recording, but Phillip Mack, drummer for the Ripples & Waves, confirms that it was Rogers.

There does exist a lo-fi collection of mostly cover songs done by the real Jackson Five on a cheap home tape recorder, probably in 1967. Keith thinks they were made in the basement of his home, though they may also be from the Jacksons' place—Joseph can be heard speaking and playing guitar on this muddy mess of a session, which just sounds like regular kids banging bongos and tambourines over sloppy guitar and bass. Another story has it that the session was at the home of their teacher Shirley Cartman, and that the tapes were stolen several years later when she had them transferred. This is unlikely, though, because the 1970 Steeltown B side "Jam Session" seems to be from the same recording.

This collection came to light in 1989, after Keith entered an ill-fated business partnership with Jerry Williams, better known as soul-rock eccentric Swamp Dogg. They released an album, The Jackson Five & Johnny: Beginning Years, that supplemented the four Sawyer studio songs with ten of the murky rehearsal tunes, which Williams enhanced with cheesy 80s backing tracks. It made little impact, but the rehearsal recordings surfaced again five years later, when Brunswick Records released Pre-History in advance of Michael Jackson's HIStory box set.

The liner notes of Pre-History, which also includes the four Sawyer sides, explain that Steeltown president Ben Brown produced all the recordings, working with the Jackson Five on weekends at Bud Pressner's studio in Gary, and claim that he later unearthed the master tapes at his parents' home. The notes also say the Jacksons were originally known as the Ripples & Waves, and both sides of the Ripples & Waves single are included as lost Jackson Five numbers. Of course none of it is true—except that Brown did in fact hold the title of president at Steeltown. Keith contends that Pre-History (excepting the Ripples & Waves material) was mastered from a copy of The Jackson Five & Johnny: Beginning Years, and it's hard to argue—Williams's 1989 backing tracks are still there.

Brown, billed in the press releases he sent out this summer as "The Man Who Discovered Michael Jackson," says he had nothing to do with the liner notes and tried to keep the Ripples & Waves songs off the album. "I guess the sound was so similar until they didn't believe me," he says. But he also says that his billing as producer didn't mean he'd produced the original tracks—he admits he wasn't involved with them till postproduction—but rather that he served as executive producer for the reissue project. Keith, for his part, denies that Brown had anything to do with the recordings, even in postproduction.

The Ripples & Waves single had already fooled others, most notably Jackson biographer J. Randy Taraborrelli, but Pre-History redoubled the problem. Because Brown, as a Steeltown founder, was in a position to know the truth, his involvement made the album's false claims that much more persuasive. The resulting flood of misinformation still clogs not just message boards, online forums, and wikis but print accounts as well. In 2000 Motown/Universal even released a compilation of early Motown material titled Ripples and Waves: An Introduction to the Jackson Five, which prompted Keith and his nephew Elvy Woodard (a Ripple) to sue the Jacksons for infringement on the Ripples & Waves name. Keith says the suit was settled in part by several Jackson brothers—Michael not among them—making a DVD in which they personally apologize.

This past July 5, Chicago soul historian Bob Abrahamian interviewed a guitarist named Larry Blasingaine on his long-running WHPK show (it's archived, alongside interviews with hundreds of members of local vocal groups, at sittinginthepark.com). At the time my best information said the Jackson Five had cut their first single at Sunny Sawyer's studio—I hadn't yet learned what it was called—but Blasingaine spoke confidently of a session with the Jacksons at One-derful Records.

Blasingaine, who now goes by both Larry and Hakeem, tells me that on a warm July day in 1967, he headed to the studio in the One-derful building at 1827 S. Michigan. All that year he'd been dropping in after his classes let out at Westinghouse High, and he didn't stop for summer vacation. Though only 15, he was already a brilliant guitarist and seasoned studio veteran, having honed his skills with a west-side community arts organization called Teens With Talent. He'd been recording since age 13 with his own group, then called the Four Dukes and later to be known as Larry & the Hippies. Though none of the members were old enough to shave, they served as house musicians for One-derful in the mid-60s and played behind Alvin Cash, Otis Clay, and Josephine Taylor, among others. They'd later back the Emotions and Jackie Wilson.

On the afternoon Blasingaine remembers, about four months before the Sawyer session, he went into the studio and found his friends the Jackson Five recording with songwriter Eddie Silvers and producer Otis Hayes. Blasingaine's band often crossed paths with the Jacksons—they played the same circuit, sometimes sharing equipment, and both were booked by Luther Terry. "Eddie Silvers was producing them," Blasingaine says. "He wrote the song they were recording, 'Big Boy,' and he saw me when I came in and said, 'Larry, I need you for a minute. I want you to show the bass player, Jermaine, how to keep his bass from booming.'" Then Silvers asked if Blasingaine had his guitar. "Eddie said, 'Grab your guitar, I want you to play this other part with them,' and I did." Silvers had written a melodic guitar part for the song's intro that was likely too difficult for the less seasoned Tito; Blasingaine recorded it and moved on. "I can't even remember if I was there when they sang. Once we finished recording I would go. I was young, you know. We had pop machines; we had other rooms."

Blasingaine's vivid memories of this session initially puzzled me. I'd never heard of any association between the Jackson Five and One-derful, and no collector, historian, musician, or disc jockey I'd spoken to by then had any idea such a session had ever taken place—including Spann and One-derful staffer Larry Nestor, who preceded Silvers as music director.

According to Keith, Spann and Jones had the boys rehearsing at One-derful—many young bands, including some not signed to the label, routinely did so—and had hired One-derful guitarist Jimmy Jones to mentor them. Spann doesn't recall such an arrangement.

But Keith also contends that when he signed the Jackson Five in 1967 he had to negotiate with four managers. He's positive that the boys had a contract not just with Spann and Jones but also with the Leaner brothers.

Though less renowned than the Chess brothers, the Leaners were two of the most important figures in Chicago R & B. From 1962 till it closed up shop in '69, George Leaner's One-derful Records—one of the city's few black-owned labels—was a respected resident of South Michigan's Record Row. While its neighbors were perfecting sweet, smooth Chicago sounds, One-derful released hard, funky, and sometimes crazily comic R & B by artists like McKinley Mitchell, Alvin Cash, Harold Burrage, and the Five Du-Tones, whose "Shake a Tail Feather" became one of the label's most enduring legacies.

George Leaner and his brother Ernie had learned the ins and outs of the business from their sister—they worked at her record store in the 40s—and from their uncle Al Benson, one of the most influential deejays in the history of Chicago black radio. The label's second-floor office, with its rehearsal rooms and its studio, Tone Recordings, became an incubator not just for the label's roster but for much of Chicago's R & B community. "George was a good-hearted guy," recalls Nestor, "and he just wanted to promote music in any way." But this was also good business—the first floor housed Ernie's United Distribution, which handled records from many local and national labels. It behooved the Leaners to have every label succeed, not just their own.

None of this necessarily illuminates the relationship between the Jacksons and One-derful. Spann is certain he did no business with the Leaners beyond picking up records at United, and it would have been unusual for the Leaners to have a contract with an artist and not release the record themselves. But songwriter and vocalist Billy McGregor witnessed a scene in 1966 that may cast some light on the situation. One day when he was at One-derful, working with Eddie Silvers on arrangements for his excellent debut single, "Mr. Shy," he saw Joe Jackson and another man (he's sure it wasn't Spann or Jones) bring Michael in alone for an audition. "He was a little boy," says McGregor. "He sang a cappella 'Tobacco Road' for George Leaner, who said he has talent but it would take a lot to put him out there because of his age—he'd have to have someone with him all the time." Though this suggests a theory as to why Leaner didn't release a Jackson Five record on One-derful, it doesn't explain why the group would've recorded a track at his studio, or what happened to that recording.

Ernie Leaner's youngest son, Eric, was able to help, though he'd turned five years old in 1967 and was unaware of any Jackson Five session at One-derful. He put me in touch with Otis Hayes, who was with the label from its inception as a producer, engineer, writer, and accountant. Hayes describes a previously undocumented chapter in the development of the Jackson Five. He recalls being approached about the Jacksons by Louis Jefferson, aka J.J. the DJ, who was one of the "Mellow Fellows"—a popular group of disc jockeys on the Chicago Heights radio station WMPP.

Though it was a low-power station, WMPP had an influence on black music buyers in East Chicago and Gary out of proportion to its wattage, and this seems to have led Joseph Jackson to enlist J.J. the DJ as yet another agent for his sons. Hayes says Jefferson brought the group in to audition for Hayes, Jimmy Jones, and George Leaner, probably in early 1967. Leaner was apparently more impressed than he had been when Michael auditioned alone the prior year, and according to Hayes he decided to develop the Jacksons at One-derful, intending to sign them to a recording contract.

George and Ernie Leaner circa 1949; Phyllis Newkirk and Eric Leaner
The Jackson family, including Joseph and his wife Katherine, would drive in from Gary after school three or four days a week, Hayes continues, arriving at One-derful around 5 PM—about when Larry Nestor left the office, which could explain why he doesn't remember any of this. Hayes, Silvers, and Jimmy Jones would coach the boys for two or three hours as they studied chord progressions and vocal harmonies, rehearsed their sets, or just jammed, impressing Hayes with their creative tweaks to popular songs. At times the adults would accompany the boys to gigs at clubs and record hops in Gary or Chicago. This went on for perhaps five months, helping transform a talented teen band into an act on the verge of greatness.

As Hayes remembers things, no outside management was involved after Jefferson set up the original audition, which might explain why Spann says he's never heard of this arrangement. "As far as I knew then," Hayes says, "there was no other agent. Joseph was the man. He was pretty strict on 'em." In Hayes's eyes this fatherly discipline was more constructive than problematic, turning the boys into perfect students. "They were all great kids, they would listen, and I think that's what carried them a long way. The father got that in them to learn and learn and learn."

Hayes was convinced that the Jackson Five "had what it took," and says George Leaner was impressed by their progress. "He probably would have signed them up," Hayes recalls, "but when it got into the legalities of it, there was a lot involved with them being minors. They have to have costs in there for tutoring and all that, in case they had to go on the road. Once he checked into it and found out what it involved monetary-wise, he wasn't able to do it at that time."

With the benefit of hindsight it'd be easy to characterize that decision as shortsighted, especially if One-derful already had some kind of preliminary development deal with the group. The label worked with other minors—Blasingaine's band, a young Deniece Williams, members of Alvin Cash's entourage—both before and after the Jacksons. But in all likelihood it was because Leaner realized how big the Jackson Five could get that he chose to be cautious—a runaway hit could bankrupt a small label, because up-front costs ballooned much faster than profits.

One of the strangest things about this chapter in the Jacksons' history is that the major players have kept it to themselves for so long. Discretion and humility often seem to be in short supply whenever the Jacksons are concerned; many of the people who claim to have had a hand in discovering them do so on the thinnest of premises. But Louis Jefferson appears to have taken the story of his role in the band's development to his grave in the early 70s. Amos Cobb, who worked in radio with Jefferson in 1969 and '70, the peak years of Jackson Five mania—and who himself boasts about being the Jacksons' driver, touting his role in their development—says Jefferson never mentioned it, not even privately. Otis Hayes, Jimmy Jones, and Eddie Silvers (who also died in the early 70s, reportedly during a session for Chess) have never gone on record about preparing the Jacksons for megastardom. And the Leaners never loudly lamented the Ones That Got Away, at least not in public.

Tony Leaner, another of Ernie's sons, never heard anything about a Jackson Five session at One-derful either. But he does recall that the label's dalliance with the group was family lore, something they would sit around the kitchen table and joke about during the 70s—he says with a chuckle that his brother Eric, ten years his junior, missed out on all the stories. In the label's waning days, Tony handled promo work alongside his brother Billy (now deceased), and he's quick to point out that his family knew it was far from certain they'd be able to turn the Jacksons into Motown-esque million sellers. "To think that One-derful Records could have had the same success would be a stretch," he says. "And remember, even Berry Gordy was reluctant to work with kids that young."

Because the group spent so many hours at the label's studio, Hayes didn't attach any great significance to the day they recorded "Big Boy" and strains to recall details. It seems unlikely that the session was just a casual rehearsal being taped, but it's not necessarily a given that it was intended for release. George Leaner might have wanted to hear how the band sounded in the studio, or Eddie Silvers might have been documenting his tune and arrangements, making something halfway between a demo for the group and a songwriter demo.

Silvers seems to have been approaching it as a serious endeavor, since he asked Blasingaine to help Jermaine muffle his bass. Blasingaine was certainly experienced enough in the studio to know the difference between a rehearsal and a real session—and if I were inclined to doubt his memory, I would've reconsidered when I saw how upset he was when it came up in conversation that his version of "Big Boy" wasn't the one that got released. For more than 40 years he'd believed that he played on the Jackson Five's first single. Though he'd always had a hard time accounting for the song's middling production quality ("It was kind of a rinky-dinky mix for a One-derful recording," he recalls), he'd never heard that another version had been recorded. When I told him he wasn't on the Steeltown release, he was seriously rattled.

While it's not totally impossible that Steeltown had access to the One-derful tracks, the label definitely had the group rerecord the song with Sunny Sawyer. Silvers could've passed his version along to Steeltown to use as a template, and Ben Brown claims he and Keith listened to it at Pressner's studio, but Keith says he never heard it.

After Ernie Leaner's death in 1990, his children inherited One-derful and its assets, and they've since organized and maintained an archive of more than 700 masters. Unfortunately One-derful's holdings weren't maintained to the highest standards between the company's demise in 1969 and George Leaner's death in 1983. Things got pretty grim in the late 70s, when they were opened up to deep-pocketed record collectors from Japan and Europe. English collector Rod Shard remembers a 1979 visit: "I'm mooching about and trying to avoid things and I've got tape all wrapped around my feet. . . . I try to extricate myself with little luck and I traced it back to a spool with 'Twine Time' written on it. I had to snap the tape to get out of it."

Though the reel Shard saw may not have been the master, Alvin Cash's "Twine Time" was the label's biggest hit. Many tapes less valued by the elder Leaners would've been recorded over or discarded and never even put into storage. The odds of the One-derful version of "Big Boy" turning up seemed slim.

After our initial conversations, Eric and Tony Leaner said they'd try to find the Jackson tape among the surviving masters. They'd just made a deal with a new music-administration firm to digitize their holdings, but though the tapes were finally well organized the brothers weren't optimistic about uncovering one that neither of them had known existed.

On the morning of August 17, though, I received an e-mail from Eric Leaner informing me that his sister, Phyllis Newkirk, had just found two very promising tapes in storage. One reel, dated July 22, 1967, was labeled "Jackson 5 band tracks" and "Young Folks band." (The Young Folk were a former Teens With Talent group with whom Blasingaine often played.) Unfortunately the tape itself looked to be badly deteriorated, warped and discolored and with its magnetic coating coming off in flakes. This made it all the more amazing that the other tape, dated July 13, seemed to be in excellent shape. It was labeled "Jackson Five—I'm a Big Boy Now."

It will likely be some time before anyone, even the Leaners, can hear this recording. Its significance necessitates high-level precautions to protect against damage or piracy. Even after the music is transferred to a digital medium, the Leaners would be wise to explore their options before playing it for the world. Its value—in both historic and monetary terms—is potentially huge. Because of Keith's prickly relations with both Joseph Jackson and Motown, Steeltown's "Big Boy" has never been included in any major-label Michael Jackson or Jackson Five box set or collection. If the unearthed One-derful tape turns out to be what it seems, the song might finally see widespread release—which could turn out to be a very good thing for Keith, especially if it sparks interest in the Steeltown recordings.

The find has also lifted a weight from Larry Blasingaine's shoulders. Still disappointed about the Steeltown single, he was very happy to learn that he played on what might be an even more important Jackson Five recording, and that his memories of the session—almost certainly the group's first—led to the discovery of the tape. When I told him the good news, he was at a loss for words. "Man, oh man!" he declared, the joy plain as day in his voice. "I don't know what to say."

The decades to come may well bring a wealth of unreleased Jackson songs, on par with the from-the-grave output of Hendrix or Tupac. But most observers expect this onslaught to consist principally of overproduced late-period jams, many of them unfinished at the time of Jackson's death and augmented posthumously. The possibility that the first unreleased track to surface will instead be a decades-unheard recording of the Jackson Five's first studio endeavor—a stripped-down 60s R & B tune, cut without adult ringers at a better studio than their debut single—is almost too good to be true. The One-derful session is worlds away from the slick and calculated work the Jacksons would soon do for Motown. It captures an eager, unjaded nine-year-old only months away from the end of his childhood, a childhood he would pursue for the rest of his life: Michael, a big boy now, soulfully lamenting that "fairy tales and wishful dreams are broken toys."

Many thanks to Bob Abrahamian, Rob Sevier, Wilton Crump, James Porter, Larry Nestor, and Robert Pruter for their assistance with this story.

A a Z do Electro

2009-10-09T13:13:00.006+01:00

Ok, este vai ser um longo post. É mais do que óbvio que há neste momento um certo regresso ao Electro original, depois desta palavra ter visto a sua gloriosa reputação algo manchada na primeira parte desta década. Mas gente como Dam-Funk ou Arabian Prince veio repor uma certa justiça com lançamentos recentes. O ano, aliás, arrisca-se a ser de Dam-Funk, com a sua massiva edição na Stones Throw - «Toeachizown» - a revelar-se brilhante a todos os níveis.
Claro que o momento - e a vontade de fazer uma mixtape - fez-me pensar nos clássicos: sim, porque os sintetizadores não foram inventados ontem. Há anos, quando a Lollipop ainda era uma realidade no Bairro Alto, consegui um dos meus melhores achados: a caixa definitiva do Electro por uns míseros dois mil escudos. Ter uma loja passava também por usar o balcão como factor potenciador da colecção pessoal e poucas compras nessa qualidade terão sido tão certeiras como essa. O exemplar mais barato dessa caixa custa 180 euros no Discogs! Mais ou menos ao mesmo tempo que adquiri essa caixa foi publicado na Wire um definitivo artigo de David Toop - «The A-Z of Electro» (de que vou reproduzir excertos mais abaixo) que me lançou no trilho da descoberta: não descansei enquanto não coleccionei todos os discos referidos nesse artigo. Agora, para os interessados em Dam-Funk e afins, deixo ficar algumas portas de entrada num fascinante universo onde as máquinas de arcada são uma realidade e todos querem fazer o smurf.

The A-Z of Electro by David Toop

In its original incarnation, Electro was black science fiction teleported to the dancefloors of New York, Miami and LA; a super-stoopid fusion of video games, techno-pop, graffiti art, silver space suits and cyborg funk. Now that Electro is back, David Toop provides a thumbnail guide to the music that posed the eternal question: 'Watupski, bug byte?'

A
‘Al-Naafiysh (The Soul)’ stands as prime contender for the weird-titles-in-pop award. Released on Aldo and Amado Marin's Cutting Records label, Hashim's glacial, squelching track become a breaker's anthem in the UK. Also ‘Arkade Funk’ by Tilt, Trouble Funk's Washington DC hybrid of arcade games, Electronics, live go-go percussion, and Vocoded, pitchshifted lyrics: "I am an arkade funk machine... search and destroy".

B
Urban spaceman Afrika Bambaataa and producer Arthur Baker, plus musician John Robie, were the trio behind a musical revolution called "Planet Rock", Bambaataa's 1982 single with Soul Sonic Force. Following the impact of ‘Planet Rock’, UK groups made Electro-boogie pilgrimages to Baker's studio in Manhattan: Freeze's ‘IOU’ rocketed jazz funk into the infosphere but more significantly, New Order's "Blue Monday" launched indie dancing and sold massively on 12".

C
Cybotron, the Detroit brainchild of Juan Atkins and Rick Davies, alias 3070, creators of ‘Clear’, ‘Techno City’ and ‘Cosmic Cars’. Cold Crush Brothers were old-school South Bronx pioneers but they joined the beat wave with ‘Punk Rock Rap’ and ‘Fresh, Wild, Fly And Bold’. Captain Rock, Captain Rapp and Captain Sky did their space cadet thang, but nobody could go further out into the phunkosphere than George Clinton.

D
Davy DMX, Queens DJ, multi-instrumentalist and creator of ‘The DMX Will Rock’, named himself after the Oberheim DMX, drum machine of choice in mid-‘80s HipHop.

E
Electro-pop, British style: Depeche Mode, Ultravox, Human League, Gary Numan, Thomas Dolby et al. The one-finger keyboard techniques of Depeche Mode were an inspiration to a generation of scratch DJs across the Atlantic. 808 (as in Roland), the beatbox whose artificiality liberated Electroids from drum cliches.

F
Futura, Fab Five Freddy, Face 2000 and Phase II, all graffiti artists who recorded Electro-rap tracks on Celluloid. The Funhouse, Manhattan's temple of futurist Electro. Freestyle, late ‘80s New York dance music, very post-Electro/pre-Garage, Latin flavoured, frequently softcore (‘Talk Dirty To Me’, ‘Vanessa Del Rio’) as recorded by Corporation Of One, Bad Boy Orchestra and Tommy Musto.

G
After Grandmaster Flash and ‘Scorpio’ came Grandmaster Melle Mel with Electro hits – ‘White Lines’ and ‘Survival’ - followed by Grandmixer D.ST's ‘Grand Mixer Cuts It Up’, a storm of stereo-panned arcade bleeps. D.ST went on to perform live on turntables with Herbie Hancock's Rockit group.

H
With ‘70s albums such as Sextant, Thrust and Headhunters, Herbie Hancock anticipated many tropes and tricks of Electro. His Electro tracks with Bill Laswell - particularly the smash hit ‘Rockit’ - were not such a future shock, and his earlier music has aged better.

I
For glorious one-offs it's hard to beat ‘We Come To Rock’ by the Imperial Brothers, ‘Running’ by Information Society (a Latin freestyle prototype followed up by relentlessly dull quasi-"British" Electro-pop albums) or ‘Inspector Gadget’ by The Kartoon Krew.

J
Boston's Jonzun Crew, led by Michael Jonzun, were literally the most wigged-out Electro act of all, basing their stage appearance on Beethoven. For mutant cyberian phunk, their Lost In Space album, particularly the menacing ‘Pack Jam’, remains chilly the most.

K
Kraftwerk, the showroom dummies who caused Bambaataa to scratch his head and say, ‘'Scuse the expression, this is some weird shit’. For ‘Planet Rock’, Bam used the melody from ‘Trans Europe Express’. Over the distinctive 808 beat, the effect was spectral.

L
Central to the scene due to their Electro edits, Latin HipHop production and remixing were the Latin Rascals - Albert Cabrera and Tony Moran - who made the endearingly trashy Back To The Future album (titles include ‘A Little Night Noise’ and ‘Yo, Elise!’).

M
Miami Bass took up Electro after NYC had finished with it, turned up the sub-bass on the kick drum, filled cars and jeeps with woofers and tweeters, and drive around the hot streets of their Fourth World, postmodern city in a nomadic ecstasy of boom. Tracks by Bose and Gucci Crew II fetishised loudspeaker power, perpetual movement, Robocop and similar urban dislocations; DJ Extraordinaire And The Bassadelic Boom Patrol's ‘Drop The Bass (Lower The Boom)’ went over the edge with its info-bites; The Beat Club's ‘Security’ merged Planet Patrol and Human League into a heaving epic of sci-fi emotions; Maggatron, who combined awesome bass drum boom with rampant George Clinton influences, manic scratch 'n' sniff production, screaming Metal guitar solos and a selfless dedication to Electro cliches. Their Bass Planet Paranoia (1990) boasts titles such as ‘Pygmies In Devilles’, ‘Temple Of Boom’ (the original) and a cover of Clinton's ‘Maggot Brain’ that the late, great Eddie Hazel would have been proud of. Mantronix (Man + Electronix) came just after Electro. The musical combination of raps, vocoded choruses, sequenced basslines, clap delays and crashing beatbox snares suggests they were influential on ‘90s drum 'n' bass. Also hail Man Parrish for the all-time Electro classic ‘Hip Hop De Bop (Don't Stop)’.

N
Gary Numan, the eyelinered squadron leader of British Techno-pop, whose ‘Cars’ struck an unlikely chord in the hearts of Electro-HipHoppers. Buried in the archives but never to be forgotten: Nitro DeLuxe, who briefly fused Electro, experimental House and Techno, apparently without knowing it; Newtrament, whose ‘London Bridge Is Falling Down’ was the first (and one of the few) credible UK Electro records; Newcleus, whose ‘Jam On It’ can still bring nostalgic tears to the eyes of the chilliest Brit-based technocrat or hardass rapper.

O
Bobby O, New York (Mostly hi-energy) producer who released the awesome, surreal Beat Box Boys Electro-minimalist 12’s ‘Give Me My Money’, ‘Einstein’ and ‘Yum Yum - Eat 'Em Up’. Bobby Orlando also signed and produced The Pet Shop Boys in the same year.

P
‘Planet Rock’ for the party people convening on fonky Pluto, and Planet Patrol, a Boston vocal quartet shamelessly transformed into an extra-terrestrial mutation of The Stylistics by Arthur Baker and John Robie in order to sing Electro versions of Gary Glitter's ‘I Didn't Know I Loved You (Till I Saw You Rock And Roll)’ and Todd Rundgren's ‘It Wouldn't Have Made Any Difference’. Their ‘Play At Your Own Risk’ was one of the great Electro singles. RIP Pumpkin, "King Of The Beat", who played all the Electro-tech on Enjoy singles by The Fearless Four and others. Post-Electro, which has to include, for greater or lesser reasons, LFO, Black Dog, Shut Up & Dance, Metalheadz, Bandulu, Moody Boyz, Plaid, As One, A Guy Called Gerald, 808 State, Carl Craig, Bally Sagoo, Massive Attack, Tricky, Portishead, Depth Charge, Chemical Brothers, Underworld, The Shamen, Talvin Singh's Future Sound Of India, Future Sound of London, Jedi Knights, the Clear and Mo'Wax labels, and even, at a pinch, M People.

Q
"Queen Of Rox", otherwise known as Roxanne Shante, who bridged the gap between the Electro era and those crashing Brooklyn beats of the mid-‘80s.

R
‘Rockin' It’ by The Fearless Four was one of Electro's greatest moments. Iconoclasts who borrowed riffs from Gary Numan, Cat Stevens, Gamble & Huff and Herbie Hancock, they took Kraftwerk's ‘The Man Machine’ for ‘Rockin' It’, added a phrase from Poltergeist and created future R&B. John Robie was one of the musical architects of Electro, playing keyboards on ‘Planet Rock’, ‘Looking For The Perfect Beat’ and ‘Renegades Of Funk’, Planet patrol's ‘Cheap Thrills’, ‘Body Mechanic’ by Quadrant Six, C-Bank's ‘Get Wet’ and ‘Walking On Sunshine’ by Rocker's Revenge. Run-DMC may have sounded like stripped down, hard Electro when they started, but by turning the emphasis back on words and beats they blew Electro into the outer darkness.

S
Smurfs were diminutive Hanna-Barbera cartoon people for whom smurf served as a verb: ie ‘My potion is wearing off. We'd better smurf out of here.’ In 1982, Tyrone Brunson, a DC born bass player, made a dance craze record called ‘The Smurf’. More jazz fusion than Electro, ‘The Smurf’ was answered in an orgy of copyright-busting spelling variations by ‘The Smirf’, ‘Pappa Smerf’ and, with far more class, ‘Salsa Smurph’ by Special Request, ‘Smerphie's Dance’ by Spyder-D and ‘(I Can Do It... You Can Do It) Letzmurph Acrossdasurf’ by The Micronawts (an alias for journalist and eventually New Jack City scriptwriter Barry Michael Cooper). Also Shango, the Afro-cybernetic fusion of Bambaataa and Material; Sir Mix-A-Lot, an Electro pioneer who went ballistic with ‘Baby's Got Back’; Sly Stone, exploiting the machine feel of rhythm boxes on There's A Riot Goin' On back in 1971; all things spacey, such as Star Wars, Close Encounters, space suits knocked up from leather and tinfoil, and Sun Ra, credited on The Jonzun Crew's Lost In Space album. Not forgetting the itch to scratch and not excluding ‘Was Dog A Doughnut’, a rare fling at Techno-pop-fusion by Cat Stevens, transmuted into Electro by Jellybean and The Fearless Four.

T
Techno Techno Techno, the man/woman-machine interface, the inevitable spread of music inspired and haunted by technology. For an example of the Techno diaspora, listen to Off's ‘Electric Salsa’ - pure Electro, recorded in Germany in 1986 and featuring vocals by a young blond named Sven Vath. Tommy Boy Records was the New York company run by Tom Silverman and Monica Lynch that released a string of Electro classics, beginning with ‘Planet Rock’. Down in the sunbelt, Luke Skywalker's 2 Live Crew traded in tits 'n' ass, took Miami Bass to the masses, got sued by George Lucas, were taken to court for obscenity, pioneered rumpshaker videos, and generally gave Electro a filthy reputation.

U
UTFO, robot dancers for Whodini who progressed to a career as rappers by launching the Roxanne saga of the mid-‘80s. Also, UK House, whose roots, as early tracks by the likes of Hotline, Zuzan and Krush show, were as much in NYC Electro as they were in Chicago House.

V
Video Games from Space Invaders to PacMan, Defender to Galaxian. "We live in a time of extraterrestrial hopes and anxieties," wrote Martin Amis, looking for answers to questions raised by the so-called blank-screen generation, in his "Invasion Of The Space Invaders". Some vid-kids took inspiration from the alien voices, blips, squirts and mantric melodies of arcade games and made music from it. ‘Waaku-waaku’ went The Packman on ‘I'm The Packman (Eat Everything I Can)’. Amis wrote about Defender as having the best noises: "The fizz of a Baiter, the humming purr of a Pod, the insect whine of the loathed mutants as they storm and sting." Part Gorf command, part Kraftwerk effect, the Vocoder was Techno's primary instrument. A studio device that combines voice sounds and synthesizer, thus symbolising the human-machine interface.

W
‘Woof woof’, a barking noise made by B-Boys in lieu of applause when the Electro shuttle lifted off. Often preceded by ‘Hey buddy buddy’, ‘Wicki wicki wicki’ or similar. Warp 9, whose spacey productions by Richard Scher, Lotti Golden and Jellybean reached warpspeed on the ‘Light Years Away’ dub mix. West Street Mob, Whodini and Whiz Kid all saw their moment and grabbed it. Wildstyle: the film, the record, the mode of behaviour. Back on the beach, ‘Whoomp! There It Is’ by Tag Team was a ‘90s ‘Planet Rock’ soundalike that revived old-school Electro with a vengeance, selling more than four million copies to go quadruple platinum.

X
Xena's ‘On The Upside’, along with Shannon's ‘Let The Music Play’, were quintessential examples of the Mark Liggett/Chris Barbosa sound, the booming, jerky diva-Electro that launched Latin HipHop. Xploitation as in Jheri curl and Zapata-tashed soul bands such as Midnight Starr going for Electro hits. Also xploitation as in Spaghetti Westerns, kung fu, porno and science fiction, all of which provided Electro with its mise en scene. Down in Miami, R&B and disco veteran (soon to be Miami Bass entrepreneur) Henry Stone jumped on the ET boom of 1982 with the Extra Ts and their weird ‘ET Boogie’. "It hurts", said the Extra Ts; King Sporty's EX Tras answered with the stun gun Electro-bass of ‘Haven't Been Funked Enough’.

Y
Yellow Magic Orchestra, who inspired Afrika Bambaataa back in the days. YMO's cover version of Martin Denny's ‘Firecracker’ can be heard on the Bambaataa turntables on the notorious ‘Death Mix’ 12’. In fact, Ryuichi Sakamoto's ‘Riot In Lagos’ had anticipated Electro's beats and sounds in 1980, while Haruomi Hosono's 1983 Video Game Music took the musical use of game noise to a further, maddening conclusion: "Digital sound with body and spontaneity had game-character, no, is music as a game" (album notes).

Z
Zulu Nation, Afrika Bambaataa's vision of a global brotherhood linked by a passion for the cyber-street arts of HipHop culture. Inspired by Malcolm X, Martin Luther King and George Clinton's ‘One Nation Under A Groove’, it was the predecessor to today's invisible engloballed info-community of New Headz.

© David Toop, 1996

Outro artigo crucial para funcionar como mapa neste labirinto é Electro Funk - What did It All Mean pelo pioneiro britânico Greg Wilson.

ELECTRO-FUNK - WHAT DID IT ALL MEAN?
Greg Wilson – November 2002

Electro-Funk is undoubtedly the most misunderstood of all UK Dance genres, yet probably the most vital with regards to its overall influence. Central to the confusion is the term itself, which during 82/83 (before it was shortened to Electro) was specific to the UK. From a US perspective this music would come under a variety of headings (including Hip-Hop, Dance, Disco, Electric Boogie and Freestyle), arriving on import here in the UK, mainly on New York labels like West End, Prelude, Sugarhill, Emergency, Profile, Tommy Boy, Streetwise, plus numerous others. Just as Northern Soul was a British term for a style (or group of styles) of American black music, so was Electro-Funk, and, like Northern, the roots of the scene are planted firmly in the North-West of England.
Although this has been documented in a number of books and publications down the years, often with a fair degree of insight, the subject is rarely approached with any true depth and attention to detail, the information all in fragments. Perhaps the main reason that Electro-Funk remains a mystery to so many people is because it’s audience was predominantly black at a time when cutting-edge black music (and black culture in general) was very much marginalized in the UK, and as a result essentially underground. To keep up to date with what was happening on the British black music scene in 82/83 you’d have had to have been a reader of a specialist publication like Blues & Soul or Black Echoes.
In the UK scheme of things Electro-Funk eventually took over from Jazz-Funk as the dominant force on the club scene, but not without major controversy and upheaval. The purists regarded ‘electronic’ or ‘electric’ (as they called it) with total contempt, rejecting its validity on the grounds that it was, in their opinion, ‘not real music’ due to its technological nature (although Marvin Gaye’s ‘Sexual Healing’ would put paid to that theory). However, as time went on and audience tastes began to change, even the most hostile DJ’s were forced to play at least some Electro-Funk. Despite all the resistance, the movement slowly but surely began to gain momentum, sweeping down from the North, through the Midlands and eventually into London and the South. The reason the Electro scene took so long to fully establish itself in the capital was down to the stranglehold the all-powerful Soul Mafia DJ’s held on the Southern scene. The Soul Mafia, with big names like Chris Hill, Robbie Vincent, Froggy, Jeff Young and Pete Tong, continued to play Jazz-Funk and Soul grooves (later referred to as ‘80’s Groove’). It wouldn’t be until 84 that their virtual monopoly of the clubs, radio, and the black music press began to erode as a new order of music replaced the old, laying the foundations not only for Hip-Hop, but also the subsequent UK Techno and House scenes.
As has often been said, Electro is the missing link of Dance music. All roads lead back to New York where the level of musical innovation and experimentation throughout the early 80’s period was quite staggering. It wasn’t one narrow style that never strayed from within the confides of an even narrower BPM range, Electro-Funk was anything goes! The diversity of records released during this period was what made it so magical, you never knew what was coming next. The tempo of these tracks ranged from under 100 beats-per-minute to over 130, covering an entire rhythmic spectrum along the way. There was no set template for this new Dance direction, it just went wherever it went and took you grooving along with it. It was all about stretching the boundaries that had begun to stifle black music, and its influences lay not only with German Technopop wizards Kraftwerk, the acknowledged forefathers of pure Electro, plus British Futurist acts like the Human League and Gary Numan, but also with a number of pioneering black musicians. Major artists like Miles Davis, Sly Stone, Herbie Hancock, Stevie Wonder, legendary producer Norman Whitfield and, of course, George Clinton and his P Funk brigade, would all play their part in shaping this new sound via their innovative use of electronic instruments during the 70’s (and as early as the late 60’s in Miles Davis’s case). Once the next generation of black musicians finally got their hands on the available technology it was bound to lead to a musical revolution as they ripped up the rule book with their twisted Funk.
Before Afrika Bambaataa & The Soul Sonic Force’s seminal Electro classic, ‘Planet Rock’ (Tommy Boy) exploded on the scene in May 82, there had already been a handful of releases in the previous months that would help define this new genre. D Train’s ‘You’re The One For Me’ (Prelude), which was massive during late 81, would set the tone, paving the way for ‘Time’ by Stone (West End),
‘Feels Good’ by Electra (Emergency) and two significant Eric Matthew / Darryl Payne productions, Sinnamon’s ‘Thanks To You’ (Becket) and, once again courtesy of Prelude, ‘On A Journey (I Sing The Funk Electric)’ by Electrik Funk (the term Electro-Funk originally deriving from this track, ‘electric-funk’ being amended to Electro-Funk following the arrival of Shock’s ‘Electrophonic Phunk’ on the Californian Fantasy label in June). However, the most significant of all the early releases was ‘Don’t Make Me Wait’ by the Peech Boys (West End), for this was no longer hinting at a new direction, it was unmistakably the real deal. An extreme chunk of vinyl moulded by Paradise Garage DJ Larry Levan, ‘Don’t Make Me Wait’ would quickly become a cult-classic, and eventually even manage to scrape into the top 50 of the British Pop chart, purely on the back of underground support (as would a number of subsequent Electro-Funk releases).
As the first British DJ to fully embrace this new wave of black music, I came in for a lot of personal criticism. Having already become an established name on the Jazz-Funk scene, I was seen as a heretic for playing these ‘soulless’ records, especially those that were regarded as the more ‘blatant’ ones (for example, the dreaded ‘Planet Rock’ and the rest of the Tommy Boys stuff, Warp 9 ‘Nunk’ (Prism), Extra T’s ‘ET Boogie’ (Sunnyview), Man Parrish ‘Hip Hop, Be Bop (Don’t Stop)’ (Importe/12), and Italian Zanza 12”, ‘Dirty Talk’ by Klein & MBO). I generally opted for the Dub or instrumental versions, mixing them in alongside the more orthodox Funk, Soul and Jazz-Funk releases of the time at my weekly residencies, Legend in Manchester and Wigan Pier, where the scene first took root. These venues, both state-of-the-art US styled clubs, would become central to the movement throughout the 82-84 period, attracting people from all over the country. The music would also gain further exposure via my regular mixes for Manchester’s Piccadilly Radio (beginning in May 82), and in August 83 I’d introduce Electro to a new audience, when I became the first Dance resident at the now world-famous Hacienda club.
Electro-Funk’s legacy is huge. It announced the computer age and seduced a generation with its drum machines, synthesizers and its sequencers, its rap, cut and scratch, its breaking and popping, its Dub mixes, its bonus beats and its innovative use of samples. Made to be mixed it inspired a new breed of British DJ’s to cut the chat and match the beats. Now legendary names like Grandmaster Flash, Tee Scott, Tony Humphries, Larry Levan, Francois Kevorkian, Shep Pettibone, John ‘Jellybean’ Benitez and Double Dee & Steinski became role-models for tuned-in DJ’s and would-be remixers, whilst pioneers of the new digital sampling technology, including New York producer Arthur Baker and his collaborator John Robie, British producer Trevor Horn (via ‘Buffalo Gals’) and, of course, the Herbie Hancock / Bill Laswell combination, with their Grammy winning ‘Rockit’ (Columbia), not only revolutionized black music but instigated a whole new approach to popular music in general.
Electro-Funk was the channel that finally brought the Hip-Hop movement, and all its various creative components, firmly into the UK mainstream, helping to spread its message throughout Europe and beyond. To all intents and purposes Electro-Funk pre-dates Hip-Hop in a British context, the term not coming into common use here until much later. We were more or less clueless when it came to Hip-Hop until late 82, when Charisma Records in the UK unleashed Malcolm McLaren & The World’s Famous Supreme Team’s ‘Buffalo Gals’ video, which came as something of a culture-shock to say least, bringing the full-force of NYC street-culture out of The Bronx and into our living rooms, and inspiring a carnival of breakdancing in cities and towns throughout Britain during the summer of 83. Eventually we’d learn of its origins with Kool DJ Herc, spinning his famous ‘merry-go-round’ of breaks for the b boys. Before this, most people had presumed that the break in breakdancing referred to the damage you might do to your bones if you got the move wrong!
Although the media gradually latched onto this ‘new dance craze’, the scene that surrounded it wouldn’t receive any serious attention here in the UK until 1984. This followed the runaway success of the Street Sounds ‘Electro’ compilations (Volume 1 released in October 83), which would take the music to a much wider audience, and result in The Face announcing ‘Electro – The Beat That Won’t Be Beaten’ across its entire front page in May 84, a full two years on from the US release of ‘Planet Rock’. This substantial delay in recognition went a long way towards obscuring Electro-Funk’s essential role in kick-staring the 80’s Dance boom, with many UK club historians bypassing the pivotal early 80’s period and mistakenly citing Detroit Techno as the trigger. Even the track that gave birth to Techno, the Juan Atkins / Rick Davies 12” ‘Clear’ by Cybotron (Fantasy), was regarded as an Electro classic here in 83, way before the Techno scene began to take shape, and would feature on the first Street Sounds ‘Crucial Electro’ compilation the following year. Little mention is ever made of the fact that its remixer, Jose ‘Animal’ Diaz, was immersed in NY Electro, with previous mix credits including ‘We Are The Jonzun Crew’ for Tommy Boy, and ‘Hip Hop Be Bop (Don’t Stop)’, which gained a new lease of life following his much sought-after limited edition mix for Disconet (the DJ Only format affiliated to Sugarscoop).
Electro’s star burnt very brightly, initially on the underground and eventually with the club masses. In 1984 the London scene took off in a big way, both in the clubs and on the radio, with the emergence of DJ’s like Herbie from Mastermind (who mixed the Street Sounds albums), Paul Anderson, Tim Westwood and Mike Allen confirming a radical shift in power on the capital’s black music scene. With the substantial weight of London behind it, the Electro movement quickly went overground enticing an ever-increasing number of switched-on white kids in its on-going search for the perfect beat. With a significant proportion of the British youth, regardless of colour, now grounded in Hip-Hop culture, the new UK Dance era was well and truly under way and it wouldn’t be long before musicians and DJ’s here began to create their own hybrid styles, most notably in Bristol where Electro was fused with the Reggae vibes of Dub and Lovers Rock, to bring about a unique flavour that would later be known as Trip-Hop. By the end of the decade cities like Manchester and London had become major players on the now global Dance scene, with the UK a veritable hotbed of creativity both in the clubs and the recording studios.
Electro-Funk was the prototype, and Hip-Hop, Techno, House, Jungle, Trip-Hop, Drum & Bass, UK Garage, plus countless other Dance derivatives, all owe their debts to its undoubted influence. Without it’s inspiration, it’s unlikely that British acts such as Coldcut, 808 State, A Guy Called Gerald, Soul To Soul, Massive Attack, The Prodigy, William Orbit, Goldie, the Chemical Brothers, Underworld and Fatboy Slim, to name but a few, would have emerged. When all’s said and done, Electro-Funk (or Electro or whatever people choose to call it) was the catalyst, the mutant strain that bridged the British Jazz-Funk underground to the Acid-House mainstream, Until this fact is fully recognized the UK Dance jigsaw will remain incomplete and confused, with countless clubbers, twenty years on, having no idea of the true roots of the music they’re dancing to.

© Greg Wilson – November 2002

FOR FURTHER INFORMATION E-MAIL: electrofunkroots@yahoo.co.uk

ESSENTIAL BEATS 82/83

D TRAIN you’re the one for me (US Prelude)
DR JECKYLL & MR HYDE genius of love (US Profile)
STONE time (US West End)
P-FUNK ALL STARS hydraulic pump pt III (US Hump)
ELECTRIK FUNK on a journey (I sing the funk electric) (US Prelude)
PEECH BOYS don’t make me wait (US West End)
SINNAMON thanks to you (US Becket)
AL McCALL hard times (US West End)
ELECTRA feels good (US Emergency)
ATLANTIS keep on movin’ and groovin’ (US Chaz Ro)
AFRIKA BAMBAATAA & THE SOUL SONIC FORCE planet rock (US Tommy Boy)
SHOCK electrophonic phunk (US Fantasy)
SECRET WEAPON must be the music - remix (US Prelude – from the LP Kiss FM Mastermixes vol 1)
GUNCHBACK BOOGIE BAND funn (US Prelude)
THE SYSTEM it’s passion (US Mirage)
ROCKERS REVENGE walking on sunshine (US Streetwise)
GRANDMASTER FLASH & THE FURIOUS FIVE the message (US Sugarhill)
RAW SILK do it to the music (US West End)
THE JONZUN CREW pack jam (look out for the ovc) (US Tommy Boy)
SHARON REDD beat the street – remix (US Prelude)
KLEIN & MBO dirty talk (Italian Zanza)
Q the voice of q (US Philly World)
EXTRA T’s e.t boogie (US Sunnyview)
GEORGE CLINTON loopzilla (US Capitol)
WARP 9 nunk (US Prism)
TYRONE BRUNSON the smurf (US Believe In A Dream)
PLANET PATROL rock at your own risk (US Tommy Boy)
WHODINI magic’s wand (US Jive/Zomba) (RIP Mr MAGIC!!!)
STONE girl I like the way that you move (US West End)
ORBIT the beat goes on (Canadian Quality)
DR JECKYLL & MR HYDE the challenge (US Profile)
TONEY LEE reach up (US Radar)
GRANDMASTER FLASH & THE FURIOUS FIVE scorpio (US Sugarhill)
MALCOLM McLAREN / WORLD’S FAMOUS SUPREME TEAM buffalo gals (UK Charisma)
NAIROBI & THE AWESOME FOURSOME funky soul makossa (US Streetwise)
MAN PARRISH hip hop be bop (don’t stop) (US Importe/12 – later on Disconet 12”)
INDEEP last night a dj saved my life (US Sound Of New York)
REGGIE GRIFFIN & TECHNOFUNK mirda rock (US Sweet Mountain)
MELLE MEL & DUKE BOOTEE message II (survival) (US Sugarhill)
PRINCE CHARLES & THE CITY BEAT BAND the jungle stomp (US MJS)
THE WEBBOES under the wear (US Sam)
THE JONZUN CREW space is the place (US Tommy Boy)
SANDY KERR thug rock (US Catawba)
KLEIN & MBO wonderful (US Atlantic)
EX TRAS haven’t been funked enough (UK Excellent)
VANITY 6 nasty nasty girls (US Hot Tracks – originally on Warner Brothers LP)
AFRIKA BAMBAATAA & THE SOUL SONIC FORCE looking for the perfect beat (US Tommy Boy)
JOHNNY CHINGAS phone home (US Columbia)
PURE ENERGY spaced out (US Prism)
VISUAL the music got me (US Prelude)
C.O.D in the bottle (US Emergency – later on Disconet 12”)
THE JONZUN CREW we are the jonzun crew (US Disconet – later on Tommy Boy 12”)
RUN DMC it’s like that / sucker mc’s (krush-groove 1) (US Profile)
WARP 9 light years away (US Prism)
D TRAIN music (US Prelude)
SHIRLEY LITES heat you up - meltdown mix (US West End)
WEEKS & CO if you’re looking for fun (US Salsoul)
FEARLESS FOUR just rock (US Elektra)
MIDNIGHT STAR freak-a-zoid (US Solar)
FREEEZE I-dub-u (US Streetwise)
SINNAMON I need you now (US Jive/Zomba)
ROCK MASTER SCOTT & THE DYNAMIC THREE it’s life (you gotta think twice) (US Reality)
ELECTRIC POWER BAND papa smurf (US Bee Pee)
NEWTRAMENT london bridge is falling down (UK Jive/Zomba)
S.O.S BAND just be good to me (US Tabu)
TONEY LEE love so deep (US Radar)
NEWCLEUS jam on revenge (the wikki wikki song) (US Sunnyview – originally on US May Hew)
HERBIE HANCOCK rockit (US Columbia)
PROJECT FUTURE ray-gun-omics (US Capitol)
TWO SISTERS high noon (US Sugarscoop)
THE RAKE street justice (US Profile)
WUF TICKET the key (US Prelude)
TIME ZONE the wildstyle (US Celluloid)
CANDIDO jingo breakdown (US Salsoul)
UNIQUE what I got is what you need (US Prelude)
THE PACKMAN I’m the packman (eat everything I can) (US Enjoy)
CYBOTRON clear (US Fantasy)
PLANET PATROL cheap thrills (US Tommy Boy)
NEW ORDER confused beats (UK Factory)
HOT STREAK body work (US Easy Street)
WEST STREET MOB break dancin’ – electric boogie (US Sugarhill)
GARY’S GANG makin’ music (US Radar)
CAPTAIN ROCK the return of captain rock (US NIA)
B BOYS two, three, break (US Vintertainment)
ARCADE FUNK search and destroy (US D.E.T.T)
DIMPLES D sucker dj’s (I will survive) (US Partytime)
G.L.O.B.E & WHIZ KID play that beat mr dj (US Tommy Boy)
TOM BROWNE rockin’ radio (US Arista)
GRANDMASTER & MELLE MEL white lines (don’t don’t do it) (US Sugarhill)
CAPTAIN RAPP bad times (I can’t stand it) (US Saturn)
TWILIGHT 22 electric kingdom (US Vanguard)
RUSSELL BROTHERS the party scene (US Portrait)
SHANNON let the music play (US Emergency)
DJ DIVINE get into the mix (US West End)
THE ART OF NOISE beat box (UK ZTT)
HASHIM al-naafiysh (the soul) (US Cutting)
B BOYS cuttin’ herbie / rock the house (US Vintertainment)
MALCOLM X / KEITH LeBLANC no sell out (US Tommy Boy)
XENA on the upside (US Emergency)
PUMPKIN king of the beat (US Profile)

The above is a list of 100 of the biggest tunes played at Legend in Manchester and Wigan Pier during 1982 and 1983. The tracks are listed in chronological order (the first 3 entries arriving on import in late 81).

E, já agora:

Hip hop electrónico
Por Rui Miguel Abreu

Quem cresceu nos anos 80 sabe bem do que era feita a paisagem da época: computadores com nomes futuristas como Amstrad ou ZX Spectrum, monitores com luz verde, jogos de Arcada chamados Space Invaders, séries de ficção científica na TV – Galáctica, Buck Rogers – mais naves espaciais no cinema – Guerra das Estrelas, Regresso Ao Futuro, ET... Enfim, na época ninguém tinha a cabeça na lua, mas nos confins do espaço, “onde o homem nunca foi antes”. Esta “paisagem tecnológica” surtiu, obviamente, efeitos ao nível da música.
No início dos anos 80, jovens como Juan Atkins, por um lado, e Arthur Baker, por outro, começavam a dar os primeiros passos na produção musical. Maravilhados pela estética do P-Funk de George Clinton, ele próprio um confesso viajante do espaço cujos shows ao vivo incluíam naves espaciais e extravagantes fatos de astronauta, Atkins e Baker atiraram-se de cabeça à tecnologia mais básica existente na época – a caixa de ritmos DMX, a Roland 808 – e começaram a fazer ruído sincopado.
Paralelamente, nos bairros do Bronx, em Nova Iorque, jovens DJ’s começavam a inventar o futuro, tocando duas cópias do mesmo disco alternadamente para criar a ilusão de um break de bateria sem fim. No início, o electro procurava fazer a mesmíssima coisa com caixas de ritmos e sintetizadores: prolongar a batida até ao infinito, por um lado, e emular os sons produzidos por uma banda inteira de funk, capturando o espírito do groove nos circuitos integrados da maquinaria à sua disposição.
Juan Atkins criou, juntamente com Rick “3070” Davies o projecto Cybotron que, praticamente sozinho, lançou as bases do techno de Detroit em faixas como “Clear” ou “Techno City”. Paralelamente, em Nova Iorque, Arthur Baker ajudava a traduzir a visão de Afrika Bambaataa para música, criando, juntos, o hino “Planet Rock”, uma faixa de Hip Hop tão poderosa que haveria de desempenhar o papel no advento de variadíssimos sub-géneros de música de dança apoiada em tecnologia electrónica, como o Electro, o Miami Bass, o Freestyle, o Techno ou até o Acid House...
Quando o hip hop deixou de gatinhar e começou a andar pelo seu próprio pé, os artistas começaram a dispensar as “house bands” dos estúdios em que gravavam – responsáveis por um som ainda muito ligado ao funk e ao disco, nos primeiros momentos da década de 80: ouça-se, por exemplo, “Rapper’s Delight” da Sugarhill Gang – e a mexer directamente nas tais caixas de ritmos que começavam a invadir o mercado. O resultado foi um mergulho instantâneo no futuro, com um funk sintético e fluído, capaz de incorporar as influências vindas da cena “synth-pop” europeia (grupos como Kraftwerk, Yazoo ou Depeche Mode eram ícones para qualquer jovem negro dos “Boros” de Nova Iorque), aproveitando o vocoder ou a capacidade de alterar o pitch de uma voz para dar o ar robótico ás faixas que depois eram adoptadas pelos B-Boys nos seus exercícios de desafio da gravidade conhecidos internacionalmente como “Breakdance”.
Filmes como “Beat Street” ou “Breakin” fizeram muito para levar a sonoridade electro a todos os cantos do mundo. E por um breve momento, grupos como Jonzun Crew, Warp 9, Latin Rascals reinaram supremos, debitando funk cibernético e futurista em pedaços de vinil que hoje são verdadeiras peças de colecção.
O círculo completou-se quando Herbie Hancock, famoso pianista de jazz, resolveu levar ainda mais longe a sua paixão pela tecnologia já evidenciada desde os anos 70 nas suas gravações mais “eléctricas” (ouça-se “Sextant”, por exemplo) e editando, com a ajuda de Bill Laswell e do DJ Grand Mixer DST, o álbum “Future Shock” de onde foi retirado o mega-sucesso “Rockit”, um dos primeiros hits criados pelo poder da MTV. Com um scratch infeccioso de DST (que todos os turntablists apontam como a razão que os levou a eles próprios a tentar scratchar) e um groove electrónico irresistível, “Rockit” foi, porventura, o maior dos sucessos de um género que nos fez acreditar que no futuro todos os robots teriam groove!.

10 CLÁSSICOS DO ELECTRO

1. “Rockit” – Herbie Hancock
2. “Jam on It” – Newcleus
3. “Pack Jam” – Jonzun Crew
4. “Al-Naafyish (The Soul)” – Hashim
5. “Egypt Egypt” – Egyptian Lover
6. “Nunk” – Warp 9
7. “Clear” – Cybotron
8. “Hip Bop Don’t Stop” – Man Parrish
9. “Bassline” – Mantronix
10. “Death of a Rascal” – Latin Rascals

Os curiosos devem, definitivamente, passar por aqui: encontram por aí alguns volumes da já referida série da Streetsounds para download.

E, para acabar, algum eye-candy:

Robots Have Feelings Too by Mr_Mute

2009-10-07T10:44:00.004+01:00

Mr_Mute é muita coisa: um grande dj, um sonhador, um cavalheiro e acima de tudo um amigo. E alguém que entendeu na perfeição o espírito desta série de mixtapes que queremos lançar aqui no 2/4 the Bass: com pitadas de hip hop futurista, ficção científica, muito swing e cenas electrónicas esquisitas. Antes de fazerem download, no entanto, leiam o que Mr_Mute tem a dizer. Sempre o ficam a conhecer melhor. Resta dizer que a capa deste segundo volume da série é, uma vez mais, da responsabilidade do grande Américo Sargaço. Obrigado.

Qual o teu robot favorito (cinema, banda desenhada, engenharia nanorobótica... vale tudo)?
São vários. o C-3PO, as pernas mecanizadas no 'Rockit', o Bender do Futurama e o Hal do 2001: Odisseia no Espaço (embora não propriamente robot mas...)

Já lá vai algum tempo desde a última entrevista que te fiz, ainda para o HdB. Como te defines hoje enquanto DJ?
Mais livre, mais confiante, mais focado.

Recentemente protagonizaste um gesto, quase um manifesto, que vai de encontro a uma saudável auto-estima enquanto dj. Queres falar um pouco sobre isso?
O porquê desse gesto partiu de duas razões principais: desde que sou 'dj', no verdadeiro sentido da palavra, sempre tive presente a prioridade primeira de ter prazer no que faço. À medida que os anos foram passando e me deparei com a encruzilhada de, por um lado, ter a sorte de ter várias residências mensais em diferentes espaços, por outro sentir que estava a encher demasiado chouriço (o perigo da rotina talvez) em contextos que me dizem cada vez menos. Foi fulcral para mim estar lá, com noites boas e com noites para esquecer, e aprender a ter um público à frente mas chegou a necessidade de encerrar este capítulo. Simultaneamente, tomei também esta decisão de deixar de trabalhar nos espaços que pagam determinadas - e insuficientes - quantias de dinheiro pelo serviço prestado e que na sua larga maioria gozam de boas casas todas as noites porque faço sempre questão de ser honesto, de preparar uma mala específica para o sítio onde estou a tocar, com discos que são 'meus' e isso tem que ser pago condignamente. dj's são como chapéus - há muitos - mas já não aceito enfiar a carapuça. Para além de, se eu não me valorizar, quem o fará?

Qual o sítio onde gostas mais de por som?
Nos meus phones.
Em termos de espaços por onde toco, contudo, a noite que me tem dado mais prazer é, sem dúvida, a noite tighten up! com o dedydread. É um privilégio na noite lisboeta poder ter quatro horinhas de partilha de pérolas, muitas das quais desenterradas a dealers que ou sabem o que estão a vender e cobram ou não fazem a mínima ideia do que têm e vendem por 1 euro (viva o digging!) , e haver feedback positivo, e a maior parte das vezes sair suado de tanto dançar!

O que é que um disco tem que ter para tu o comprares?
Música que, de alguma forma, mexa uma corda aqui dentro.
O acto de comprar discos entra em várias 'categorias', algumas das quais mais ou menos consumistas: há aqueles onde descubro fórmulas até então desconhecidas, os outros que ando à procura, os dos artistas que admiro verdadeiramente (e aí compro cegamente até ser convencido do contrário), os que ouço numa loja, sem conhecer previamente o seu trabalho e que, por alguma razão que não cabe à razão entender, concorda comigo ali, no momento... em termos genéricos aponto, idealmente, para o alvo do elemento de surpresa

Dá-nos uma lista dos ultimos 5 discos que compraste...
Lord Newborn & The Magic Skulls (Ubiquity Records)
OST Bad Bad Jimmy Ruckus (Freestyle)
Dusk Till Dawn - Breakestra (Strut)
I Like Your Big Azz (Girl) - Dâm-Funk (Circle Star Records)
Double Up - C.L. Blast (Stax)

Top de produtores neste momento
família stones throw sempre
exile
take
joker
jake one
dz

Próximos locais onde te possamos ouvir a por som?
Colónia nos dias 15, 16 e 17 (para o caso de estarem na Alemanha)
Musicbox no dia 22 de Outubro no 1º dia do festival Jameson Urban Routes
Tighten Up! no Bicaense a 23 com convidado especial Selecta Lexo
e dia 24 no Manga Rosa Lounge em Almada.

Robots Have Feelings Too vol. 2 by Mr_Mute - download

Robots Have Feelings Too vol. 2 by Mr_Mute - soundcloud

Capa Robots Vol. 2

M_Mute on Myspace

Robots Have Feelings Too Vol. 1

África Eléctrica # 39 & 40

2009-10-06T14:14:00.005+01:00

Mais um post duplo, desta vez relativo às emissões 39 e 40 do África Eléctrica. O programa número 39 é inteiramente dedicada ao guitarrista contemporâneo Keziah Jones, com passporte nigeriano mas há muito baseado em Paris e inteiramente apostado em estabelecer pontes entre o que Fela e Hendrix fizeram. A emissão seguinte centra-se na caixa Angola, a edição da Difference que reúne em 4 cds parte importante do espantoso legado do país do semba.

África Eléctrica # 39

África Eléctrica # 40

África Eléctrica # 37 & 38

2009-10-05T10:31:00.003+01:00

Depois de algumas semanas sem colocar por aqui o África Eléctrica, é tempo de recuperar terreno - o programa já ultrapassou as 50 emissões e por isso esta semana faço upload de dois ficheiros rar, cada um com duas horas de grooves puramente africanos.
O programa # 37 começa com uma primeira hora dedicada ao enorme Geraldo Pino, uma espécie de James Brown africano que faleceu no final do ano passado e que deixou discos carregados de funk, como o clássico «Heavy Heavy Heavy». A segunda hora é dedicada a explorar o Congo clássico e eléctrico!
Depois, na emissão # 38, uma selecção mais livre à procura de música para dançar centrada em África. Claro que isso significa recorrer a algumas das belíssimas compilações da Soundway e a gigantes como manu Dibango ou os Lafayette Afro Rock Band. Esta emissão, como é aliás mencionado no programa, serviu para ensaiar os melhores grooves que se tocaram na madrugada de 23 Julho no Festival Músicas do Mundo, em Sines. Boas audições.

África Eléctrica # 37

África Eléctrica # 38

Low End Theory Podcast # 8

2009-10-04T10:16:00.003+01:00

Mais serious business de coordenadas digitais, pressões abaixo de zero e batidas cortantes como aço inox laminado. Desta vez com D-Styles em evidência destacada com os seus lendários skills e a unidade avançada Glitch Mob no comando das operações.

Two of the heaviest entities on the West Coast go for broke on the new Low End Theory podcast. D-Styles takes you on a perverse 360-degree audio journey, while The Glitch Mob drops a dazzling mix of all unreleased jams. Enjoy!

Low End Theory Podcast # 8

Doom no New Yorker

2009-10-02T17:22:00.003+01:00

Viagem ao centro de Doom pela pena de Ta-Nehisi Coates, no mui respeitável New Yorker.

THE MASK OF DOOM

When Dumile began performing as MF DOOM, he extended hip-hop's obsession with façades. While other MCs fashioned themselves after outlaws, thugs, or drug dealers, Dumile, whose handle is inspired by the Fantastic Four villain Dr. DOOM, called himself “the Supervillain.” When he raps, he often refers to DOOM in the third person. Other MCs are obsessed with machismo; Dumile is obsessed with “Star Trek” and “Logan's Run.”

When I rediscovered Dumile, in his new guise, I was on the cusp of fatherhood and life-partnership, and considering divorce from the music of my youth. My outlook was that of any Golden Age proponent - I was worn down by the petty beefs between rappers, by the murders of Tupac and Biggie, and by the music's assumption of all the trappings of the celebrity culture in which it now existed.

DOOM's music was revancne, and me DOOM persona felt as though it had emerged from the graveyard of rappers murdered by glam-hop. Onstage, DOOM looked the part. He cultivated a dishevelled aspect - ill-fitting white tees or throwback Patrick Ewing jerseys. His paunch gently rebelled against the borders of his shirt. He was visibly balding. His manner suggested a retired B-boy tossing off the trappings of domesticity for one last boisterous romp.

The mask “came out of necessity,” Dumile explained. It was a warm afternoon in Atlanta, where he lives now, and we were sitting in black vinyl chairs in an alley in midtown. Dumile wore a green polo shirt, matching green shorts, a pair of black Air Jordans without socks, and a New York Mets cap. His glasses were missing a lens and sat crooked on his face. He removed the Mets cap and placed it on his knee.

Dumile, who is now thirty-eight, was raised on Long Island, home of several prominent rap groups of the Golden Era - De La Soul, Public Enemy, EPMD, and Leaders of the New School. He started performing during the infancy of hip-hop, when no one had yet realized the potential for big money in a guy talking into a microphone.

“Rhyming wasn't that popular back then, but it was fun,” Dumile told me. “And people would say, 'Oh, you rhyme? Oh, snap, say a rhyme for me! Say another one! Say the one about the girl!' Everybody had a cousin who came out for the summer and could rhyme. And you'd be like, 'Oh, he rhymes? Oh, he rhymes? I gotta meet him.'”

“Ever since third grade, I had a notebook and was putting together words just for fun,” Dumile went on. “I liked different etymologies, different slang that came out in different eras. Different languages. Different dialects. I liked being able to speak to somebody and throw it back and forth, and they can't predict what you're going to say next. But once you say it they're always like, 'Oh, shit!'”

For MF DOOM, Dumile wanted to create a character with a complete backstory, which he would reference through a series of albums. “The story was corning together, and it worked and became popular. And now people wanted to see shows, and I'm like, how do I do that?”

“I wanted to get onstage and orate, without people thinking about the normal things people think about. Like girls being like, 'Oh, he's sexy,' or 'I don't want him, he's ugly,' and then other dudes sizing you up. A visual always brings a first impression. But if there's going to be a first impression I might as well use it to control the story. So why not do something like throw a mask on?”

Or throw the mask on someone else Dumile routinely sends out one of his comrades in the DOOM costume and has him lip-sync the entire show. He sees this as a logical extension of the DOOM idea. Fans who have paid for tickets tend to disagree.

If Dumile had his way, he would take it further. He jokes that he'd like to dart backstage after a performance, take off the mask, and then wade into the crowd - beer in hand - and applaud his own work in conversations with strangers, if the subject of DOOM comes up, Dumile will simply play along, like Peter Parker or Bruce Wayne.

"I'm the writer, I'm the director,” Dumile said. “If I was to go out there without the mask on, they'd be like, 'Who the fuck is this?' I might send a white dude next ... I'll send a Chinese nigger. I'll send ten Chinese niggers. I might send the Blue Man Group.”

Dumile has released seven albums since Operation: Doomsday. Most of them have been under the name MF DOOM, but he has also used semi-related personas like Viktor Vaughn (inspired by Dr. Doom's real name in Marvel comics) and King Geedorah (the three-headed monster in Godzilla movies). The most highly regarded of his recent albums is Madvillainy (2004), a collaborative effort between Dumile and the Los Angeles-based underground producer Madlib. (The duo dubbed themselves “Madvillain.") The album's production was minimalist, like much of DOOM's solo work. A great hip-hop producer can hear music that spans many genres and assemble it, in bits, into a coherent aesthetic- and Madlib has an ear for samples ready-made to be looped. But the album's singular sound came mostly from DOOM's raspy baritone rendering a sort of nerdcore poetry: “Off pride, tykes, talk wide through scar-meat / Off sides, like how Worf ride with Star-Fleet.”

One Friday in April, I flew out to meet Dumile in Los Angeles, where he was working on his next project, a second collaboration with Madlib. He planned to work the first night, and offered to let me watch the session. But he was running late, and we settled on simply having dinner and starting up on Saturday.

When I called Dumile the next morning, he offered to send his driver and cohort, Five (named for Johnny Five, the robot from “Short Circuit"), to pick me up at the hotel at one o'clock. By two, I hadn't heard anything, so I picked up a book and headed downstairs.

The party had started early. There was a DJ playing MP3s from his laptop a few yards from the pool. Women in bikinis wandered out from the deck into the lobby. Anxious young men in shorts filed in from the entrance. It was exactly what I would have wanted all my Saturdays to be like when I was sixteen. Except that almost everyone was white.

I spotted Five at a table drinking a Bloody Mary. Short and bespectacled, with a long ponytail, he waved happily as I approached. “DOOM didn't give me your number,” he explained. He did not look as though he'd been trying hard to rectify the problem.

We got into his black Chevy Avalanche and drove down Sunset, presumably to see Dumile at work. But there was much to be done before that. We stopped at Amoeba Records to pick up DOOM's new album, Born Like This, since Dumile had not yet heard the finished product. We had to pick up beer, too, a necessity for the transition from Dumile to DOOM. We had to wait for forty-five minutes in front of the house north of downtown where Dumile was staying.

When he emerged, he was carrying some audio equipment and was accompanied by a woman clutching a large bottle of Grey Goose vodka. Dumile packed the equipment in the trunk. The woman handed him the bottle, and he hopped in the back. He picked up the new record and groused about the cover art. “Five, ride around,” he said. “I want to hear how it sounds.”

A great MC is, on one level, a drummer performing a solo. But, more than that, he is a poet, assembling words according to the rules of a particular meter. Dumile offers a darkly humorous take on the life of the DOOM character. There is no single narrative, as much as there are variations on a theme, the most constant being his mask. From the song “Beef Rap” off of his album MM...Food: “He wears a mask just to cover the raw flesh / A rather ugly brother with flows that's gorgeous.”

Hip-hop feeds on the aggression of post-pubescent males. And Dumile draws on the aggression of a particular type of male who came of age in a particular era. When he claims to “eat rappers like part of a complete breakfast,” when he challenges other MCs to battle for Atari cartridges, when he yells “Zoinks!” mid-rhyme, he's signalling those who grew up with, Saturday-morning cartoons and “The Dukes of Hazzard.” For his listeners, his references - “Good Times,” popping wheelies, karate classes - evoke lost innocence, even when the topic is grim. On “Hey!,” DOOM delivers a couplet about some old neighborhood friends, now incarcerated, over a sample from the theme song to “Scooby-Doo”:

To all my brothers who is doing unsettling bids / You could have got away if it was not for them meddling kids.

“When I do it, I feel like I'm thirteen again,” Dumile told me. “I remember, when we were that age, everybody was nice, and everybody was getting nicer. That same well of energy we were drawing from then, I go to there .... To me it feels like that time was richer, every second was really five minutes. Being older now, grown, I'm like, what do we really do that's fun? I'm kind of corny when you think about it. What could I rhyme about? Let me see, um, I gotta pay the rent today.”

The rest of our day bore this out. We spent the hours in the manner of teenagers with nowhere to be, and I saw that Dumile's music sends me back to adolescence because he lives-at least while he's creating-as though he were back there, too.

We wound through the hills of Los Angeles with Born Like This blasting at full volume. Hip-hop is music for warriors - or, at least, for those who imagine themselves as such. I'd listened to Born Like This on my iPod during the flight out and come away unmoved. But hearing a song like “Cellz” - with its lengthy jacking of a poem by Charles Bukowski, pounding drums, and high slicing whistles-at high volume changed my mind.

Dumile had said he'd be working by noon; it was now four o'clock. We came off a sharp curve, and he pointed out a large house on a cliff, which the producer Danger Mouse had recently bought. We stopped at a broad opening, high up. You could see the neighborhoods of Mount Washington and Cypress Park, a commuter train line, the skyscrapers of downtown Los Angeles. With the music still pumping, he walked around for a bit, nodding and making small talk with Five.

Then they hopped back in the car, and Five drove to the studio, a cottage behind a friend's house. Dumile opened the trunk and pulled out a heavy bag filled with rhyme books, which he'd FedExed out the night before, and passed it to me. “If I'm gonna let you see my rhyme books, you could at least carry the bag,” he said.

Dumile took some audio equipment inside. Then he reiterated instructions that he'd given me the night before: there was to be no talking while he was work- ing, not from me, from Five, or from him. He fiddled with a two-hundred-and- fifty-gig hard drive until Madlib's instrumentals pounded out from the speakers, filling the room.

He paused to explain his approach. “When I'm doing a DOOM record, I'm arranging it, I'm finding the voices .... All I have to do is listen to it and think, Oh shit, that will be funny. I write down whatever would be funny, and get as many 'whatever would' funnies in a row and find a way to make them all fit. There's a certain science to it. In a relatively small period of time, you want it to be, That's funny, that's funny, that's funny, that's funny. I liken it to comedy standup.”

I opened the bag and began paging through the rhyme books. It was a great honor - an MC sharing his rhyme books is like a magician sharing notes for his tricks. I half expected a column of light to bloom from the pages. But Dumile's books were like his songs - scatterbrained. and disorganized, a series of potentially humorous couplets. The best ones were written over in black ink two or three times. Few were arranged into verses. Despite his edict of silence, he spent most of the evening trading jokes with Five, yelling nonsensical phrases (“Flurk! Flurk! Flurk!”) into my tape recorder, making bets centered on Five's bad Spanish, and drinking beer. By 11 P.M., it was apparent that very little would get done. We walked out around midnight. “Give it a day,” he said, “and see how things sound in the morning.”

The electro warz

2009-10-02T12:44:00.002+01:00

The Electro Wars Teaser 2 from Stephen Alex Vasquez on Vimeo.

Pena estes documentários serem apenas talking heads... (mesmo assim quero tentar ver isto).

Wax Poetics # 37

2009-10-01T09:50:00.003+01:00

Though far from an all-encompassing Michael Jackson tribute issue, we still had to show how much MJ meant to us. We go back to Indiana and explore his hometown, talk to the Mizells about the Corporation, and chat with songwriters that MJ paired with through the years. Also: Wah Wah Watson, Bertram Brown, Nicky Siano.

Featured Articles:
The Corporation
When asked about the breakup of the Corporation, the team of Motown Records songwriters responsible for the Jackson 5's biggest hits, Fonce Mizell is coy, if not straight-up avoidant.
Wah Wah Watson
"Working with Wah Wah is a real collaboration," says Herbie Hancock. "It's not like I had the overview and he was able to come up with different ways to express it. He is part of shaping the overview."
Nicky Siano
"David Rodriguez was my mentor and gave me all these DJ rules," Siano recalls. "Like, don't cut off the record before the vocal finished, and get to know your records."

Also includes:

Re:Discovery
Jermaine Jackson, Rebbie Jackson, the Finger 5, the Jacksons, Charlie Chaplin
The Mackrosoft
Ceremonies of sound from jazz-funk shaman
The Phenomenal Handclap Band
Brooklyn DJs-turned-producers forge rock-dance hybrid
Mayer HawthorneSoul's new breed kicks old-school Detroit harmonies
Illa J
Detroit's baby brother steps to the mic with help from another
Shawn Lee
Prolific producer trades instrumentals for fundamentals
Lee FieldsSoul veteran scores masterpiece with the help of Brooklyn's sophisticated funk
The Emperor Machine
Andy Meecham brings synth sophistication to the dance floor
Record Rundown
DJ Frane basks in a garden of vinyl delights
Goin' Back to Indiana
The sun set on a former steel town as the first family of soul rose to fame
Well-Oiled Machine
The Jacksons churned out hits with Motown's Corporation
Going for Self
With the help of hit-maker songwriters and producers, MJ charted his own destiny
The Transformation
Filmmaker John Landis created a monster with Michael Jackson's Thriller
Funky Vocab
Wah Wah Watson spoke a new language with the rhythm guitar
Incorruptible Message
Producer Bertram Brown kept righteous reggae alive in Greenwich Farm
In the Gallery
New York DJ Nicky Siano made an art of mixing records
Analog OutRoland D-50: distinctive synth of MJ's Bad

Mulatu no Africa.Cont

2009-09-27T15:09:00.008+01:00

Mulatu Astatke assinou juntamente com os Heliocentrics um belíssimo concerto no espaço das Tercenas do Marquês que se revelou pleno de potencial. Parabéns ao Africa.Cont, portanto. O evento contou ainda com as prestações do Kora jazz Trio e dos Ferro Gaita, mas confesso que o que me importava mais no dia de ontem era mesmo a prestação dos Heliocentrics e de Mulatu e essa foi carregada de emoções. Free funk mais ethio jazz sem compromissos, com um teclista inundado de ácido, um violoncelista interessado em figurações mais abstractas e um bateria estreante (Malcolm Catto não dirigiu, como de habitual, os seus Heliocentrics) que segurou as deambulações do ensemble com mão precisa, mas subtil. Dois sopros - um saxofonista e um polivalente que se dividiu entre o trompete, o fliscorne e um pífaro ultra-processado -, um percussionista também flautista que comunicava com a audiência em português do Brasil, um guitarrista e um baixista compunham os Heliocentrics que sustentaram os contidos gestos de Mulatu em percussões, Rhodes e vibrafone. As melodias do ethio jazz criado por Mulatu na Nova Iorque dos anos 60 serviram de ponto de partida para explorações mais ou menos cósmicas, certamente livres de qualquer tentação de facilitismo que se pudesse pensar que os assaltaria no primeiro contacto com uma nova audiência.
Depois do concerto, Mulatu concedeu-me uma entrevista que hei-de por aqui reproduzir dentro de algum tempo. Falou com entusiasmo, entre outras coisas, da próxima edição que a Strut lhe reserva e cuja informação citamos do site, aqui em baixo.

Vibraphone and keyboard player, master arranger and bandleader, Mulatu Astatke is one of the all-time greats of Ethiopian music and the creator of his own original music form, Ethio jazz. Through the acclaimed Ethiopiques album series and through featuring on the soundtrack to the Jim Jarmusch film Broken Flowers, his music has belatedly reached a global audience and a new, younger generation of fans. In November of last year, he recorded an inspired new album with London psych jazz band The Heliocentrics for Strut’s ‘Inspiration Information’ studio collaboration series. Now, Strut are proud to present, for the first time anywhere, the definitive Mulatu career retrospective covering his landmark ‘60s and ‘70s recordings.

Mulatu is a true pioneer of African music. He was the first Ethiopian musician of his generation to travel extensively and to record abroad – he studied in the UK in Wales and at Trinity College Of Music in London, cutting his teeth on the buoyant London jazz scene of the early ‘60s. He became the first African student to attend Harvard and he lived and recorded in New York, developing a unique sound that fused Western jazz with traditional Ethiopian melodies. As Mulatu says, “it took a long time to get the balance, to let the colours and the feelings of the Ethiopian modes shine through.” Returning to ‘Swinging Addis’ during the late ’60s, he became a pivotal figure, arranging for many of the country’s top vocalists and developing rich, dense textures in his own music during the final years of Selassie’s reign and the mid-‘70s rule of the Derg Communist military junta.

Tracing the progression of his Ethio jazz experiments with full access to all of the labels for whom he recorded, Mulatu Astatke: New York-Addis-London is the essential Mulatu. Covering his first recordings in the UK during 1965, his groundbreaking fusions for the small Worthy label in New York and his key ‘70s recordings back in Addis on Amha, Phillips and Axum, the album features comprehensive sleeve notes by Miles Cleret, boss of the excellent Soundway Records imprint, and rare, previously unseen photos from Mulatu’s personal archive.

Mil obrigados ao Rodrigo Madeira pelas belíssimas fotos que ilustram na perfeição a grande performance de Mulatu e dos Heliocentrics na noite de ontem.

Mulatu hoje em Lisboa

2009-09-26T11:34:00.003+01:00

Kora Jazz Trio, Mulatu Astatke com os Heliocentrics e os Ferro Gaita são os enormes pretextos para que todos hoje rumem à Rua das Janelas Verdes, em Lisboa. O evento é gratuito e a música imperdível. Uma combinação que geralmente produz enchentes. Esperemos que essa regra se cumpra também hoje. Até logo.

A nova aventura de Geoff Barrow

2009-09-25T11:27:00.007+01:00

Geoff Barrow, dos Portishead, acaba de embarcar numa nova aventura, com o nome de Beak. A julgar pelas amostras, Barrow está a aprofundar as pistas kraut que já se encontravam em «Third», mas com uma via mais física e live.

BEAK> were formed in January 2009 by three Bristol musicians, Billy Fuller, Matt Williams and Geoff Barrow.

The band have very strict guidelines governing the recording and writing process of their work. The music was recorded live in one room with no overdubs or repair, only using edits to create arrangements. All tracks were written over a twelve-day session in SOA Studio’s, Bristol. The album is to be released on Invada records UK and Europe.

Sometimes a band can be no more than the sum of it’s parts, but BEAK> are an equation in which it’s impossible to define equivalents or totals. Instead the meeting of three talent’s form a foundation from which idea’s assimilate and propagate. Those talents are:

Billy Fuller. Reared in Bristol, on an aural diet of anything and everything, facilitated later by his time working in the cities top independent record shop Replay Records, and also playing with handfuls of bands – including Invada’s first signing: Fuzz Against Junk, as well as Massive Attack, Robert Plant, and Malakai. Billy is BEAK>’S thoughtful pulse; his bass a forceful origin for their superlative narrative arcs.

Matt Williams. Picked up a Yamaha keyboard aged three and never looked back, as Team Brick creates dissonance that immediately elucidates free forming thought, and impacts heavily on BEAK>’S rolling landscape. He enjoys playing air drums whilst cycling, singing lines from a favourite Latin prayer and doesn’t understand the music he makes himself.

Geoff Barrow. Musician and producer born near Bristol. Best known for forming and producing popular music group Portishead and part owner of the independent record label Invada Records . Commenting on working in BEAK> "its really good to create music under different conditions than your used too.”

Links úteis:

Beak no bandcamp

Beak no blogspot

Beak no Myspace

Stereossauro ataca de novo!

2009-09-23T09:06:00.006+01:00

Stereossauro, aka Ovelha Negra, está de volta com mais uma pessoalíssima viagem pela música portuguesa que percorre a distância que separa os GNR dos Terrakota e os Deolinda de Bezegol como se de um passinho apenas se tratasse. Por cima de tudo isto uma intensa névoa psicadélica, lo-fi por vezes, que esconde um espírito irrequieto e uma criatividade invulgar. A partir de hoje, para download em exclusivo aqui no 2/4 The Bass e no Myspace de Ovelha Negra, «Até Borras-te Vol. 2». Sintonizem-no hoje também pela mão de Henrique Amaro, na Antena 3.

Como nasceu o teu interesse pela música?
Sempre me interessei muito por musica, e por volta dos 10 anos "descobri" a vasta coleção de discos dos meus tios, que além dos discos ainda tinham guitarras e uma bateria lá por casa. Foi como largarem um guloso numa loja de doces. Foi nessa casa e nessa altura que começei a fazer diggin, sem saber que o estava a fazer, ia para lá com uma cassete e gravava uma ou duas faixas de cada álbum para ouvir no walkman, e mesmo nos dias de hoje vou lá e descubro cenas incrivéis que sempre ali estiveram. Considero-me um privelegiado por ter tido acesso a tanta musica numa altura em que não havia internet nem tv cabo.

Qual o momento em que decidiste ser dj?
Foi e é o scratch, aliás eu não me considero um DJ, na perspectiva de por som em festas, eu sou GIRADISQUISTA! A sonoridade estranha e complexa do scratch cativou-me à primeira audição. E claro que eventualmente ponho som em festas, mas raramente, e sempre com o objectivo de ganhar algum dinheiro para comprar mais discos.

Qual foi o primeiro dj que te inspirou?
O primeiro clique foi com o Terminator X dos Public Enemy, que sempre foram umas das bandas que mais ouvi, mas quem mais me inspirou foi o Mixmaster Mike pela espectacularidade e pela quantidade de técnicas que desenvolveu, a experimentação nos seus álbuns em nome próprio é algo gigantesco.

Como nasceu a amizade e colaboração com o Dj Ride?
Ambos somos das Caldas da Raínha, que é uma cidade pequena, e há cerca de sete anos quando começámos a scratchar éramos provavelmente as duas unicas pessoas que o faziam nas Caldas e por isso era inevitável conhecê-lo. Depois rapidamente percebemos que tínhamos objectivos em comum e que podiamos aprender muito um com o outro, e sempre houve aquela competição saudável para ver quem fazia o beat mais marado, o resultado dessas colaborações e picardias foi uma evolução musical e uma amizade daquelas mesmo à antiga. É sem duvida um grande amigo e uma grande influência. Ele já faz parte da familia e tudo.

Quais são as tuas ferramentas de produção preferidas?
Ableton Live, pads e teclado midi, giradiscos e mixer.

Como é o teu set up de estudio?
As ferramentas descritas na resposta anterior e batuques vários, baixo e guitarra eléctrica, um mic minimamente decente, boss dd6 e um crybaby.

Que papel representa o diggin no teu universo?
O diggin é uma doença. Crónica! É algo que está tão entranhado que já não sai. Basicamente procuro discos em todo o lado, desde a casa dos amigos e familia, à internet, lojas e feiras de velharias. Sempre que viajo para algum lado vou com a fezada de encontrar discos, se fosse ao deserto procurava discos na areia. A sensação de ir para casa com dois ou três discos debaixo do braço para ouvir e passar umas horas a samplar é a melhor parte, "descobrir" novos sons é algo que me obrigo a fazer pelo menos uma vez por semana.

Queres apresentar a mixtape?
Esta mixtape é o segundo volume da série "até borras-te", o conceito básico é pegar em musica portuguesa e remisturá-la, o primeiro volume foi dedicado ao hip hop e a técnica base foi o scratch, no segundo volume usei uma aproximação diferente, com influências jamaicanas, e procurei uma perspectiva DUB da nossa cultura musical. As remisturas foram feitas com o ableton live e com alguns instrumentos. Sempre com a intenção de realçar que se faz boa musica em Portugal e que o nosso "espólio" musical é imenso e em termos de remisturas está practicamente intocado salvo exepções pontuais.
Para esta mixtape usei samples de GNR, Buraka Som Sistema, Ena Pá 2000, Bezegol, Kussundulola, Nerve, Kumpania Algazarra, Jorge Palma, Iodo, Deolinda, Terrakota, Dj Ride, e também samples de cinema, rádio e televisão, e uma dose de bom humor para ajudar à mistura.
A capa foi feita por doutor Ricardo, a foto foi tirado pelo Jorge Vieira.
Espero que gostem e que se divirtam a ouvir o "Até Borras-te"!

Top 5 produtores nacionais:
Dj Ride (o cafajeste mais safado)
Armando Teixeira (vai do metal ao soul como quem bebe um copo de água)
C-real (os primeiros álbuns de Mind da Gap ainda me batem)
Sam the Kid (um talento fora do comum)
New Max (o phalasolo chega e sobra para estar nesta lista)

Top 5 produtores internacionais
Madlib
Lee Perry
Aphex Twin
Jay D
Dust Brothers

Top 5 DJs
Dj Ride
Mixmaster Mike
Dj Shadow
Ricci Rucker
Dj Tigerstyle

Top 5 máquinas
Technics 1210 mk2
Moog little fatty
Boss dd6
Akay mpd 24
Computadores

Top 5 breaks
"head hunters" do herbie, qualquer faixa do álbum dá
"fools" deep purple
"supersticious" pelos ghana soul explosion
"funky drummer" J Brown
e qualquer coisa do Jimmy Hendrix

Quero mandar aquele abraço a toda a gente que me tem ajudado de uma maneira ou de outra, à minha familia, Ride , Calvete, Ricardo e companhia, X-acto, Henrique Amaro e Rui Abreu, Espectro Cliché, e um especial obrigado ao Beat Laden e ao Nerve por me terem confiado pistas para eu remixar.

Stereossauro Até Borras-te Vol. 2

Koushik de borla na Stones Throw

2009-09-23T08:40:00.003+01:00

Koushik proposed that we release an instrumental version of his Out My Window album, where the vocals - what few tracks actually have vocals - are buried deep in the mix, less like a singer than a friendly ghost in the attic. Such a bizarre idea, how could we say no?

It's on CD with 22 tracks, 5 or 6 of which are not on Out My Window, but who's counting? Packaged in thick cardboard with tip-on cover in the style of old school LPs. Cover photo by Eric Coleman.

Está tudo aqui.

Out My Window (Instrumentals and Bonus Beats) - Download livre por uma semana!

Teengirl Fantasy 4 free

2009-09-22T11:47:00.003+01:00

"We were driving all night on tour to New York at some point this past spring in a car that had an old box of cassettes that had been passed down from our friend Ted. The stereo + windshield wipers didn't work, so we were just listening to tapes on a portable radio driving through the rain.... we found this one unmarked black cassette that had an incredible mix on it. The listening experience was so euphoric that we later ended up sampling two of the songs on it to write 'Hollywood Hils' and 'Love Don't Live Here'. We didn't initially write these songs with the intention of one being an A-side or B-side, or of them sharing a unified theme, but after recording the demos we realized that this was going to be our heartbreak 12". Both tracks in their own ways are about tears on the dancefloor, about being happy and sad about the world at the same time while dancing in a group of people who most likely feel the same way as you.

The artwork for the single was made by our friends Camilla Padgit-Coles and Hilary Zarabi-Azam (Hilary's voice also appears on 'Hollywood Hils', hence the name of the track). Together they hand made 100 covers, each one different and unique."

While the record release party was a smashing success, the Dutch declined to purchase a single copy of the record. Since there is no accounting for taste, I am now offering them for sale to the public. Email dickmoverecords@gmail.com if you are interested in such things. To celebrate the release please enjoy the Hollywood Hils EP, also featuring the original demos for the two songs.

Podem encontrar isto tudo no Pukekos.

Superfly: do Porto a Paris

2009-09-19T15:55:00.006+01:00

A Superfly Records é uma referência no universo do diggin' online e angaria elogios dos mais diversos quadrantes: dos coleccionadores de sons do Brasil até aos mais empedernidos apreciadores de soul e, ultimamente, também dos caçadores de irresistíveis grooves africanos. Por trás da operação está Paulo Gonçalves, um nome que ajuda a colocar Portugal no mapa da alta esfera do coleccionismo. Em vésperas de abrir a extensão física da Superfly Records bem no centro de Paris, Paulo fala-nos do seu negócio, explica a sua associação ao incontornável site Paris DJs, para que tem contribuído com fantásticas mixes, e revela-nos as suas paixões.

A Superfly Records prepara-se para dar um salto importante: vai apresentar em breve um novo site e também abrir uma loja no centro de Paris. Poderias contar-nos a história da Superfly até agora: quando começou, como tem corrido e porque te preparas para abrir uma loja física quando a tendência tem sido ao contrário?
A Superfly comeceu em 2000 quando voltei para Paris vindo de Londres. Comecei a trazer discos de Londres e a vender aqui em Paris nas feiras; primeiro eram principalmente discos de Soul e Funk. Na época trabalhava ao mesmo tempo para uma empresa de informática. Em 2002 decidi deixar essa empresa e tirar 2 anos "sabáticos" (ou quase), montei o site e decidi ir para o Brasil para descobrir a musica Brasileira. Passei lá 3 períodos de 6 meses entre 2002 e 2005 e especializei-me na música Brasileira. Em 2005, resolvi ir passar um tempo com a família no Porto e continuei com o site aproveitando a oportunidade para conhecer a música Africana em geral e a música lusoafricana em particular. Ao fim de 2 anos, recolvi dar um passo para ter mais acção e voltei para Paris para desemvolver a actividade, montar uma loja fisica e criar o meu próprio selo.
A loja física é uma aposta arriscada mas continuo a pensar que as pessoas vão continuar a comprar vinil e que o fenómeno da desmaterializaçao da música vai chegar ao seu auge e as pessoas vão voltar a comprar suportes físicos.

Como é que nasceu este teu interesse nos discos?
Desde os 12 anos que compro discos e K7s. Havia uma pequena loja perto da minha casa aqui em Paris e passava lá todas as semanas para comprar música com o pouco de dinheiro que tinha.

Não és apenas um negociante de discos, também és um coleccionador. Há discos de que não te consegues separar ou todos têm um preço?
Nao vou parecer muito romântico, mais sim tudo tem seu preço. O que me interesa é comprar novos discos, não guardar os antigos.

Qual foi o disco mais valioso que negociaste até hoje?
1500 euros por um single do Serge Gainsbourg chamado "La Horse".

Ao longo dos anos li elogios à tua personalidade em todo o lado: da boca do Pedro Tenreiro até a sites como o Soulstrut. Qual é o segredo para se deixar tão boa impressão nas pessoas?
(Risos) Obrigado. Se tal é a imagem veiculada, fico muito feliz.

Os discos de África são uma parte importante do teu negócio. Viajas para comprar os teus discos?
Sim, claro, o mais possível, geralmente uma vez por mês, a qualquier parte do mundo onde tenha discos. A África, tento ir cada vez que surge uma oportunidade mas é mais dificil porque os discos são muito escassos. Óptimos países para visitar são o Mali e o Burkina Faso.

Podes falar-nos um pouco da tua loja em Paris? Como vai ser, onde vai ser, quantos discos vais ter no stock, porquê Paris?
Paris é a quarta capital mundial do disco, depois de Tokyo, Nova York e Londres. Além disso, a variedade dos tipos de musica encontrados aqui é única e a curiosidade cultural dos parisienses é incomparável, no meu ponto de vista. A loja vai ficar na zona da República, no centro de Paris, e devemos ter uns 10000 discos em stock mas mais importante que a quantidade é a qualidade, claro.

Associaste-te ao site Paris Djs e tens colocado lá várias mixes. Como é que essa associação aconteceu?
Através do DJ Manu Boubli, figura conhecida da cena Rare Groove de Paris que nos apresentou e que tambem faz parte do projecto.

Poderias dar-nos um TOP 10 de discos que definam a Superfly?
Muito difícil porque a Superfly é conhecida por vender discos pouco conhecidos mas para mim os clássicos são imbatíveis. Aqui está:

1- John Coltrane "A love supreme"
2- Marvin Gaye "I want you"
3- Al Green "Lets stay together"
4- Ann Sexton "You've been gone too long"
5- Fela Kuti "Roforofo fight"
6- Jorge Ben "Negro é lindo"
7- Luther Vandross "Never too much"
8- Bob Marley "Waiting in vain"
9- Tim Maia "Gostava tanto de você"
10- Willie Colon "Gitana"

Mixes de Paulo Superfly

Shafiq Husayn: bomba!

2009-09-18T13:43:00.003+01:00

Já o conhecia a solo de Mu-Roc, edição na Mochilla. Estreia a sério no próximo mês de Novembro: future soul, oblique hip hop, ancient modern grooves... Shafiq Husayn é parte dos Sa-Ra Creative Partners e de uma subterrânea e revolucionária reinvenção musical em curso. Numa palavra: FIRE!

Patrick Cowley & Jorge Socarras

2009-09-18T11:58:00.005+01:00

As águas agitam-se em torno de Patrick Cowley, um dos meus produtores favoritos, de quem há grandes novidades para o mês de Outubro. Edição de «Catholic», na Macro (texto sobre o disco aqui) e homenagem organizada pela Mama Calizo's Voice Factory onde algumas das suas ferramentas originais, como o equipamento mostrado acima, estará em exposição.

Apresentação:

On October 18th, 2009, Honey Soundsystem and Mama Calizo's Voice Factory will host Megatron Man: The Life and Times of Patrick Cowley an early evening event celebrating the life of a musician who we have bonded over and has influenced us on various levels including our sound, aesthetics and cultural upbringing in San Francisco. Often credited as the American Giorgio Moroder, Patrick's legend has become a symbol for a time when free love and technology would come together to forever change the social landscape. On this evening we come together to celebrate the journey and genius of Patrick to appease all the disco spirits of so many like him who fell victim to the AIDS crisis during the early 80's.

A little background: In the late 70's into the early 80's, inside a music studio tucked away in the back lots of downtown, a handsome young man slaved away in a room full of synthesizers perfecting sounds that would transcend history and continue to resonate today. Outside of this studio was a city experiencing a cultural renaissance fueled by electric nights on the dancefloor in the midst of a burgeoning queer rights movement.

Patrick Cowley, a 30 year old savant who started his career as a lighting technician at a popular dance club to producing highly acclaimed hi-nrg disco tracks and Billboard Chart toppers, is the individual we are celebrating on this special night. On the eve of what would be his 59th birthday we will be honoring our sonic mentor with a celebration and memorial to the life, music and legend of Patrick Cowley. Additionally, this will mark as a precursor to the release of Catholic, the very same week, a previously unheard collaboration between Patrick and Jorge Socarras of Indoor Life.

Please join us in any way that you can to help celebrate our hero and our city by participating in either physical or inanimate form. The event will occur during the late afternoon at Mama Calizo's Voice Factory and feature various rarely seen artifacts from Patrick Cowley's days as well as video screenings and keynote speakers who were well acquainted with the man of the hour giving revealing insights about his life's murky history and a glimpse of San Francisco in the early 80s.

Finally, we will be hosting an open call of submissions for Cowley inspired works from fans all over the world to create a living and breathing exhibit that showcases the past, present and future of Patrick's influence. As far as content you can send us what ever medium you are comfortable with be it musical, graphical or textual. Even better, if you have old photographs, letters or anything else relaying the spirit of Patrick--send those in, we'll gladly accept digital copies as well.

Links: The Life & Times Of Patrick Cowley

Edan de regresso

2009-09-18T11:16:00.004+01:00

Señor Kaos Interviews Edan from Señor Kaos on Vimeo.

Edan, um dos mais criativos produtores/mcs do underground norte-americano está de volta em Novembro de 2009, o que resulta numa notícia que merece fogo de artifício, paradas com elefantes e comendas de qualquer presidente que tenha dois dedos de testa (ou uma boa colecção de indie rap). Na entrevista acima há muita informação e nomes como James Brown e os grandes Latin Rascals são atirados para o ar em jeito de referência para tentar explicar a que soará o novo disco, que tem instrumentos tocados ao vivo e aquela estética de colagem que tanto agrada a estes ouvidos. Mais um para a lista... Keep them comin'.

Koushik grátis na Stones Throw

2009-09-16T18:19:00.004+01:00

Despachem-se antes que termine a benesse:30 faixas instrumentais de Koushik para download grátis no site da Stones Throw.

(Nos últimos tempos tem sido particularmente duro uma pessoa manter-se a par de todas as edições da ST/Now Again... Não há orçamento familiar que aguente tamanha pressão!)

Oh No na Etiópia

2009-09-14T18:10:00.003+01:00

Oh No sampla a Etiópia no seu mais recente projecto para a Stones Throw.

Announced only a few weeks ago, Oh No follows up Dr. No’s Oxperiment by diving again into Egon’s record collection for a region-based intrumental beat album. This time he's headed into the album inspired-by and sampled-from rare 60s and 70s Ethiopian funk, jazz, folk, soul and psychedelic rock.

Even if you’ve never heard an instrument tuned to the qenet scale before[1], even if you’re more into ballads than you are tezetas[2], Oh No’s transformative effect on his source material will blow you away in its otherworldy funkiness.

Sounds cool.

Cassete art

2009-09-14T16:12:00.003+01:00

Brian Dettmer parece ser um artista torturado... Do site Design Boom:

atlanta based artist brian dettmer creates intricate sculptural skeletons using altered cassette tapes. dettmer began creating the pieces in 2005 as he was thinking about the demise of analog media in the increasingly digital world. one day as dettmer was walking down the street he spotted a dead bird and an idea hit him. ‘here was this thing that used to live, its used to fly around and play a vital role, and now it is dead and all that remains is the solid material.’ dettmer was quick to extrapolate this idea linking the bird’s life to that of the cassette. he transformed the skeleton of old cassettes into literal animal skeletons. this lead to a series of 12 human skulls made from tapes, each with a different theme like heavy metal or hard rock. the most complex piece in this body of work is a full skeleton made from over 180 cassettes. all the pieces are made using only cassettes tapes with no glue, tape or other outside materials. while dettmer couldn’t revel his process to designboom, he did tell us that he heats the plastic up so he can literally form and weld them with his wet hands and other tools.

Pornografia

2009-09-14T15:44:00.004+01:00

Grupo do Flicker com uma atitude voyeuristica sobre o diggin e que que expõe por aqui fotos que, nalguns casos, são coincidentes com as mais desvairadas fantasias de muito boa gente, eu incluído. Quem tiver conta no flickr e possuir fotos que se enquadrem neste espírito pode acrescentar o seu trabalho a esta galeria.

Tighten Up hoje no Bicaense - RMA's Chart

2009-09-12T13:27:00.004+01:00

E como prometido ontem, deixo aqui a chart que dará uma ideia do que vai na minha caixa de 45s para logo à noite.

RMA's Chart
The James Brown Soul Train - Honky Tonk
Natural Bridge Bunch - Pig Snoots
Mongo Santamaria - We Got Latin Soul
Los Albas - Bugulu
The Mohawks - The Champ
The Atlantic Sounds - Pata Pata
Kings Go Forth - Don't Taje My Shadow
Kings go Forth - Now We're Gone
The Delta Rhythm Section - Nassau Strut
Bronx River Parkway - La Valla

Tighten Up - amanhã no Bicaense

2009-09-11T14:42:00.003+01:00

O Facebook tem destas coisas: manda-se uma boca e o resultado pode ser fantástico, como, por exemplo, ser convidado por dois notórios e honrados guerreiros do groove para partilhar a cabine em noite de baixas pressões. Será portanto amanhã que rumarei até ao Bicaense só com 45s debaixo do braço para um encontro que será certamente memorável para mim. Em jeito de desafio, pedi aos excelsos Dedy & Mr_Mute que me fornecessem as suas respectivas charts para assinalar o momento. A minha será por aqui postada amanhã, derradeira tentativa de vos convencer a aparecerem por lá!

MR_MUTE's Chart
1. Harvey Scales and the 7 sounds - Get Down
2. Detroit Sex Machines - Funky Crawl
3. Ray Camacho and the Teardrops - Si si puede
4. Cold Blood - I'm a Good Woman
5. Labi Siffre - I got the
6. Steven Ellis - Loot
7. Stevie Wonder - You met your match
8. Faith - Freedom
9. Lack of Afro - The Outsider
10. Salah Rageb - Egypt Strut

DEDY's Chart
1. Mike Pedicin - Burn toast and black coffee
2. Luther Ingram - Oh baby don't you
3. Donnie Elbert - A little piece of leather
4. Little Willie John - I'm shaking
5. Mickie Champion - What god im i
6. Marlena Shaw - California Soul
7. The Cardinals - Choo Choo
8. Manny Corchado - Pow Wow
9. The Mighty Show-Stoppers - Hippy Skippy Moon Strut
10. The Otis and Carla Band - Tramp

Soul soothing sounds

2009-09-11T08:32:00.002+01:00

A mix é de Kidinquisitive, digger à moda antiga que mantém o blog Soul Persuasion que já não é a primeira vez que recomendamos por aqui. Está recheada de sweet soul sounds que vão bem com os dias cinzentos que por aí andam. E cheio de pérolas obscuras:

Doris & Kelley – You Don’t Have To Worry
Buelah Palmer – I Cried Daddy Daddy
Chuck Armstrong –I’m A Lonely Man
Sly & The Family Stone – Underdog
Willie Gresham & The Free Food Ticket – I Cried Boo Hoo
Roger & The Human Body – Freedom
East St. Louis Gospelettes – Have A Talk With God
Headhunters – Don’t Kill Your Feelings
Harold – Shortage Of Love
Kenny James – Hell In New York City
Pin Points – Don’t Cry
Pookie Hudson – This Song Will Last Forever

E há uma Heavy Days 1 também, que pode ser encontrada aqui.

Mulatu & The Heliocentrics em Lisboa

2009-09-10T10:46:00.007+01:00

Yèkatit - Mulatu & The Heliocentrics LIVE
by granjeros

Mulatu & The Heliocentrics ao vivo em Lisboa! É já no próximo dia 26, no âmbito de uma iniciativa mais vasta de que vos dá conta o cartaz mais abaixo. A entrada é livre, mas ao que parece a lotação é limitada. E este é um acontecimento imperdível.
Mulatu e os Heliocentrics editaram um álbum na Strut há não muito tempo e o África Eléctrica deu conta de tal edição (que podem conferir aqui), mas este espectáculo é imperdível por outras e mais significativas razões: o senhor Mulatu Astatke é uma lenda viva, um gigante que criou o "ethio-jazz" e que nas décadas de 60 e 70 lançou registos visionários que, felizmente, não se perderam no tempo. Discos como «Mulatu of Ethiopia» ou «Ethio Jazz» ou até o 10 polegadas que a Soundway editou em 2005 são convenientes provas reimpressas em vinil da visão singular deste homem que tive o prazer de conhecer em Toronto há uns anos e de voltar a reencontrar já este ano em Lisboa, em ambas as ocasiões no âmbito de iniciativas da Red Bull Music Academy. Os Heliocentrics, que acompanham Mulatu no álbum registado para a Strut e agora nos palcos, são uma das mais interessantes e intrigantes propostas musicais dos últimos anos. A discografia é imaculada: depósito sólido de ideias para o futuro do funk, agitado por músicos de excepção. A propósito do álbum «Out There», escrevi estas linhas na Op:

Heliocentrics
“Out there”
Stones Throw / Flur, 2007

“Out there” pode ser encarado como prova da idade adulta da nova cena funk. Malcom Catto - baterista que registou um estranho “Popcorn bubble fish” para a Mo’Wax, que se afirmou como dealer de peças raras de funk e fez dos Soul Destroyers um dos mais avançados colectivos do funk contemporâneo – lidera o ensemble que conta igualmente com uma ligação aos fantásticos Poets of Rhythm. Depois de se fazerem ouvir em “This time”, ponto alto do último álbum de DJ Shadow, os Heliocentrics criaram para a incansável Stones Throw um tratado de alargamento dos horizontes do funk, partindo do groove primal para chegarem a um lugar novo, onde as sensibilidades jazz são mais valia para investir em pura e libertária invenção rítmica.

Por tudo isto e por demais razões que se encontram no cartaz reproduzido abaixo, o dia 26 de Setembro só pode ser passado num sítio. Vemo-nos lá.

The Beatles - edição extra da Blitz

2009-09-10T10:28:00.003+01:00

Com dois dias de atraso, chamo por aqui a atenção para mais um número extra da Blitz, este dedicado aos Beatles que, como sabem, têm a partir de ontem toda a obra reeditada no mercado. Considerações acerca do espírito mercantilista desse gesto de gestão da obra dos Fab Four à parte, a verdade é que no seu conjunto, o "espólio" dos Beatles continua a ser uma referência - para uma época e para um género. E dizer que é uma "referência" é muito diferente de dizer que é um "expoente". Acredito que há na década de 60 discos de outras bandas que são superiores ao melhor álbum dos Beatles («Rubber Soul»? o White Album?), mas a força do quarteto de Liverpool está precisamente no conjunto da obra: quantos grupos da mesma época poderão reclamar a mesma evolução criativa em meia dúzia de anos? Quantos poderão ser vistos como uma ponte entre duas épocas? Quantos tiveram o impacto social dos Beatles? Esta reedição faz, de facto, todo o sentido até porque novas gerações continuam a redescobrir os Beatles, por serem a tal referência incontornável que mencionava. Nesta revista, contamos tudo o que é possível contar em pouco mais do que 50 páginas, abordando vários aspectos da obra e procurando funcionar - e isto é quase serviço público!... - como uma espécie de guia para o tal conjunto de reedições. Boa leitura para os que decidirem comprar, portanto!

GLK e MAH no novo podcast Low End Theory

2009-09-05T15:52:00.003+01:00

Dizem eles:

Episode 7: Mixes by Gaslamp Killer and Mary Anne Hobbs
The new Low End podcast is the stuff of legend. Low End resident The Gaslamp Killer paired with BBC Radio 1's very own Mary Anne Hobbs. Slam dunk!

Wonky beats, leftfield dubs, low frequencies and high expectations: bring it on!

Cut & Egon no Japão

2009-09-05T15:33:00.003+01:00

Na homepage da Now Again Records pode ler-se um extenso report da tour que Egon e Cut Chemist fizeram no Japão. As ilustrações são imensas, por isso à informação que se pode recolher no texto (e é sempre bom atentar aos detalhes: Egon menciona licenciamento de material nigeriano para uma compilação que deverá sair dentro em breve... hum... e outra de psicadelismo made in Indonesia... double hum!), pode somar-se o prazer de perceber como vêem estes dois operários do groove esse incrível país que é o Japão. Fala-se de diggin' - claro! - mas não só. Às vezes, o melhor a seguir a ter lá estado é mesmo ler as impressões de quem lá esteve de facto...

Bernard Szajner

2009-09-04T10:11:00.005+01:00

Quem é Bernard Szajner? Eu confesso que não sabia até me deparar com esta notícia da Fact. E para mim foi impossível ficar imune ao facto de Carl Craig colocar «Some Deaths Take Forever», álbum que Szajner editou em 1980, no topo do seu Top 10 de álbuns favoritos de sempre. Comparações a Brian Eno e à música de John Carpenter - na prática dois opostos absolutos - só mostram como é difícil classificar a música de Szajner. Ecos de rock progressivo, sintetizadores, atmosferas negríssimas e uma tensão constante é o que eu adivinho nesta música sobre a qual nem parece que passaram quase 30 anos. Ainda só a ouvi aqui, mas da Flur já me avisaram que chegaram os dois discos que encomendei - «Some Deaths Take Forever» e «Superficial Music». De acordo com o discogs há mais um álbum, de 1986, editado na island - «Brute Reason». No site oficial fica-se a saber que Szajner continua activo e a preparar quatro álbuns. Fico a aguardar ansiosamente.

Bernard Szajner na Flur.

Caliente!

2009-09-03T10:03:00.007+01:00

Como já referenciado no post anterior, as latitudes dispersam-se na questão da contínua busca do beat perfeito. Acima alguns exemplos de actividade de arquivo com Cuba e o Panamá por terrenos de eleição e ainda a válida tentativa de Will Holland de reinventar o legado latino através da sua nova base na Colômbia. A Honest Jon's também dá cartas nesse domínio: atentem às compilações Cubanismo from The Congo e Big Pow Wow.

Psych Funk 101

2009-09-03T09:11:00.005+01:00

Acabadinho de encomendar na Flur, este álbum foi recentemente recomendado pela Stones Throw, o que deveria ser razão mais do que suficiente para se investigar o seu conteúdo. Mesmo perante a nova realidade digital - em que tudo está disponível ao mesmo tempo e à distância de um click - a verdade é que os diggers continuam a descobrir novos e inexplorados filões. Depois da tendência de investigação de cenas locais (conferir discos como Florida Funk ou Bay Area Funk), muito centradas no que a memória americana tinha para oferecer, os diggers mais empenhados começaram a explorar outras latitudes: Frank Gossner ou Samy Ben Redjeb a redescobrir África, Egon a investigar o Leste Europeu e séries como a World Psychedelic Classics da Luaka bop (de que a Stones aliás editou «Love's a Real Thing» ou, mais significativamente ainda, a contínua aventura Love, Peace and Poetry de Thomas Hartlage oferecem coordenadas para uma visão alternativa do mundo.
Esta compilação parte da Nigéria e estende-se ao Irão, Coreia do Sul, Turquia e Russia numa fantástica investigação da época em que o groove do funk se ligou à expansão de horizontes do psicadelismo. Esta compilação vem acompanhada de um booklet de 36 páginas que oferece mais pistas para prosseguir a investigação.

Holiday is over / Nova Mix de DJ Ferrari

2009-08-31T09:47:00.003+01:00

Nas imortais palavras dos Soul II Soul - «back to life, back to reality». Não tenho grandes certezas se a primeira frase não deveria dizer «back from life», mas estou definitivamente de volta à realidade, depois de duas semanas de descanso (polvilhado, ainda assim, com algum trabalho...).
A despedida formal das férias foi feita com uma missão de diggin' que rendeu alguns títulos curiosos, incluindo uma edição do histórico «Blackground» dos Duo Ouro Negro (que é a minha segunda cópia e por isso mesmo disponível para troca ou venda). Prenúncio perfeito para a época que se avizinha.
E para marcar o regresso à actividade aqui no 2/4 the Bass, sugiro a segunda parte da saga Brasil meu Amor de DJ Ferrari, que, como sabem, foi entrevistado aqui para o blog há um par de meses. Boa audição e, se for caso disso, bom regresso ao trabalho ou até, se tiverem sorte, boas férias!

Hey all,

I finished up another Brazilian mix. I'm in the process of moving so I wanted to get this out beforehand because my records are gonna be in disarray for a bit while I get settled.

This mix is more upbeat than the first one, but covers all genres again. You may notice some of the same records used as the last one. That's because, as many of you know, good Brazilian records are not one trackers. I assure you I've still just scratched the surface of the collection and have a ton more of these mixes to post. Next up is an all Compacto (7" singles) edition.

I'm going back to Brazil in a few weeks for work, but I'll have some time to get out there to find more records. Yay!

As always, feedback is greatly appreciated.

Tracklisting:

Milton Nascimento - Para Lennon e McCartney
Osmar Milito e Quarteto Forma - O Bofe
Doris Monteiro - Maita
Mario Castro Neves & Samba S.A - Candomble
Jorge Ben - Ze Canjica
Os Originais do Samba - Tereza
Ivan Lins - Oba
Antonio Carlos e Jocafi - Morte de Amor
Marcos Valle - Wanda Vidal
Som Tres - O Telefone Tocou Novamente
Jorge Ben - Amor de Carnaval
Rubinho e Mauro Assumpcao - Voce Falou
Rosa Passos - Caminho de Santana
Arthur Verocai - O Mapa
Luiz Eca y la Familia Sagrada - Pais Tropical
Dom Salvador e Abolicao - Som, Sangue e Raca
Novos Baianos - A Menina Danca
Pete Dunaway - Supermarket
Djavan - Serrado
Tuca - Ilha Do Quartzo Azul
O Terco - Meia Noite
Umas & Outras - Primaverando
Momento Quatro - Irmao de Fe
Joyce - Banana
Os Caculas - Por Isso Volto Pra Voce
Trio Esperanca - Visitante KOZE
Som Okey 5 - Razao de Paz Pra Nao Cantar
Beth Carvalho - Andanca
Trio Ternura - Sempre Existe Alguem
Jorge Ben - Meninha Mulher da Pele Preta

DJ Ferrari - Brasil Meu Maor Vol. 2

Faith Summer 2009

2009-08-15T10:36:00.002+01:00

Alguém em Londres que queira passar na Rough Trade ou na Soul Jazz e enviar-me isto? Mais leitura fundamental para o Verão.

Boogie/Modern Soul

2009-08-14T23:16:00.001+01:00

Aqui.

Dig!

Strut activity!

2009-08-14T07:08:00.004+01:00

Duas das mais recentes aquisições na Flur foram Horse Meat Disco e Ze 30, duas excelentes compilações que versam, essencialmente, sobre a mesma matéria: a capacidade que a música tem de despoletar movimentos sincronizados na pista de dança. Claro que a perspectiva alterna, nestes dois casos, entre uma compilação que representa o espírito de um colectivo de djs contemporâneo que opera a partir de Londres e outra que investiga o catálogo clássico de uma editora que ajudou a definir o som da Nova Iorque moderna de finais dos anos 70/inícios dos anos 80. All good.
Mas a Strut agita-se: a série Inspiration Information vai avançar com uma entrada que promove a colisão entre Jimi Tenor e Tony Allen (sendo que já não é a primeira vez que Tenor se cruza com pilares do groove afrobeat - já tinha trabalhado com o mesmo "Pax" Nicholas Addo Nettey - percussionista de Fela - que está prestes a ver reeditado um clássico na Daptone, tal como já por aqui noticiado). Vídeo teaser mais abaixo.
Setembro será igualmente o mês da edição do novo álbum dos Breakestra, notícia algo surpreendente se tivermos em conta a edição há apenas um ano na Now Again. Seja como for, o importante é que apareça, seja qual for a editora. Outra das novidades recentes é Black Rio 2, alvo de um destaque no Ginga Beat que se poderá ouvir dentro de um par de semanas. No site Soul-Sides há duas mixes promocionais que chamam a atenção para Black Rio 2 e Horse Meat Disco e que eu linko mais abaixo.
Boas compras e boas audições!

Horse Meat Disco Promo Mix

Black Rio 2 Promo Mix

Record label fetish

2009-08-14T06:51:00.004+01:00

Definitivamente, não nos parece mesmo que esta "mania" pelas rodelas de vinil vá desaparecer tão cedo. O site Diggers With Gratitude propõe agora uma nova forma de adoração: posters com rodelas vinílicas absolutamente impossíveis de encontrar, neste caso raridades da era dourada do hip hop. Estes objectos de desejo transformaram-se, justificadamente, em posters. E como as reproduções de obras de Picasso ou Warhol - que nos permitem admirar o engenho de artistas que não estão ao alcance de meros mortais - também estes posters reproduzem inalcançáveis objectos que exigiriam muitas horas gastas no ebay e bolsos mais fundos do que o grande canyon. Cool stuff. E depois de obterem os posters, podem mergulhar AQUI.

Novo podcast Low End Theory

2009-08-13T09:40:00.003+01:00

Sexto episódio na saga dos podcasts da Low End Theory desta vez com assinaturas de Nobody & Mono/Poly. Mais baixas pressões e oblíquas estratégias de enquadramento do futuro numa viagem sem fronteiras.

Low End Theory Club podcast # 6